Girl like Me (2020) – Black Eyed Peas ft. Shakira

Hablar del tipo de música que hacen los Black Eyed Peas es tan absurdo como discutir sobre el sexo de los ángeles. Habrá quienes afirmen que siguen siendo raperos, otros que digan que lo suyo es la party music, otros que defiendan que lo que hacen no es más que pop... En realidad lo que son es "supervivientes" y lo que hacen es, musicalmente, arrimarse al sol que más calienta. Al principio Hip-Hop, luego llegó Fergie y se fueron al disco y al pop, luego se fue Fergie y no supieron qué hacer así que intentaron volver al rap y les salió rana y ahora, en su último disco Translation les ha dado por seguir la tendencia de la música latina.

Y como el álbum, que salió en junio del año pasado, de buenas a primeras, no estaba yendo para tirar cohetes, decidieron sacar un videoclip del tema "Girl like me" que grabaron con Shakira para ver si relanzaban la repercusión del álbum... ¡y vaya si lo consiguieron! En apenas un mes (entre diciembre y enero) el videoclip superó los 150 millones de visualizaciones en Youtube y durante un tiempo, la imitación de la coreografía de Shakira marcó los retos de los TikTokeros de todo el mundo.

¿De qué va el videoclip? Si ya hemos dicho que Will.i.am y sus amigos lo que hacen es tocar todos los palos en su música, en el videoclip han hecho parecido. Se han marcado una estética futurista, con figuras 3D en movimiento, coches volando, pero con su parte apocalíptica con el meteorito inicial y el escenario con material roto y tirado por el suelo y escombros y también con la estética ochentera tan de moda... hace ya un algunos años. Si ellos son el "futuro" en el videoclip, Shakira (y dos "amigas", Mónica Peña del grupo Lola Índigo y Natalia Palomares, habitual de Rosalía o Dua Lipa) se pone unas mallas de aerobic de la época y los acompaña con una coreografía y pasos de baile, para representar el "pasado", destacando por encima de ellos el moonwalker de Michael Jackson. Y para rematar la faena, entre medias aparece ella encorsetada y con una coreografía de manos y brazos con su cara en primer plano, digna de cualquier salvapantallas de los primeros Windows.

VALORACIÓN

El videoclip es raro, pero te engancha porque todo lo que hace Shakira termina resultando hipnótico. La gama cromática también es curiosa, con predominancia casi exclusiva de tres colores: blanco, negro y rojo, con la licencia del azul eléctrico de la cinta del pelo de la colombiana y la chupa de cuero amarilla de Taboo.

La "caida de meteorito" inicial del videoclip no tiene ningún sentido y la mezcla de los ochenta con el futuro, tampoco. El momento skate, no hay por dónde cogerlo y el significado de los colores de cada miembro y dentro de la temática (risas) del videoclip, tampoco. Que en la letra se cite a Selena y a Anitta para ganar seguidores de esas dos artistas me parece de lo más cutre también, pero lo paso por alto por no ser "parte del videoclip" que es de lo que va el blog.

Si no fuera por Shakira sería una basura, pero solo con ella, vamos a dejarlo en que es sencillamente malo.

¿Quién engañó a Roger Rabbit? – Why don’t you do right (Jessica Rabbit / Amy Irving – 1988)

Hoy en día vemos películas como Pokémon: Detective Pikachu (2019) o cualquier otra que tire de CGI hasta en los fundidos a negro y nos parece de lo más natural que seres "irreales" interaccionen con los seres humanos en las pantallas de cine y televisión. Pero hubo una época en la que conseguirlo no era tan "sencillo" ni los resultados tan espectaculares como pasó en 1988 con la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit?

Hasta entonces, estas películas, llamémoslas "híbridas" estaban relegadas a un formato puramente infantil como pasaba en Mary Poppins o La bruja novata pero ésta sin dejar de hacer las delicias de los más pequeños, es una película de cine negro, con una historia enrevesada, con muertes, infidelidades,asesinatos, alcoholismo, depresión... vamos los ingredientes habituales del cine negro, pero con un sinfín de guiños y referencias que solo los adultos podrían entender.

Pongamos en contexto la escena. Roger Rabbit, un conejo de dibujos animados actor de cortometrajes cómicos, ha bajado la calidad de sus interpretaciones y el jefe del estudio de cine para el que trabaja contrata al detective Eddie Valiant (Bob Hoskins) a investigar si puede ser debido a una infidelidad de su mujer Jessica Rabbit (Kathleen Turner, aunque en la canción, su voz es la de la también actriz Amy Irving) para lo que se traslada hasta el Cabaret en el que ella trabaja como cantante.

Esperándose una "coneja", Eddie descubre a uno de los personajes más sexys jamás dibujados y su carta de presentación es una versión del tema "Why don't you do right", compuesto inicialmente por Wilbur "Kansas Joe" McCoy como mezcla de blues y jazz en 1936 pero que alcanzó la fama a raíz de la versión jazz de Peggy Lee con la Benny Goodman Orchestra de 1942, aunque emitida en los medios americanos en 1943.

VALORACIÓN

La película es una auténtica joya y la fantasía de más de un adolescente de aquella época llegó a límites insospechados gracias al personaje de Jessica Rabbit y, entre otros motivos, a su "interpretación" de esta canción.

El contraste además con la clásica pin-up girl real de los años 30, la descarada Betty Boop, es fantástico, dejando a aquella a la altura del betún en comparación con la femme fatale de Jