Tonight (I’m fuckin’ you) (2010) – Enrique Iglesias ft. Ludacris

El título de este éxito de Enrique Iglesias tuvo que suavizarse paulatinamente, primero borrando letras y luego sustituyendo fuckin’ por lovin’ y en algunos países incluso reduciendo el título al simple Tonight.

Y es que el bueno de Enrique con este quinto sencillo de su álbum Euphoria (2010) lo que quería era provocar con el título, con la letra y con el videoclip y efectivamente lo consiguió, consiguiendo notoriedad y llevando al tema al número 1 de las listas de éxitos de música de baile americanas y siendo, probablemente, la canción más exitosa de su carrera a día de hoy.

En el tema, remezclado por Hyper Clash y Pitbull, habiendo aparecido ya este último en otro de los sencillos de Euphoria, concretamente en el también muy exitoso "I like it", cuenta con la colaboración de otro rapero, el americano Ludacris, continuando con la costumbre de que todo cantante de pop que quiera tener un éxito necesita meter una parte rapeada en su canción, venga o no a cuento y aporte o no algo a la canción.

En el videoclip, Enrique es un bajabragas que nada más cruzar la mirada con una chica en la discoteca le sirve para llevársela a los servicios y montárselo con ella allí mismo sin siquiera invitarle a una copa. Al día siguiente pasa de ella y se va a México donde participa en un campeonato de póker en el casino y como si fuera James Bond en más de la mitad de sus películas, se ventila allí mismo a una de las jugadoras de su mesa (la modelo Natalia Obradovicova). Pero resulta que la chica que conoció en la discoteca (la también modelo Kristen Carpenter que repitió videoclip con Enrique en "Turn the night up", no entendió eso de que había pasado de ella y se va a Méjico a buscarle para encontrándole dándose el lote con la otra. ¿Y qué pasa entonces? Que Enrique se las lleva a las dos en su yate de crucero por Los Cabos en plan trío bisexual. También sale Ludacris en una limusina clásica con cuatro tías, sin relación ninguna con todo lo demás.

VALORACIÓN

¿Por qué la historia de Ludacris no tiene relación con la de Enrique? Supongo que porque no había necesidad, al igual que tampoco la había para rapear una parte del tema pero que había que meterlo. Puede parecer un sinsentido pero es lo que hay en la industria musical hoy en día.

Podemos fijarnos en el detalle de que le rompe el collar a la rubia a la primera de cambio y que luego cuando sube con ellas las escaleras está el collar intacto.

Podemos fijarnos también en el product placement propagandístico de Pokerstars. Y no sólo podemos sino que debemos hacerlo porque ahí está el quid de la cuestión en que la gente vea lo que te puede pasar si participas en los torneos de póker, que levantando las cartas y la ceja a lo Carlos Sobera te puedes correr unas juergas del copón (y no me refiero o quizás sí que lo hago, a la escena de orgía lésbica que se está montando en la cama a espaldas del pobre Enrique).

Videoclip calentorro pero chorra, que da vergüenza ajena en las escenas del viejo bigotudo y que si ya has pasado la adolescencia no tiene mucho de dónde tirar.

A todo gas 2 – Act a fool (Ludacris – 2003)

En 2001 se estrenó la película A todo gas, más conocida a nivel internacional por su título en inglés The Fast and the Furious.

No es que nadie diese un duro por ella en su estreno pero prácticamente toda la industria pensaba que estaba dirigida a un público muy concreto y que no pasaría de ahí. La idea era atraer a los jóvenes amantes del tunning y de los coches rápidos aderezándolo con chicas guapas, música hip-hop/rap, algo de acción y la clásica trama romántica. De hecho en el reparto sólo había caras pseudo-conocidas con necesidad de revitalizar su carrera. Vin Diesel apenas había triunfado como protagonista con Pitch Black, el malogrado Paul Walker buscaba algo de reconocimiento en la pantalla grande después de ser el filón para adolescentes en series de televisión y a Michelle Rodríguez ni siquiera se la conocía todavía.

Nadie pensaba que la cosa podía funcionar, y ni siquiera después de haber cosechado un gran éxito con la primera, la mitad del reparto tenía tan poca fe en la franquicia que se bajaron del carro para la secuela.

En la película de 2003 A todo gas 2, no aparecen ni Vin Diesel, ni Michelle Rodríguez, ni la mayor parte del reparto de la primera parte. Repite Paul Walker, le secunda, aunque no canta, Tyrese Gibson y les rodean nuevamente de coches rápidos, chicas guapas, música hip-hop/rap, algo de acción y la típica historia de amor. Las chicas guapas son Eva Mendes (sobre la que también recae el peso de la historia “más o menos” de amor de la peli) y Devon Aoki (en aquellos entonces todavía “top-model” iniciando su corta carrera como actriz). Y la música hip-hop/rap la puso Ludacris que además se ganó un papel secundario en la película y se encargó del sencillo promocional de la BSO de 2 Fast 2 Furious (2013), lanzada como promoción de la propia película.

Y el videoclip es exactamente lo mismo que la película: coches, raperos, chicas guapas, un par de escenas de la película aquí y allá con los protagonistas y algo de acción. En una laaaarga carrera ilegal compiten Ludacris, Tyrese Gibson, Devon Aoki, Paul Walker, Eva Mendes y alguno más de relleno, perseguidos eventualmente por la policía, hasta que termina ganando, evidentemente, Ludacris.

El videoclip, a su manera, homenajea de manera bastante evidente una película mítica de los años 80 como fue Los locos de Cannonball (1981) que tuvo su secuela en 1984 y que, a su vez, parodiaba la película Cannonball (1976) protagonizada por David Carradine.

En los EE.UU. se organizó una carrera ilegal de Este a Oeste del país para protestar contra el límite de velocidad establecido en las 55 m/h. El nombre “Cannonball” homenajea a un motorista de primeros del S.XX que recorrió varias veces el país y cuyo apodo era precisamente ese.

En la película del 81, los protagonistas se paran en numerosas ocasiones (no es una carrera de velocidad como las que se ven en A todo gas 2), ven cómo les adelantan mientras ellos están parados por algún motivo, engañan a la gente para quedarse con sus coches, y hasta compiten con vehículos que no son de carreras para librarse de la presión de la policía.

Esto se ve muy claro en el videoclip porque además de los coches tuneados de los protagonistas, participa un carrito de helados, sobre todo si tenemos en cuenta que en la película de Los locos del Cannonball, los protagonistas (Burt Reynolds, Dom DeLuise y Farrah Fawcett) realizan la mayor parte del recorrido conduciendo una ambulancia.

VALORACIÓN

En aquellos entonces, principios de los 2000, nadie podía imaginarse que las películas de "Fast & Furious" se convertirían en una de las sagas más exitosas de la historia del cine. Demasiados clichés juntos (los raperos con su música, su chulería y su postureo, las chicas despampanantes presentadas como facilonas, los coches ultratuneados, las carreras ilegales…) que continuaron en la secuela y que se estrellaron con la tercera, terminaron suavizándose y reconvirtiéndose en lo que hoy en día son las señas de identidad de la franquicia.

El videoclip es justamente eso, coches, chicas, postureo, raperos exagerando sus historias y movidas de raperos, presentando lo ilegal como un juego divertido y a la policía como los tontos a los que es muy fácil despistar y que son (y serán por siempre) incapaces de detenerte.

Así que si te gusta el videoclip te gustará la película y viceversa y si no te gusta el videoclip no te gustará la película y viceversa. Ni más ni menos.

Next girl (2010) – The Black Keys

El dúo The black keys estaba a punto de publicar su sexto álbum de estudio titulado Brothers (2010) cuando llamaron al director Chris Marrs Pilliero para que dirigiese el videoclip del primer sencillo “Thigten up”.

Como ya debían intuir que el álbum iba a ser un pelotazo (ganó 2 de 5 Grammys en 2011: mejor álbum de música alternativa y mejor actuación rock de dúo o banda) se les ocurrió la brillante idea de pedirle a Chris Marrs que les hiciera por cuatro duros un pre-videoclip “no oficial” para promocionarse en las redes sociales antes de sacar el oficial para el lanzamiento del álbum.

 Ahí surgió Frank, la marioneta “Funkasaurus Rex”, que interpretaba "Thigten up" entre macetas tras unos subtítulos del grupo criticando el propio videoclip. La idea fue tan buena y tuvo tanto éxito que para el tercer sencillo “Next girl” oficializaron la fórmula y nuevamente con Chris Marrs llevaron a Frank a una piscina rodeado de mujeres en bikini a las que seduce y que terminan peleándose por él mientras disfruta del espectáculo. Y por supuesto, todo ello casi “de fondo” de unos subtítulos en los que nuevamente el grupo pide disculpas por el tipo de videoclip que les “ha obligado la productora” a publicar.

VALORACIÓN

El grupo cuida sus videoclips con mimo (sólo hace falta revisar nuevamente Lonely Boy o Howlin' for you) y éste es una otra buena muestra de ello. Partiendo de una idea chorra pero llena de ingenio para “promocionar la promoción” del álbum con el videoclip “no oficial” que sirvió de presentación de Frank, se sacan de la manga otro videoclip “no oficial” pero que en realidad es oficial, llevando aún más allá lo establecido por el primero. A saber, marioneta interpretando la canción, dinosaurio mujeriego y salidorro y subtítulos con la “versión oficial del grupo” acerca del videoclip.

Además, es una clara demostración práctica de cómo con cuatro duros, mucha imaginación y mala leche se pueden hacer grandes cosas, incluso que unos simples subtítulos le quiten todo el protagonismo a una pelea de mujeres en bikini.

No voy a poner en duda que tira del clásico recurso de utilización del sexo como reclamo, pero no solo tira de él y además lo utiliza realmente bien. Ellos lo saben y por eso es tan genial la escena de Frank frotándose las manos maquiavélicamente mientras las chicas se pelean por él. Impagable.

No es otra estúpida película americana – Tainted Love (Marilyn Manson – 2001)

En 1964 Gloria Jones publicó un sencillo con la canción “Tainted Love”. Desde entonces hasta nuestros días un sinfín de artistas han versionado el tema con mayor o menor acierto entre los que podríamos destacar la de los alemanes Scorpions o la de los patrios La Unión, ya traducida para los de aquí y titulada "Falso amor" o la más famosa (y ochentera) de los Soft Cell.

Sin embargo una de las versiones que más éxito tuvo fue la de Marilyn Manson, que encabezó la BSO de No es otra estúpida película americana (Not another teen movie – 2001) y que sirvió de promoción para la misma.

La película no es más que una parodia del estilo Scary Movie, Top Secret ! y otras muchas, enmarcada en las películas de adolescentes alocados en sus últimos años de instituto y algo más centrada en la parodia de Alguien como tú (She’s all that – 1999).

Si el reparto de aquella hoy en día es bastante más que conocido (el malogrado Paul Walker - A todo gas, Anna Paquin - una X-Men con Oscar a sus espaldas, Freddie Prinze Jr. -otrora omnipresente y hoy prácticamente desaparecido, entre otros), el de ésta tampoco se queda atrás y a casi todos ellos se les puede ver en el videoclip promocional de la película. Chris Evans (entre otros el actual Capitán América de Marvel), Chyler Leight (muy activa en la pequeña pantalla ahora con Supergirl antes con Anatomía de Grey), Jaime Pressly (ex modelo que ganó un Emmy como actriz de reparto de comedia por Me llamo Earl y que cuenta con numerosas –malas- producciones en su haber) y Eric Christian Olsen (que lleva años en NCIS: Los Angeles) son algunos de los que aparecen en la enésima versión de My fair Lady (Pigmalion para los más avanzados) que son tanto el videoclip como la película que promociona y la película parodiada.

La jefa de animadoras, Jaime Pressly, organiza una fiesta en su casa a la que acude la flor y nata de la gente guay del instituto hasta que llega Marilyn Mason con sus colegas góticos y se hace el amo del cotarro, mientras consigue “liberar” la verdadera naturaleza del patito feo, Chyler Leight, que se transforma en gótica sexy en cuestión de segundos. Yacuzzi, fantasías raras con mujeres en lencería con cabezas de peluches y un constante “chincha rabiña” a la animadora completan el videoclip.

VALORACIÓN

Historia mil veces vista y mil veces contada, la de la película y la del videoclip pero que resumida en los pocos más de tres minutos y medio que dura el videoclip queda bastante resultona.

Abusa de las chicas sexys y de las insinuaciones sexuales (aquí el videoclip censurado para los que no puedan ver el original), se le va un poco la pinza con las “peluches” e insiste demasiado en el cliché de gótico = vivir para el sexo con cualquiera y en cualquier situación pero, como ya he dicho, el conjunto se deja ver mucho mejor que la propia película, que no es poco.

Gitana (2010) – Shakira

A pesar de llegar antes del “Waka-Waka”, la colombiana ya era una estrella mundial cuando publicó su tercer álbum en inglés She Wolf (2009) pero como en anteriores ocasiones, no quiso dejar de lado sus raíces (y su mercado potencial) latinas (y libanesas, y americanas, y catalanas, italianas y a saber qué otras raíces más) y simultáneamente lanzó el mismo álbum bajo el título de Loba (2010) con versiones en español de la mayoría de los temas.

Como es evidente no podía hacer videoclips diferentes para cada sencillo en lengua distinta así que se dedicó a rodar dos versiones, una cantada en inglés y otra cantada en español de cada uno de ellos. Para el cuarto sencillo “Gipsy / Gitana” tiró de famoso y evidentemente necesitaba de alguien que fuese conocido no sólo entre sus seguidores latinos sino que fuese una estrella a nivel mundial. ¿¡Y quién mejor que Rafa Nadal, quien por entonces estaba recuperando el número 1 en el ranking del tenis mundial para contentar a unos y a otros!?

El videoclip se puede dividir en tres segmentos. En el primero Shakira y Rafa se encuentran. En el segundo la cantante baila para el tenista, con otro vestido diferente, mientras él la observa sentado en una silla a pecho descubierto. En el tercero, la colombiana y el español retozan por el suelo y se besan. Y como hilo conector, escenas de Shakira bailando sola con un cielo nuboso de fondo.

VALORACIÓN

Para empezar, decir que la fotografía es bellísima, el colorido, el paisaje desértico, todo perfecto. Y efectivamente si para poder decir algo bueno hay que empezar por la fotografía, es que no hay mucho de dónde rascar. Rafa Nadal no es actor, el videoclip no requiere dotes interpretativas, eso está claro, pero sentimientos transmite pocos.

Además, ni Shakira ni él parecen gitanos, seamos serios. No quiero entrar en prejuicios ni mucho menos, pero si en vez de llamarse “gitana”, se llamase italiana, colombiana, mexicana, texana o española, el videoclip habría valido exactamente igual. No hay ningún rasgo diferenciador en ninguno de ellos cuando en la canción sí que se hace hincapié en eso por lo que la conexión videoclip-canción queda bastante en el aire.

No entiendo lo del vestido. Si se supone que los tres segmentos se suceden de forma lógica en el tiempo, ¡cómo es posible que en el segundo acto tenga un vestido distinto! ¿De dónde lo ha sacado si están en medio del desierto? Porque que él se quite la camiseta se entiende pero que ella se saque un vestido de la nada… ¿dónde lo llevaba guardado? ¿O es que el director del videoclip se ha venido arriba y nos ha colado un flashback? No sé, algo no me cuadra.

Y por último, decir que he tenido un déjà-vu (la expresión francesa, no el nuevo videoclip de Shakira con Prince Royce) con la escena de Shakira bailando con el fondo nuboso detrás. Me ha recordado demasiado y sospechosamente a otro de sus videoclips, el de "Whenever, Wherever" o “Suerte” su versión en español aunque esta vez sin olas ni caballos desbocados. Vamos, que regulero, regulero.

False alarm (2016) – The Weekend

The Weekend es un compositor canadiense que poco a poco va conquistando al público americano y dándose a conocer en el mercado extranjero. Comenzó en 2010 con un disco recopilatorio de mezclas y en 2016 y con dos Grammys a sus espaldas, ya había publicado su tercer álbum de estudio, contando con colaboraciones como las de Daft Punk o Lana del Rey.

Este sencillo “False Alarm” fue el segundo de dicho tercer álbum de estudio Starboy (2016) y contó con un fantástico videoclip promocional dirigido por Ilya Naishuller. Para los no iniciados, Naishuller es el director de la película de 2016 Hardcore Henry (o como se le conoció por aquí Hardcore: Misión extrema) que causó un gran revuelo por su extrema violencia y por estar rodado íntegramente en primera persona.

Como no podía ser de otra manera, el videoclip también está rodado en primera persona, es extremadamente violento y cuenta con la modelo noruega Kristine Frøseth como protagonista.

Visto desde la perspectiva de uno de los atracadores, se cuenta cómo tras un violento atraco a un banco, un grupo de criminales emprende una sangrienta y descontrolada huida llevándose como rehén a una de las clientes de la sucursal (Kristine) mientras la policía les persigue y acosa.

VALORACIÓN

El videoclip es directamente un cortometraje sin diálogo, que tampoco es necesario para la historia que cuenta, cuya música acompaña perfectamente a la acción y que prácticamente no te deja respirar hasta el momento final.

La sensación de estar frente a un videojuego en primera persona es constante, sobre todo por la extrema violencia de muchas de las escenas y el trepidante ritmo al que se sucede toda la acción.

Verlo por primera vez es una experiencia intensa, sorprendente y agotadora, razones más que sobradas para poder decir que es un grandísimo videoclip.

CADENA

Este videoclip es el segundo eslabón de "La Cadena del Plano Secuencia (I)".

Pero me acuerdo de ti (2001) - Christina Aguilera

A rebufo de Britney Spears y su estilo, Christina Aguilera había pegado un pelotazo mundial con su primer álbum, homónimo, que traía aquel "Genie in a bottle" (1999) y para diferenciarse más de su predecesora y atacar de paso el mercado hispano-parlante, tiró de sus raíces latinas para sacar versiones en castellano de alguno de sus temas y junto con alguno nuevo, sacó su segundo álbum Mi reflejo (2000) exclusivo de temas en español.

El primer sencillo "Ven conmigo (sólamente tú)" (2000) es con diferencia el más famoso y exitoso del álbum pero tras una canción popera, tocaba demostrar que se podía poner íntima con una balada y ahí apareció esta depresiva "Pero me acuerdo de ti".

Y como tienen por costumbre, el videoclip de la balada tenía que ser también íntimo y reflejar a la verdadera persona que hay dentro de la artista, sus sentimientos y sus movidas. De ahí que el videoclip sea una sesión de fotos (o la grabación de un vídeo, no queda claro) en un estudio de grabación, sin decorado, viéndo a los técnicos revolotear por allí haciendo sus cosas, todo muy minimalista, con un banco de jardín que está ahí sin ningún sentido. Tampoco tiene mucho sentido que con el decorado tan profesional, moderno y medido, la Aguilera está sentada en un taburete (se supone) encima de un palé.

Aparece un fondo arbolado y Christina se pone a cantar en una escalera de mano y luego se peina, se maquilla, se medio pone una cazadora, escucha música, reflejando lo normal que es, pero con unos gestos muy sentidos, por lo extraorinariamente exagerados que hace hasta que mira fijamente a la cámara, abre un poquito la boca en plan sensual y se acaba el videoclip con una caidita de ojos.

VALORACIÓN

No entiendo por qué, cualquier canción puede tener videoclips de todo tipo de temática dispar, tengan o no algo que ver con la letra, y las baladas tienen que tener todas videoclips en plan intimista, pretendiendo mostrar al artistas tal cual es, sin florituras, desprotegido frente al mundo y demás sandeces.

Eso es lo que vemos aquí, a Christina Aguilera en plan intimista, pretendiendo reflejar una parte de su vida real y queriendo mostrar una sencillez y una soledad en la artista que no engaña a nadie. Si realmente estuviera grabando un video o una sesión de fotos, ella no estaría sóla en medio del estudio, estaría rodeada por su representante, sus maquilladores, su publicista, personas llevando sus cuatro o cinco teléfonos, iluminadores, técnicos, estilistas... cualquier cosa menos soledad y sencillez.

Y ni siquiera habrá sido un videoclip barato, que a otros artistas a lo mejor les viene bien pero que la Aguilera, ni siquiera en los inicios de su carrera, no le puede resultar más indiferente.

Con los buenos videoclips que ha hecho esta chica, es una pena que éste le haya quedado tan soso y aburrido.

Pulp Fiction - You never can tell (Chuck Berry - 1964)

El pasado 18 de marzo nos dejó uno de los artistas más influyentes de la historia de la música y padre (o uno de ellos) del Rock & Roll. Chuck Berry falleció a los 90 años sin tiempo de ver cumplida su promesa de sacar nuevo álbum de estudio en este 2017, el primero desde 1979.

Seguro que las productoras se encargarán en breve de aprovechar la muerte del artista para publicar ese álbum y sacar numerosos recopilatorios y homenajes como suele pasar en estos casos, si bien, uno de los homenajes más famosos se le hicieron en la mítica Regreso al futuro en la que Marty McFly, en su regreso a 1955, sustituye al "primo" Marvin Berry en una actuación y éste le presenta al bueno de Chuck la mítica canción de Johnny B. Goode.

El caso es que un artista tan grande como Chuck Berry no podía aparecer en una sóla película y su música es homenajeada en otras. La más famosa, después de la ya citada, es la de Pulp Fiction, en la que dos de los protagonistas Uma Thurman y John Travolta, participan durante su cita (que no es una cita) en un concurso de Twist y lo hacen sin zapatos al rítmo de "You never can tell". Menos el del robot y el del repartidor de cartas, entre los dos hacen todos los pasos de baile que existen, casi casi a la altura del protagonista del videoclip "Lonely Boy" de los Black Keys y, por supuesto, al final terminan llevándose al gran premio (aunque esa parte queda fuera de la escena).

Esta canción, junto con todas las que formaban parte de la película, incluídos algunos diálogos, formaron parte de la BSO de Pulp Fiction que salió en 1994 consiguió un notable éxito gracias a los temas sesenteros recopilados por el propio Quentin Tarantino.

VALORACIÓN

Chuck Berry era un genio y Pulp Fiction una película de culto así que la escena no podía ser menos que mítica. Cierto es que puede responder más al fetichismo de Quentin Tarantino por los pies, en este caso los de Uma Thurman, como ya lo habían sido con anterioridad los de Salma Hayek en Abierto hasta el amanecer, que a un giro necesario de guión pero a bueno de Quentin se le perdona eso y más.

Lo que está claro es que si vas a meter una escena innecesaria de baile en una película para verle los pies desnudos a la actriz, quién mejor para acompañarla que el actor bailarín por excelencia (gracias a las películas de Grease y Fiebre del sábado noche) para darle más sentido al conjunto. Y se lo da, sin perder ni pizca de chulería por más ridículos que puedan parecer algunos pasos para los no iniciados en esto de mover las caderas.

Esta película (y en parte también gracias a esta escena) supuso el resurgimiento de entre los avernos de la carrera de John Travolta y espero que sirva de humilde homenaje a la figura del inigualable Chuck Berry.

Top Secret ! – Spend this night with me (baby Please) (Nick Rivers/Val Kilmer – 1984)

Aterriza como puedas (1980) dio el pistoletazo de salida al subgénero cinematográfico del humor absurdo y pocos tienen duda que junto con la presente Top Secret ! (1984) y la secuela de la primera son las mejores muestras de este tipo de cine paródico, que hoy en día sigue muy activo con las películas terminadas en “Movie” como Superhero Movie o Scary Movie y que estuvo muy vivo en los 90 con las sagas de Agárralo como puedas y Hot Shots!

Definido el contexto vamos a la película que es una parodia del cine de espías, de la resistencia francesa en la II Guerra Mundial y de las películas musicales interpretadas por Elvis Presley. Y todo ello se junta con mucho sentido en la escena. El protagonista, Nick Rivers (Val Kilmer) ha sido hecho prisionero por los nazis por haber ayudado a escapar a una sospechosa de ser colaboracionista de la Resistencia Francesa durante la ocupación. Pero antes de ser ejecutado, tiene que actuar una última vez cumpliendo con los compromisos contractuales que le habían llevado al país.

Nick al más puro estilo Elvis canta una canción de amor a un público mayoritariamente femenino y totalmente entregado y hace subir a una chica a la que le canta la canción y que termina destrozada por la emoción. La canción sigue y en la parte final, “desesperado de amor”, Nick intenta suicidarse en varias ocasiones ante la desesperación (valga la redundancia) de sus admiradoras hasta que la colaboracionista francesa aparece para rescatarle, no de sus amores, que también, sino del ejército nazi.

La canción, creada para la película es una parodia del tema "It's only make belive" (1958) de Conway Twitty (muy conocido por los fans de Padre de Familia (Family Guy) que aprovechan cualquier ocasión para colar algún fragmento des sus canciones).

VALORACIÓN

La escena es claramente necesaria porque supone el rescate del protagonista de manos de los nazis y más si tenemos en cuenta que el personaje es cantante. A partir de ahí todo son detalles y todos son buenos: los escasos chicos con cara de palo entre el público claramente “obligados” por sus novias a ir al concierto, el “desmayo” de la afortunada fan que a nadie le importa, los gestos “obscenos” de la espectadora, el eco cuando canta con la cabeza metida en el horno y hasta el “paquete” que se le marca en el último segundo fruto del arnés que llevaría Val Kilmer debajo del pantalón para que le pudieran subir colgado de la guitarra.

Escena buenísima de una película mítica, que sigue haciendo reír aunque se haya visto mil veces y que seguirá haciéndolo durante mucho mucho tiempo.

The mess I made (2009) - Parachute

Este videoclip viene con trampa doble aunque luego explicaré el porqué. De momento lo que podemos decir es que los desconocidos (entonces y ahora) Parachute contrataron para el videoclip de la canción "The mess I made" de su álbum debut Losing sleep (2009) a Jennifer Lawrence para que le diera la réplica al cantante Will Anderson.

En el video, acorde con la letra de la canción, el bueno de Will se queja con sentimiento, al piano y cantando con su grupo, de lo mucho que la ha jo... fastidiado con su novia y a pantalla partida recuerda lo guapa que era en planos a contraluz, lo mucho que se acariciaban, los besitos, las risas y todo lo que se supone que es un amor adolescente, que es el público al que va dirigido tanto la música como el videoclip.

Iluminación muy blanca e imágen algo difuminada para dar sensación de etéreo/recuerdo JLaw con cara de palo y componentes del grupo sobreactuados al máximo caracterizan el videoclip de principio a fin.

VALORACIÓN

Malo. Sin paliativos. Está dirigido a adolescentes y habrán supuesto los productores, el director, el representante o quién sea que con eso vale y me parece perfecto, pero yo no se lo compro. Historia mil millones de veces contada, haciéndolo además sin gracia ninguna y quedando un resultado final muy raro. De hecho, no se salva ni Jennifer Lawrence, cuya capacidad actoral evidentemente no se puede poner en duda, pero que como la mantienen prácticamente inmóvil durante todo el videoclip en el bonito rol de mujer florero, tampoco es que pueda hacer gran cosa.

¿Y qué es eso de la trampa doble? Pues que ciertas lenguas dicen que contrataron a JLaw antes de que fuese conocida y eso es verdad en parte, porque evidentemente el pelotazo le llegaría poco después con las sagas de Los Juegos del Hambre, X-Men y demás. Pero digo que "sólo en parte" porque la jóven actriz ya había hecho un par de películas y ganado premios actorales antes de grabar con los Parachute por lo que tampoco se puede decir que fuera una desconocida.

En definitiva, los Parachute tiraron de famosa (famosilla entonces) aunque nunca pudieron imaginar hasta dónde iba a llegar la fama de la elegida.

Pretty Woman – It must have been love (Roxette – 1990)

Todo el mundo asocia la película Pretty Woman (1990) a Roy Orbison y su "Oh, Pretty Woman" (1964) pero los productores de la película romántica más vista en la televisión de todos los tiempos eligieron a los suecos Roxette como abanderados de la B.S.O. de la película y principal reclamo promocional.

Roxette empezaba a ser conocido fuera de Suecia y para la película grabaron una segunda versión de su hit navideño de 1987 exclusivo de tierras escandinavas. La canción fue número 1 en los Estados Unidos y fue el segundo sencillo más exitoso en tierras yanquis en 1990.

Normalmente el videoclip suele estar a la altura del éxito de la canción, aunque en este caso, el resultado deja bastante que desear. Dentro de lo que parece un almacén/dormitorio/decorado de cine, se van superponiendo escenas de la película (como marca de agua, sobre una pared, en el vestido de la cantante, etc.) mientras el dúo, de alguna manera, interpreta el tema. Sombras, claro-oscuros, paños blancos agitándose al viento y tramoyistas que pasaban por allí sin ningún motivo aparente se van sucediendo hasta el final de la canción en un videoclip en el que realmente no pasa absolutamente nada.

VALORACIÓN

Qué mejor manera de celebrar el reciente día de la mujer trabajadora que con una película sobre una mujer autónoma, de negocios, hecha a sí misma y que consigue triunfar en la vida y en el amor cuando parecía que todo estaba en su contra. ¿Era prostituta? Sí, claro, pero porque quería así que si para la remilgada sociedad americana el personaje de Julia Roberts es un ejemplo de romanticismo, mujer hecha a sí misma y ejemplo para otras, por qué voy a ser yo el que condene la prostitución como un acto de degradación de la mujer, que en la mayoría de los casos se encuentra forzada y en régimen de semi-esclavitud, en una de las mayores muestras de explotación machista que campan en nuestra sociedad. No hay motivos, ¿no? Pues eso.

Yendo a lo que nos ocupa, el videoclip ha envejecido peor que la película. La estética es 80 al máximo (recordando mucho, por ejemplo, al "Is this love?" de Whitesnake) y hoy en día se ve con cierta nostalgia en algunos y con estupor en otros más jóvenes. Por lo visto las partes a cámara lenta requirieron de movimientos (incluidos los de los labios) a doble velocidad y el dúo tuvo muchas dificultades en hacerlo y, sobre todo en no sentirse estúpidos haciéndolo.

Pero más allá de anécdotas de grabación, el videoclip es malo, sin paliativos. Sin argumento, sin sentido y, lo que es peor, feo. Desde luego, no estuvo a la altura ni de la canción, ni de la película.

Colgando en tus manos (2008) – Carlos Baute ft. Marta Sánchez

El mayor éxito en la carrera musical de Carlos Baute surgió en 2008 cuando el artista le pidió a Marta Sánchez que cantase con él el que sería su primer sencillo del álbum De mi puño y letra (2008) a cambio de 6.000€.

"Colgando en tus manos" literalmente lo petó, encabezando las listas de ventas españolas durante meses, llegando a superar los 300 millones de visitas en YouTube  y compitiendo de tú a tú en 2009 con los artistas latinos más importantes aquel año como Shakira, Paulina Rubio, Nelly Furtado o Laura Pausini.

Todo esto le reportó evidentemente pingües beneficios al venezolano y Marta se fue encabronando hasta que en 2014 soltó a los cuatro vientos que había cobrado muy poco y que el otro se había enriquecido gracias a ella. ¡Para qué queremos más!

Parece que a día de hoy vuelven a ajuntarse pero antes de toda esta polémica, lanzaron el videoclip de promoción de la canción.

Carlos es el chófer de una diva a la que se intenta camelar entre trayecto y trayecto mientras ella le pone ojitos y le chupa el chupa-chups. Cuando llegan a la mansión, la diva le deja con el calentón en el Rolls Royce y el chófer se va al gimnasio (imaginamos que el de la diva) a hacerse unos estiramientos, ensayar algunos movimientos y liberar tensión pero entonces aparece Marta en mallas de baile para calentarle otra vez y refrotarse con él a la luz de los halógenos.

VALORACIÓN
 
El videoclip no es gran cosa, pero tampoco es para tirarle piedras. Marta “interpreta” el papel de diva a la perfección aunque la pintan un poco demasiado calentorra (chupeteo por aquí, refrote con el cuero del Rolls por allá, caidíta de ojos acullá y jugueteo con el guante porque yo lo valgo) y Carlos parece el típico taxista newyorquino pesado de las películas pero que como es guapete pues te llegas a creer la situación.

Muy oscuro todo (se desarrolla por la noche, el gimnasio está apenas iluminado) entiendo que a propósito para darle mayor intimidad a la relación, aunque no termina de convencerme del todo pero vamos, que en general y con el riesgo de que te vuelva a taladrar los oídos como hace años, el videoclip (que no tiene la culpa del taladro) se deja ver de principio a fin.

Call me maybe (2012) - Carly Rae Jepsen

Carly Rae Jepsen lanzó el sencillo "Call me maybe" en 2011 que luego fue su primer EP Curiosity que a su vez se convertiría en su segundo álbum de estudio Kiss (2012). Ya era conocida en su Canadá natal por su paso por la versión canadiense del programa American Idol, donde quedó tercera, y había publicado un primer álbum en 2008 pero fue con este sencillo con el que consiguió notoriedad mundial.

 ¿Ayudó el videoclip? Por supuesto. La Jepsen es cantante de un grupo que ensaya en su garaje, pero al mismo tiempo es una adolescente tímida, romántica y soñadora que, al igual que en sus novelas, se enamora a primera vista de su vecino que se dedica a cortar el césped sin camiseta. Sus compañeros del grupo le dicen que intente llamar su atención haciéndose la sexy limpiando el coche mientras su vecino arregla el suyo al otro lado de su jardín, pero como tiene los cascos puestos y está muy concentrado, el chico no se da por aludido hasta que ella con tanto jabón se cae del coche y se queda inconsciente.

Cuando recupera el conocimiento y deja atrás la fantasía en la que los dos eran los protagonistas de las novelas románticas que ella lee, ve cómo el chico ha ido a interesarse por ella y entre risas le convence para que los vea ensayar mientras ella gana fuerzas para atreverse a decirle que le gusta.
La canción termina y mientras ella escribe su número para dárselo a su vecino, éste ya ha sacado un papel con el suyo y se lo ha ofrecido al guitarrista de su grupo, quedándose ella con un buen palmo de narices.

VALORACIÓN
 
A veces la vida te da sorpresas y una de ellas fue para mí este videoclip. La canción es tonta, para adolescentes y más bien para el público femenino y cuando empiezas a ver el videoclip te esperas la misma historia de siempre de adolescentes americanos que nadie se explica cómo no se ha borrado ya por el uso.

Y sin embargo en el videoclip todo encaja. Adolescente tímida, soñadora, lectora de novelas románticas, se enamora a primera vista del tío bueno de su vecino. Intentando que se fije ella hace el ridículo más espantoso pero llama su atención, consigue que la vea actuar y cuando se arma de valor para decirle que le gusta se lleva un palmo de narices al descubrir que es gay y que quien le mola es su guitarrista.

Es original, es divertido y es llamativo ver cómo utilizan el tema homosexual en un contexto adolescente y para un público inicialmente norteamericano. Ya lo he dicho otras veces, no siempre se necesitan hacer grandes cosas para hacer un buen videoclip. En este todo encaja y el giro final, marca la diferencia. Un buen videoclip

Overload (2000) – Sugababes

Cuando un trío lo forman hasta 6 personas diferentes, o empezó siendo una fiesta que terminó muy pero que muy bien, o empezó siendo una idea que degeneró hasta límites insospechados.

Esto segundo fue lo que más o menos le pasó al grupo teen (al principio) Sugababes formado en 1998 que en 2001 ya tuvo que buscar sustituta a una de las componentes del trío inicial y hasta 2011 en el que el grupo se disuelve, se sucedieron otros tres cambios más, hasta dejar la formación sin ni siquiera una de las tres cantantes iniciales. Cantantes que, por cierto, medio refundaron el grupo en 2013 bajo el nombre de Sugababes MKS (sus iniciales) amenazando con revivir el culebrón.

El caso es que todavía pipiolas, en el año 2000 las británicas, después de posar para United Colors of Benneton, pegaron el pelotazo con su álbum debut One Touch (2000) y su primer sencillo “Overload”, que llegó a formar parte de la BSO de un par de películas, destacando la de 40 días y 40 noches (2002) del otrora prometedor actor Josh Harnett.

El videoclip de esta canción fue muy comentado y alabado en su día por su sencillez y su estilo fresco y simpático (palabras textuales de la Wikipedia). Sobre fondo blanco, de izquierda a derecha van pasando primeros planos de las chicas vestidas y maquilladas de manera distinta cada vez hasta que se acaba la canción. ¡Tacháaaaan!

VALORACIÓN

Está bien innovar, intentar buscar nuevas fórmulas de llamar la atención y de vender el producto, que, no nos llevemos a engaño, es de lo que se trata. El grupo es muy UCoB (una negra, una pelirroja y una morena) diversidad cromática que, por cierto, siguieron buscando con las nuevas “miembras” que vinieron después, y el director del videoclip decidió explotarlo al máximo pensando (de manera correcta, a mi parecer) que tanta variedad de colores sobre fondo blanco podría quedar bien.

Y eso funciona durante 40 segundos, que es más o menos lo que tarda una persona en comprender que con lo que ya ha visto no necesita ver más por muy guapas que sean las chicas y por muy buena que sea la canción. No va a pasar nada en el videoclip que no haya visto ya en ese breve espacio de tiempo.

Todo primeros planos (menos el primero, vaya usted a saber por qué) y siempre de izquierda a derecha, con fondo blanco, cantando o sin cantar, cuadrando el movimiento de los labios con la letra o sin cuadrar.

¿Sencillo? Sí. ¿Fresco? Vale. ¿Simpático? Psé. ¿Monótono, aburrido, repetitivo, absurdo, malo…? También.

Beetlejuice – Day-O (Banana Boat song) (Harry Belafonte – 1956)

La madrugada del domingo 26 al lunes 27 de enero se celebró la conocida como “fiesta del cine” y que Warren Beatty se encargó de convertir en chirigota al equivocarse de película en el Oscar más importante de la noche.

Lo cual nos lleva a Beetlejuice (1988), la película de Tim Burton protagonizada por el pre-Batman Michael Keaton, en la que dos fantasmas recién fallecidos (Alec Baldwin y Geena Davis) invocan al “profesional” Beetlejuice para que les ayude a expulsar de su casa a los nuevos inquilinos Catherine O’Hara (la madre de Macaulay Culkin en Solo en casa), el malogrado Jeffrey Jones (Todo en un día - Ferris Bueller's Day-off) y la entonces pre-cleptómana Winona Ryder.

Como Beetlejuice está más interesado en casarse con la hija de los inquilinos que en ayudarles, la pareja de fantasmas decide poseer a la familia y a unos amigos convirtiendo una snob cena de amigos en una pseudo-danza vudú a ritmo de la canción de Harry Belafonte.

"Day-O" fue el mayor hit del afroamericano que más allá del ritmo jamaicano de esta canción, tocó un montón de géneros a lo largo de su carrera. No obstante Tim Burton insistió en su canciones caribeñas incluyendo al final de la película la versión de Belafonte de 1961 del clásico de Aldwin Roberts, alias Lord Kitchener, de 1952 "Jump in the Line (Shake Senora)".

VALORACIÓN

La película está llena de humor negro y una escena de posesión en una historia de fantasmas claramente encaja dentro de la película. Que les hagan bailar y cantar, va un poco en relación a la candorosa e inocentona pareja de fantasmas novatos que se encargan de la posesión. Y una canción que puede llevar a reminiscencias vudús parece que cuadra bien con la idea. Y sin embargo todo lo que es bueno por separado, para mí termina fallando en su conjunto. La escena es llamativa pero queda rara y desde luego no termina siendo una de esas escenas que identifican a una película.

Para mí una lástima y uno de los pequeños fallos de la película.

Party Rock Anthem (2011) – LMFAO ft. Lauren Bennett & GoonRock

El primer extracto del segundo álbum de estudio del dúo LMFAO, Sorry for party rocking (2011) es sencillamente uno de los sencillos más exitosos de la historia. Número uno en medio mundo, videoclip en la lista de los videos más vistos en Youtube, incluido en películas como Infiltrados en clase (21 Jump Street – 2012) de Jonah Hill, Chaning Tatum y Ice Cube, MTV Award a la mejor música… Poca gente quedará en el mundo civilizado que no haya escuchado al menos una vez esta canción, para bien o para mal.

Como pasa en estos casos, el videoclip ayuda y mucho a la hora de popularizar la canción y en esta ocasión se decantan por una parodia de la película 28 días después (2002) protagonizada por Cillian Murphy. Según se nos dice al empezar el videoclip, el dúo cayó en coma por culpa de un exceso de fiesta rockera (juego de palabras con el título de su primer álbum Party Rock - 2009) justo el día antes de que saliera su nuevo sencillo (primero de su segundo álbum). 28 días después se despiertan en un hospital vacío y salen en unas calles desiertas donde únicamente ven a lo lejos a un chico como poseído bailando shuffle mientras escucha su propia canción “Party Rock Anthem”. En ese momento llega el actor Malcolm Goodwin vestido como el personaje de Simon Pegg en Zombies Party (Shaun of the dead – 2004) y les dice que si están locos por salir a la calle de esa manera. Como les ve muy sorprendidos les cuenta que hay una especie de virus que afecta a la gente y que zombifica a todo aquel al que no baila shuffle e inmediatamente después se ve cómo un chico que huía es rodeado por unos zombies del shuffle hasta que le vuelven uno de ellos. Es entonces cuando los tres se ponen a bailar saliendo de escena Malcolm y quedándose ellos bailando entre los demás zombies. Y ahí se acaba el argumento del videoclip. El resto es baile y más baile.

VALORACIÓN

El videoclip es un homenaje a la película 28 días después pero bien valdría para homenajear The Walking Dead o Resident Evil: Apocalipsis y es que levantarte del coma y encontrarte el mundo en un apocalipsis zombie está a la orden del día.

El caso es que el planteamiento es muy bueno, y que sea su propia canción la que escucha el primer chico tiene su puntito, hasta que dejan de desarrollarlo y se centran en mostrar baile y más baile. Lauren Bennet (de las G.R.L.) y GoonRock aparecen ahí porque sí y el videoclip termina con todos bailando, sin más.

Por lo visto al director del videoclip le parecieron más importante las coreografías y eso tan americano de hacer corro para que baile uno en el medio que terminar de argumentar la historia que se suponía que estaba contando. Yo lo siento pero a eso no puedo dar mi apoyo.

Lara Croft: Tomb Rider – Elevation (Tomb Rider Remix) (U2 – 2001)

All that you can leave behind (2000) fue una especie de vuelta a los orígenes del grupo U2 después de un par de álbumes algo irregulares a finales de los 90. Y ese regreso no pudo ser más exitoso. De hecho es el único álbum de la historia que ha ganado dos Grammys consecutivos (2001 y 2002) a la grabación del año (que no canción del año) con el primero (“Beautiful day” – 2000) y el cuarto (“Walk on – 2001) de sus sencillos, gracias a que aparecieron en años diferentes. Pero no fueron dos sino siete los Grammy que acumuló el álbum además de figurar entre los 500 mejores para Rolling Stones y vender más de doce millones de copias en todo el mundo. Curiosamente, no se llevó ningún MTV Award…

Pero fue otro sencillo, que les proporcionó el Grammy a la mejor actuación de grupo de rock, el que eligieron los productores de la película Lara Croft: Tomb Raider (2001) para formar parte de la BSO (2001) y servir de promoción a la película. "Elevation" (un pelín remasterizada) con respecto a la grabación original del disco, fue todo un éxito de público y de crítica y en gran parte fue gracias a su videoclip que para mí es bastante mejor que la propia película a la que promociona.

Bono recibe una llamada de su yo malvado avisándole de que tienen a The Edge, que quieren la llave que está en su poder y que esta vez ni Lara Croft podrá salvarles. A partir de ahí, las versiones malvadas de la banda intentan asesinar uno a uno a todos sus dobles hasta que se baten en un cara a cara definitivo de “calidades de interpretación” saliendo derrotadas, cómo no, las versiones malvadas. Todo ello intercalado con imágenes de la película en las que se cuela The Edge, el guitarrista, como acompañante de Lara (Angelina Jolie) sustituyendo más o menos a Daniel Craig en su rol en la película e interpretándose como que todo lo que les pasa a The Edge y Lara es culpa de las versiones malvadas del grupo. Ahí es nada.

VALORACIÓN

Explosiones, golpes, saltos, tiempo detenido, efectos especiales, Bono sin gafas y por partida doble, Angelina Jolie con prótesis mamarias, paseos con jirafas, elefantes volando, camiones levitando y duelos a muerte en medio de la calle... ¿Hace falta decir por qué el videoclip es muy bueno, incluso mejor que la propia película? Yo creo que no.

Josie (Everything's Gonna Be Fine) (1998) - Blink 182

Los Blink 182 tenían una idea para el videoclip del cuarto sencillo de su segundo álbum Dude Ranch (1997): la banda tocando en el puerto en tiempo real mientras un viejo crucero explota y causa destrucción, gente corriendo, cosas volando y terminar por todo lo alto con la última estrofa de la canción que dice (traducido) que todo va a terminar bien.

El estudio les dijo que iba a ser muy caro y que si querían fiesta tirasen de esta y buscaron una opción más económica en la que mientras tocan en un sótano, rompen una tubería y mientras todo se llena de agua y se ahogan siguen tocando como si nada. El rodaje fue un infierno y cuando vieron la primera edición decidieron descartarlo, aunque años después liberaron un fragmento que se puede ver aquí.

Así que se la envainaron de nuevo y tiraron de famosa y de clichés para rodar la versión definitiva, en la que los integrantes de la banda son adolescentes de instituto y el bajista se enamora a primera vista de ¿la chica nueva? (alias Alyssa Milano) que es jefa de animadoras y que sale con un deportista cachas. Pero él se apunta al equipo de atletismo y aunque la cosa acaba con él en ambulancia, por lo visto consigue ganarse el afecto de la Milano. Y entre medias, una especie de confusión homosexual con el chico gordito que al final resulta que sí que es gay.

VALORACIÓN:

Una cosa es que los años no pasen por Alyssa Milano y otra que con 26 se haga pasar por adolescente de manera creíble. Ya sé que es algo normal tanto a uno como a otro lado del charco (mejor no recordar Compañeros o Al salir de clase) pero allí claramente podrían haber elegido cualquier otra actriz o incluso modelo más cercana en años al personaje del videoclip.

Pero claro, lo importante era tener a una famosa en el videoclip y en aquellos momentos la Milano estaba en uno de los puntos álgidos de su carrera en popularidad para adolescentes con su papel en la serie Melrose Place.

Por otro lado, eran otros tiempos, pero el cliché de chico gordo, confusión graciosa al principio, incomodiad después y reconocimiento de su homosexualidad al final, hoy en día es bastante homófoba.

En definitiva, clichés por aquí, clichés por allí y famosa de reclamo porque sí. Cualquiera de las dos primeras versiones habría sido mejor.

Bar Coyote - Can't fight the moonlight (LeAnn Rimes - 2000)

El bar Coyote, es una película del año 2000 pensada para un público joven protagonizada por la ya olvidada Piper Perabo y el nunca conocido Adam García.

Una chica llega a la gran ciudad para cumplir su sueño de ser compositora musical y termina de camarera en el Bar Coyote, regentado por Maria Bello, poniendo cachondo al personal con bailecitos sensuales junto al resto de las camareras (Tyra Banks, Izabella Miko y Bridget Moynahan) para ganar unas buenas propinas.

Entremezclada esta historia con el típico romance de amor verdadero y tal, al final la chica lo consigue y la cantante LeAnn Rimes canta sus canciones (en el bar Coyote, claro, porque no habría un sitio mejor) y le hace subir a cantar con ella en el escenario para compartir el éxito de su canción.

Y todo esto es lo que cuenta el videoclip del sencillo promocional de la película y del Coyote Ugly BSO (2000). La actuación de LeAnn encima de la barra como una Coyote más delante de los clientes cachondos del bar, entremezclando imágenes de la historia de amor de los protagonistas, y terminando igual que la peli, con las dos cantando juntas.

VALORACIÓN:

La película es una birria, mil veces vista, y que por mucha historia de amor y de lucha por lograr tus sueños que nos quieran vender, la realidad es que es una excusa para atraer a los jovenzuelos al cine enseñando toda la carne posible, incluida la de LeAnn Rimes que tenía apenas 17 años cuando rodó la película y que aparece como objeto sexual bailando sexy en la barra de un bar ajustada en cuero y enseñando más de lo políticamente correcto para lo que a una menor se refiere.

Pero polémicas aparte, el videoclip es igualito a la película y si ésta era una birria, saquen sus propias conclusiones.

We're not gonna take it (1984) - Twisted Sister

Stay hungry (1984) fue el tercer y más exitoso álbum de estudio de los Twisted Sister y ciertamente su historia y recorrido podría dar para varias entradas de este blog.

Su presentación al mundo fue con el sencillo "We're not gonna take it" y para el videoclip decidieron homenajear a uno de los personajes más odiados del cine adolescente americano Doug Neidermeyer, el antagonista de National Lampoon's Animal House, conocida por estos lares como Desmadre a la americana.

Mark Metcalf, el mismo actor que encarnó al personaje en aquella película, es un padre de familia recto, estricto, sin sentido del humor y amante de las zanahorias (en Desmadre a la americana le daba de comer zanahorias a su caballo con la boca) que está sentado a la mesa con su mujer y sus hijos. Uno de ellos se va a la habitación y se pone a escuchar la canción "I wanna rock" (que sería el segundo sencillo del álbum) y el padre al escucharlo irrumpe en la habitación del chaval soltándole una charla militar, escupiendo las palabras (literalmente) y humillándole (igual que hizo en la película con el personaje de Kent Dorfman) y le pregunta qué quiere hacer en la vida, hasta que el chico se rebela, le suelta "I wanna rock" y se transforma en Dee Snider, el vocalista.

Y es ahí donde empieza la locura slapstick (y la canción) en la que se van sucediendo los gags de golpes y porrazos continuos de los que es objeto el padre mientras intenta dar caza a sus hijos que a través de su hermano se han transformado en el resto de integrantes del grupo.

Las escenas a partir de ahí se intercalan con una actuación de los Twisted Sister con gags incluidos (grande el batería) a la que asiste el hijo y el videoclip termina con el padre en el suelo recuperándose del último golpe viendo lo que parece un grupo de aviones en formación que terminan formando el logo de la banda.

VALORACIÓN

Videoclip muy muy currado que si bien no ha envejecido todo lo bien que nos gustaría, tanto por el slapstick como por la estética glam del grupo, sigue dejándose ver con nostalgia y con una sonrisilla en la boca.

De hecho en su día tuvo tanto éxito que repitieron la fórmula y el personaje (que parece ser que era profesor de instituto) en el segundo sencillo del álbum: "I wanna rock" Y no sólo eso sino que ha sido múltiples veces parodiado y homenajeado, como en el "Zip-lock" (1999) de los Lit, incluso por estas tierras de la mano de los Gigatrón y su "Heavy hasta la muerte"

Algo que ha sido tantas veces imitado no puede ser nunca malo.

Un último apunte y es que Dee Snider, el cantante del grupo, reinterpretó la canción al piano en 2016 con intención de recaudar fondos para la lucha contra el cáncer infantil. Misma letra, pero con un enfoque totalmente distinto, lleno de emotividad que merece muchísimo la pena.

Sugar (2015) - Maroon 5

San Valentín está aquí y toca analizar un videoclip que haga "honor" a la pastelosa festividad que se clebra y qué mejor tema que el de las bodas.

David Dobkin, director de la película De boda en boda (2005) con Owen Wilson y Vince Vaughn decidió recrear de alguna manera su película en el tercer sencillo de V (2014) el quinto álbum de estudio del grupo Maroon 5. En la película, los protagonistas se hacían pasar por amigos del novio para colarse en las bodas ajenas, comer por la cara y ligarse a las damas de honor. En el videoclip, supuestamente compinchados con el novio, el grupo se cuela en las bodas ofreciendo una actuación en directo para sorprender a la novia y al resto de invitados.

El videoclip comienza con el cantante Adam Levine subiéndose a un coche con los miembros de la banda, todos vestidos de traje, anunciando la fecha (6/12/2014) y lo que van a hacer, ir "de boda en boda" sorprendiendo a las parejas con su canción en directo y estas escenas en coche se intercalan con las imágenes de las bodas hasta llegar al final del videoclip en el que se les ve brindando con los "sorprendidos".

VALORACIÓN:

Está claro que de aquellas bodas en las que se sacan más escenas durante el videoclip (las dos primeras) son falsas pero el resto parece ser que son verdaderas y las reacciones de las novias son bastante más naturales y desde luego más auténticas. Parece ser que muchos novios intentaron echarse atrás en el último minuto y para evitar fiascos y tener buen material que incluir en el videoclip tiraron de actores y profesionales.

Dos detalles. En el minuto 1:50 se ve a la derecha el camión de rodaje. ¡Qué necesidad! ¡¿No había más tomas en coche como para tener que poner una en la que se ve al equipo técnico?!

El segundo, es la parte de las chicas que les reconocen, les paran, se hacen fotos, viene la policía, se suben al coche y se van. Evidentemente es todo falso y guionizado. Entonces, ¿qué pinta en el videoclip? Creo que intentando darle veracidad con una escena que, por qué no, "podría pasar", crean el efecto contrario quitándosela por completo, sensación que queda reforzada en que a partir de ese punto intercalan imágenes del grupo en estudio más allá de las bodas.

Es original y simpático y aunque tiene sus fallos, siendo la fecha que es, voy a ser generoso y voy a decir que es un buen videoclip.

Somebody that I used to know (2011) – Gotye ft. Kimbra

Al cantante belga-australiano Gotye le conocían en su casa a la hora de comer hasta que en 2011 publicó el segundo sencillo de su tercer álbum de estudio Making Mirrors (2011) que contaba con la colaboración de la cantante neozelandesa Kimbra y lo petó en todo el mundo con su “Somebody that I used to know”.

Sin entrar en el tema de los plagios (no se cede el 45% de los derechos de una canción así porque sí, y con el tema de los Rollling Stones no del todo claro) el tema ganó dos Grammys en 2013 y encabezó las listas de éxitos en casi una treintena de países.

El videoclip es toda una obra de arte en stop-motion, aclamada por la crítica y numerosos artistas. Empieza con Gotye desnudo y poco a poco se va cubriendo hasta formar parte de un cuadro inspirado por uno que pintó su propio padre en los 80. El plano se abre y aparece también Kimbra, desnuda de espaldas igualmente pintada. Ella se acerca a él cantando su estrofa de la canción y cuando finaliza y se vuelve a alejar poco a poco se va despintando hasta que ya sin pintura, se miran y se acaba la canción.

VALORACIÓN:

El significado del videoclip está claro. Gotye está en su propio mundo que se abre a una relación con Kimbra, discuten y poco a poco Kimbra va desapareciendo del mundo de Goyte igual que desaparece la pintura de su cuerpo hasta que ya no queda nada ni de la pintura ni de la relación.

Vale, tiene su punto. Pero, me sabe a poco. Es muy original, muy vistoso, muy novedoso en cuanto a tecnología visual en videoclips, pero no me gusta. El resultado lo veo muy pobre para todo lo que podían plantear. Hay veces que menos es más pero creo que ésta no debería ser una de ellas y aunque vaya en contra de todo el mundo, el videoclip me aburre y para mí es lo peor que le puede pasar a un videoclip, que aburra.

Is this love? (1987) – Whitesnake

Antes de ser publicada en su álbum homónimo, la canción “Is this love?” fue escrita para Tina Turner, pero finalmente el grupo decidió quedársela y se convirtió en una de las más exitosas de su discografía. Y eso que no fue ni el primer ni el segundo ni el tercer sencillo del Whitesnake (1987) sino el cuarto en salir para la promoción del álbum tras las nuevas versiones de éxitos anteriores de la discografía del grupo.

Para el videoclip contaron con la actriz Tawny Kitaen, que además era la entonces novia del vocalista del grupo David Coverdale. Olvidada como actriz hoy en día es más recordada por su affaire con el a su vez casado entonces con Nicole Brown (todo el mundo sabe cómo terminó aquello) el jugador de baseball O.J. Simpson y que al hacerse público su affaire le costó el divorcio con David.

El videoclip comienza con Tawny metiendo cuatro bragas en una maleta y abandonando a David mientras éste, parece ser que desde el ático de algún edificio por algún motivo envuelto en bruma, toca con el grupo y recuerda los felices momentos (básicamente sexuales) de su relación con la chica.

Así se pasa el videoclip entero hasta que al final, una Tawny aparentemente rabiosa marcha decidida por la calle lanzando la maleta como queriendo dejar atrás todo lo que tenía que ver con aquella relación y justo en ese momento aparece David, se abalanza hacia ella, la arrincona encima de un coche, empieza a besarla y ella se deja hacer como volviendo a enamorarse otra vez de él.

VALORACIÓN:

El videoclip es malo, sin paliativos. Los recuerdos de la chica son siempre en momentos pre-sexuales, con ella casi siempre con el mismo vestido, con la bruma apareciendo sin sentido, metiendo literalmente “cuatro bragas” en una maleta, con David apareciendo en los sitios donde ella ha estado así porque sí…

Y luego está la otra parte. No voy a redescubrir el heavy, ni sus clichés, ni la situación de la mujer en aquellos años pero… los recuerdos de ella son con él en la cama y ella haciéndole un bailecito sexy (previo al sexo), con ellos en la azotea abrazados y refrotándose estando ella vestida solo con la camisa de él (post y pre sexo) y con ella en la casa bailando sensualmente (pre sexo también).

Efectivamente una relación basada en el sexo, que no hay nada malo si no fuera porque el final hoy en día podría considerarse como una agresión sexual o incluso comenzar a sacar connotaciones y lecturas de un sometimiento de la voluntad de la mujer por parte del hombre y cosas por el estilo.

Un asunto más que polémico y de actualidad como para no poder calificar el videoclip de otra manera que de malo.

Grease – Summer Nights (John Travolta ft. Olivia Newton-John – 1978)

Grease, esa película musical mítica, infinidad de veces imitada y parodiada, que lanzó al estrellato a sus dos protagonistas John Travolta y Olivia Newton-John y que llenó de nostalgia a toda una generación que había vivido en la época de los 50 en la que se enmarca la película.

Guerra de sexos adolescentes y problemas de instituto americano (y otros más convencionales como el embarazo no deseado) resueltos a golpe de canción, con el chico duro que se ablanda por la chica dulce que se vuelve lanzada.

La escena se enmarca durante el primer tercio de la película en el que el primer día de clase el chico le cuenta a sus amigos su versión del romance de verano que ha tenido en la playa y la chica, le cuenta a sus nuevas amigas (porque es nueva, es su primer día, pero ya son sus amigas) el mismo romance pero desde su punto de vista.

Ambas versiones se van sucediendo hasta llegar al final a ritmo de balada con mirada al infinito de los dos recordando a su amor ¿perdido?

VALORACIÓN

¿Qué decir de Grease que no se haya dicho ya? Disparó la afición por los musicales y el género de películas y series para adolescentes desarrolladas en institutos. Demostró que los chicos no necesitan ser duros y que las chicas pueden estar a la misma altura que ellos y que al director se le fue la pinza con el final del coche volador.

Y todo eso se resume y condensa en esta escena en la que por cierto, se puede ver uno de los primeros flashmob en el que sin saber por qué la gente se va uniendo a la coreografía de los protagonistas dándole una mayor espectacularidad a la escena.

CADENA

Este videoclip es el 5º y último eslabón de "La cadena de la Locura".

La mamá de José (2008) – Los Mojinos Escozíos

Dicen las malas lenguas que Los Mojinos Escozíos tienen el record Guinnes del álbum con los títulos de las canciones más largas del mundo y que están ahí ahí en cuanto a títulos de álbumes se refiere. Un claro ejemplo es, el hasta hoy el álbum con el título más largo de su discografía, este Los novios que las madres nunca quisieron para sus hijas y el novio que las hijas nunca quisieron para sus madres (2008) cuyo primer sencillo (y con tanta madre en el título no podía ser otro) fue “La mamá de José”.

La canción es puramente “mojina” con el Sevilla contando una historia y sus colegas del grupo llevándole la contraria aunque en el videoclip se presenta de manera distinta, con el Sevilla contando la historia de haberse ligado a la madre de un amigo como si fuera un chico adolescente contándoselo a los amigos y como si fuera una chica adolescente contándoselo a las amigas.

Pero en este caso no es una M.I.L.F. como otra cualquiera, sino una cougar en toda regla, cuya última conquista tras pasar por Dani Martín, es nada más y nada menos que El Sevilla quien, en vez de volverse loco como aquel, cuenta todo abiertamente con pelos y señales.

Con tupé cuando son “ellos” y pelucones cuando son “ellas”, siempre se marcan una coreografía de película de los 50 mientras el Sevilla cuenta la historia y también durante los más de 40 segundos del solo de guitarra de Chicho, con varios cambios de vestuario incluidos.

VALORACIÓN

Sólo los Mojinos son capaces de hacer un doble homenaje (El Canto del Loco, Grease) tan bestia en una sola canción y aunque el desdoblamiento de la historia desde el punto de vista femenino no pega mucho con la letra, evidentemente todo tiene su porqué.

Un poco cutre, claro, esa es la intención, pero los cambios de imagen durante el solo de guitarra quedan pero que muy vistosos y el tono general del videoclip es muy divertido.

¿Puede haber más homenajes a la película Grease? Con tupé y chupas de cuero y en lo que podrían ser unos graderíos al aire libre a ellos y con peluca rubia sentadas en una mesa con bancos para comer al aire libre a ellas e imitando -de aquella manera, claro- las coreografías. Disfrutable 100%.

CADENA

Este videoclip es el 4º eslabón de "La cadena de la Locura".

La madre de José (2003) – El canto del loco

En pleno auge del renovado, e importado cómo no de los USA, interés por las MILF, o siendo políticamente correctos, las mujeres maduras pero bien conservadas, El canto del loco le dedicó un tema al fantasma de liarse con la madre un amigo, concretamente la de José. Y no contentos con eso lanzaron el tema como el primer sencillo de su tercer álbum de estudio Estados de ánimo (2003).

A pesar de que hoy en día Dani Martín, reniega de estas canciones (de hecho hay declaraciones suyas en las que dice literalmente que no volvería a tocar esta canción) el tema fue todo un éxito.

El videoclip comienza con el tal José volviendo a su casa y encontrándose con su madre liándose con su amigo (Dani Martín). Y a partir de ahí son flashbacks de Dani recordando aquel momento desde una cama de un manicomio, intercalados con imágenes de él con la banda tocando desde una habitación acolchada, a veces con camisa de fuerza, a veces no, y siendo observados por una guapa enfermera.

VALORACIÓN

Si nos pusiésemos puristas con la melodía podríamos relacionar este tema también con la canción de 1993 "Sin documentos" de Los Rodríguez porque el tempo es el mismo. De hecho en algún concierto empiezan cantando las primeras estrofas del tema de Andrés Calamaro, Ariel Rot y compañía y empalman directamente con el principio de esta canción. Homenaje, plagio, inspiración... que cada uno piense lo que quiera.

Pero vayamos al videoclip. El Canto del Loco tocando desde un manicomio como si todos estuvieran locos... ¿tiene sentido, no? Pues el videoclip no lo tiene. Me creo que hayas desarrollado una obsesión enfermiza por la madre de tu amigo que te haya llevado a internarte en un psiquiátrico. Ok. Pero si en el videoclip apareces “presumiendo” en una de las escenas de la habitación acolchada de haberte liado con ella, por qué luego cuando te persigue su “fantasma” estando atado a la cama intentas librarte de ella. Queda bastante raro, y que la enfermera guapa, lascivamente no te quite los ojos de encima también y más si estás encerrado por haber desarrollado una obsesión persecutoria por una mujer. Eso también debería ser analizado por un psiquiatra.

En serio, ¿qué pinta la enfermera en todo el videoclip? ¿Cuál es su papel en la historia? Porque al final lo único que hace es calmar a Dani Martín cuando intenta absurdamente (para la patología que intentan vendernos) zafarse de la madre de José. Y ya. ¿Para eso tanto protagonismo? ¿O es que hacía falta una cara guapa más joven para rellenar minutaje?

Porque si hablamos de escenas de relleno, podemos intentar contar las veces que Dani Martín le desabrocha el sujetador a la señora. A la tercera dejé de contar. Eso sí, al principio le desabrocha y en la siguiente escena cuando entra José y ve el percal, su madre le tiene otra vez abrochado. Debe ser un sujetador mágico que se abrocha solo y por eso necesitan desabrocharlo una y otra vez.

¿Y por qué está José en el manicomio? ¿Perdió la cordura al ver a su amigo con su madre? ¿en serio? Para gustos los colores y para mí el videoclip es una estupidez.

CADENA

Este videoclip es el 3º eslabón de "La cadena de la Locura".

Basket Case (1994) – Green Day

Dookie (1994) fue el tercer álbum de estudio de los Green Day y sin duda su mayor éxito hasta hoy con más de 20 millones de copias vendidas. Ganó el Grammy a álbum de música alternativa en 1995 y la revista Rolling Stone le clasificó entre los 200 primeros de su listado de 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

5 sencillos salieron publicados entre 1994 y 1995 promocionando el álbum siendo el de mayor éxito el tercero, “Basket Case”, cuyo videoclip fue nominado a 9 categorías en los MTV Video Music Awards,aunque luego no se llevó ninguna, perdiendo el de videoclip del año con "Waterfalls" de las hoy más que olvidadas, incluso en los USA, TLC.

El videoclip es sencillo pero potente. Una sala de un manicomio en el que los enfermeros van trayendo uno a uno a los miembros de la banda que, en sus delirios, van tocando los instrumentos, con un gracioso pero inquietante  Billie Joe Armstrong cantando poniendo caras de loco y al que prácticamente sólo le falta la camisa de fuerza.

VALORACIÓN

El videoclip fue rodado en blanco y negro (le añadieron el color en la edición) en un manicomio real, abandonado pero todavía en buen estado y haciendo referencias múltiples a la sin par Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) de Milos Forman con Jack Nicholson, Louise Fletcher, Christopher Lloyd y Danny DeVito, entre otros y que se llevó los 5 grandes Oscars de aquel año (película, guion adaptado, director, actor principal y actriz principal).

Con esas premisas es difícil hacerlo mal y, efectivamente el resultado es francamente bueno. Añadirle el color después le da un toque irreal y psicodélico que le pega perfectamente al videoclip y la presencia de los vigilantes y los otros enfermos, con extrañas máscaras también. Una maravilla que incomprensiblemente tampoco fue premiada en los MTV Video Awards que refuerza mi teoría sobre que un mono borracho es quien elige a los ganadores de cada edición lanzando sus excrementos al aire y viendo dónde caen.

CADENA

Este videoclip es el 2º eslabón de "La cadena de la Locura".

Categoría: "Videoclips relacionados"

Estrenamos el mes con una nueva categoría que no sé si dará mucho de sí pero que puede resultar bastante curiosa.

La teoría de los 6 grados de separación dice que cualquier persona está relacionada con cualquier otra persona de cualquier parte del mundo en seis pasos (o grados de separación). O dicho de otra manera, que una persona conoce a alguien que conoce a alguien… que te termina llevando a la persona elegida.

No pretendo rizar el rizo de las conexiones pero es cierto que al igual que pasa con las personas, a través de la música y de los videoclips podemos ir llenando esos grados de separación que hagan que dos conceptos que nada tienen que ver el uno con el otro terminen relacionándose.

Pero sin llegar a eso, es mucho más común encontrarnos con artistas que homenajean, copian, plagian, parodian... a otros con sus videoclips e incluso con sus canciones.

Y por supuesto los hay que dejan su sello de identidad en todos sus trabajos relacionando unos videoclips con otros como los Iron Maiden, se sirven de un elemento conector en todos sus videoclips, haciendo en su caso que Eddie aparezca en todos ellos, pero también contando una misma historia a través de dos o más videoclips.

En esta categoría vamos a analizar videoclips que de una u otra manera terminan relacionados con otros de otros artistas o incluso de ellos mismos.

Terminator 2 : El juicio final – You could be mine (Guns n’ Roses – 1991)

Cuando se dice que segundas partes nunca fueron buenas hay siempre 3 excepciones que no ofrecen discusión: El Padrino 2, El imperio contraataca y Terminator 2.

Y efectivamente nadie duda de que el trabajo de James Cameron en esta última fue mucho mejor que con la primera película de la saga. Lo curioso es que, entre las muchas virtudes que tiene la película, por pura casualidad le salieron en el guión bastantes referencias a pistolas y rosas. Por eso decidió cambiar el sencillo musical promocional de la película del inicialmente pensado “I wanna be sedated” (1978) de The Ramones (que es de suponer se centraría en el internamiento inicial de Sarah Connor (Linda Hamilton) en el psiquiátrico, y que cuyo videoclip analizamos aquí) al “You could be mine” de los Guns n’ Roses que terminaría siendo el primer sencillo de su Use your Illusion II (1991).

El videoclip cuenta con escenas de Arnold Schwarzenegger grabadas expresamente para el videoclip y tiene un argumento propio. Resulta que tras fallar las máquinas 10 años antes en su intento de matar a Sarah Connor, ahora vuelven a mandar a un Terminator al pasado/presente para acabar con los Gn’R.

Con esta introducción, el Terminator llega a un concierto de la banda y escopeta en mano va avanzando hacia el escenario donde están tocando Axel Rose, Slash y compañía. El concierto termina y el Terminator les está esperando a la salida donde les hace un análisis individual hasta llegar a Axel al que califica como desperdicio de munición y les deja marcharse no sin antes intercambiar una media sonrisa con el vocalista.

Y mientras pasa todo esto, se van sucediendo imágenes de la película, sin un orden preciso, en el que se puede ver también a un hoy más que olvidado Edward Furlong y sobre todo a Robert Patrick. Aunque más que a Robert, se ve al T1000 que interpreta enseñando bien los efectos especiales de la película en las distintas transformaciones que lleva a cabo.

VALORACIÓN

No es ni mucho menos el mejor videoclip de la banda, ni tampoco era lo que se buscaba. Se abusa demasiado de las escenas del T1000 en estado líquido pero claro, era parte importante de lo que había que vender de cara a espectadores potenciales.

Pero por lo menos tiene argumento, que ya es algo en estos casos en los que básicamente hay una sucesión de escenas de la película interrumpidas por planos de la banda o del cantante, sin más, como pasaba por ejemplo en el videoclip de Seal para la BSO de Batman Forever con el tema "Kiss from a Rose".

Con cierta nostalgia, a la vista de los efectos especiales punteros de hace más de un cuarto de siglo que hoy sin estar desfasados quedan viejunos, el videoclip se deja ver sin problemas de principio a fin.

Rock DJ (2000) – Robbie Williams

El ex de Take That buscaba llamar la atención con el primer sencillo de su tercer álbum de estudio Sing When you’re Winning (2000) y lo consiguió “con” y “en” este videoclip de la canción "Rock DJ".

¿Por qué “con”? Porque el videoclip estuvo censurado en multitud de países y de canales musicales de TV por lo explícito de su contenido, reconozcámosle un quizás no apto para paladares sensibles y, en algunos casos incluso por ver en él connotaciones de satanismo.

¿Por qué “en”? Porque en el videoclip Robbie aparece en un escenario rodeado de despampanantes mujeres que patinan a su alrededor y él, chulo piscinas, intenta atraer su atención y la de la DJ del piso de arriba (la modelo Lauren Gold) tirando de su repertorio de poses y bailes. Como todas le ignoran, decide empezar a quitarse la ropa hasta quedarse literalmente desnudo. Y como aún así le siguen ignorando, decide seguir quitándose lo que le queda. Y es cuando empieza a arrancarse la piel y los músculos cuando las patinadoras empiezan a “beber por sus huesos” y a “disfrutar de su carne” hasta que ya, sólo esqueleto consigue, bailar con la exigente DJ.

El videoclip se llevó el MTV Award a mejores efectos especiales de la edición 2001.

VALORACIÓN

Gran videoclip desde el principio hasta el final. Robbie Williams es experto en posturitas y chulerías y va de sobrado siempre… y porque puede. Y en este videoclip se ríe de sí mismo y de su poder de atracción (y no es poco habiendo empezado en Take That) presumiendo primero de lo superficial y terminando siendo deseado “por su interior”. Además, para rematar el tono de guasa del videoclip, llega la frase tras el fundido a negro: el chiste final sobre los mensajes de no maltratos a los animales en las películas que, reconozcámoslo, queda bastante gracioso.

Quizás el regocijo de las patinadoras con los trozos de músculos ensangrentados de Robbie los cuales saborean y con los que se relamen no fuera estrictamente necesario para la trama del videoclip pero cosas peores se llevan viendo en el cine de serie B desde tiempos inmemoriales.

Desde luego yo creo que consigue no pasar desapercibido y, para mí, para bien.

Ma liberté de penser (2003) – Florent Pagny

Hete aquí que un buen día de 2003, el hoy coach de la edición gala de "La Voz", Florent Pagny andaba a malas con el fisco francés que le investigaba por evasión de impuestos pero convencido de su inocencia entabló una cruzada en defensa de su honor en contra de una sociedad francesa en general que ya le había condenado antes de demostrarse nada y contra la Administración Pública Francesa en particular por una investigación que había hecho pública y que el bueno de Florent creía injustificada.

En estas estaba cuando decidió sacar este tema, que a la postre sería el de mayor éxito de su carrera, defendiendo su “libertad de pensar” y señalando con el dedo índice al Fisco galo.Y lo demuestra con un videoclip en el que asiste desde lo alto de una retroexcavadora a cómo un “malévolo” inspector de Hacienda se relame viendo cómo unos trabajadores de mudanzas robotizados le van despojando de todos los enseres de su casa. El videoclip termina con la casa ya vacía y la retro dirigiéndose a derribarla

VALORACIÓN

Videoclip reivindicativo que terminó jugando en su contra porque terminó de dibujar al cantante como alguien que no pagaba sus impuestos. Cosa que no es cierta, porque la investigación se cerró sin cargos para Florent Pagny, quedando demostrado que había pagado lo que le correspondía y cuando le correspondía.

El videoclip empieza bien, con ese “duelo de miradas a lo Sergio Leone” entre Pagny y el inspector e incluso tiene su gracia al principio el movimiento Playmobilesco de los trabajadores pero luego se desaprovecha todo para mostrar cuatro malabarismos por ordenador sin venir a cuento con los muebles y poco más. El inspector (genial el actor que le pone cara) sólo mira. Pagny sólo mira y los de la mudanza sólo se mueven sincronizados igual una y otra vez.

Precisamente por empezar tan bien y terminar tan mal (¿qué sentido tiene derribar la casa? ¿no habría sido más lógico terminar con un cartel de “se vende” o “se subasta”?) no puedo menos que calificarle como muy muy decepcionante.

Como un lobo (2007) – Miguel Bosé ft. Bimba Bosé

Este pasado 23 de enero murió Bimba Bosé, sobrina de Miguel Bosé. Modelo y cantante quizás su mayor éxito profesional, muy por encima de su carrera como vocalista del grupo The Cabriolets,  fue la colaboración con su tío Miguel en la nueva versión de la canción “Como un lobo” que se grabó para el álbum Papito (2007) recopilatorio de canciones de la carrera de Miguel Bosé pero todas ellas cantadas a dúo con otros artistas.

La colaboración entre tío y sobrina supuso el primer sencillo del álbum, si bien la canción fue grabada originalmente para el álbum XXX (1987) con un videoclip bastante más interesante aparecido en 1988 en el que de alguna manera se van narrando distintas historias que suceden dentro de un hotel.

El videoclip de 2007 es mucho más simple, jugando con la dicotomía blanco y negro, con una pasarela de moda que pronto pierde todo sentido en la trama del videoclip en el que Miguel y Bimba se olvidan de toda inhibición y se dedican a bailar a su aire y a pasárselo en grande el uno con el otro.

VALORACIÓN

Este videoclip pretende ser un pequeño homenaje a la figura de Bimba Bosé y como ya he mencionado antes, este trabajo supuso el punto álgido de su carrera como artista que le llevó a ella y a Miguel a actuar en la gala de los Grammy de 2007 con este tema.

Por eso no voy a calificarle como malo ni a recomendar vivamente el visionado de la versión original del tema que, por cierto, es mucho más lenta.

Regreso al futuro – Johnny B. Goode (Chuck Berry – 1958)

Película icónica de la Ciencia Ficción que marcó a más de una generación desde 1985 y que después de presentar al protagonista como cantante de un grupo de rock, tiene la oportunidad de demostrar su valía en sus aventuras en el pasado.

Michael J. Fox, alias Marty McFly, debe sustituir a uno de los miembros de la banda Marvin Berry & The Starlighters al que ha roto la mano para que puedan actuar en el baile del “Encantamiento bajo el mar” y sus padres (Crispin Glover y Lea Thompson) puedan enamorarse evitando así borrarse a él y a sus hermanos de la existencia.

Lo hace tan bien con la canción “Earth Angel (Will you be mine)” de The Penguins que le piden que interprete una canción y se marca el "Johnny B. Goode", dando a entender que Marvin es el primo de Chuck Berry y que haciéndole escuchar esa “novedosa” canción le inspiraría para componer ese tema ycon él instaurar las bases del Rock and Roll a partir de 1958.

Podía pensarse que la relevancia para la trama de la película estaba solo en el tema de "Earth Angel (Will you be mine)" que es donde se enamoran sus padres y que esta escena es de puro lucimiento para Michael J. Fox. Pero no es así ya que sirve para cerrar una de las subtramas menores que es la de ganar la confianza suficiente para actuar y brillar delante del público. De hecho gana tanta que se viene demasiado arriba y termina desvariando con acordes metaleros al final de la canción.

Además, juegan con esta escena en Regreso al futuro II, con lo que pasa detrás del escenario con Marty de otra vez de vuelta en 1955 y los amigos de su némesis Biff Tannen (Thomas F. Wilson).

VALORACIÓN:

Escena mítica de película mítica infinidad de veces parodiada (como hicieron los de Padre de Familia cambiando a Chuck Berry por Rick Ashley y su Never gonna give you up de 1987).

La canción es la 7ª mejor de todos los tiempos para la revista Rolling Stone y una de las precursoras del R&R. Tanto es así que numerosísimos de los mejores artistas de la historia han tocado o versionado en uno u otro momento esta canción desde John Lennon a AC/DC pasando por Celine Dion, The Who, Jimmy Hendrix o Meat Loaf, aunque destaca la versión que les dedicaron los Judas Priest en 1988 y que sirvió de BSO de la película Johnny Be Good protagonizada entre otros por Robert Downey Jr., Anthony Michael Hall y Uma Thurman).

Dicho esto, se puede afirmar que el homenaje que se le hace en esta película está a la altura de las circunstancias. Y el chiste sobre que los espectadores no están preparados para este tipo de "desvarío musical" del final de la canción pero que a sus hijos les encantará, también.

Side to side (2016) – Ariana Grande ft. Nicki Minaj

Tercer sencillo del álbum Dangerous Woman (2016) en el que Ariana Grande busca la colaboración de Nicki Minaj, una de las artistas del momento en los Estados Unidos, para potenciar un álbum que no ha sido demasiado bien recibido por crítica y público.

Pero el resultado de esta colaboración entre las dos artistas, que a priori parecía tener potencial y prometía ser muy interesante se termina resumiendo en una canción sin chispa dentro de un clip totalmente absurdo con Ariana y sus amigas en una clase de spinning y luego con Nicki y sus amigos boxeadores (que tienen que parecer muñecos de juguete por algún motivo) en una especie de sauna de lo que supuestamente es el gimnasio.

Escenas de bicicletas, duchas, vestuarios y poco más que añadir.

VALORACIÓN

Ni sexy, ni sensual, ni divertido, ni sentido ninguno más que el de enseñar toda la carne que permita el censor.

Si de verdad querían jugar con el erotismo, deberían de haber tomado nota sin ir más lejos del videoclip Can't remember to forget you de Shakira y Rihanna, puro erotismo conseguido de manera sencilla y elegante sin bailarines de relleno, ni imposibles coreografías pseudosexys en vestuarios.

En éste no hay nada de eso pero lo que sí que hay es un product placement de libro para que se vea bien la marca que debió de dejarse sus buenos dólares en la producción del videoclip. ¿No hace falta decir cuál es, verdad? ¡Pero si aparece ya en el primer fotograma!

En fin, más allá de que la canción sea una birria, el videoclip es un auténtico despropósito.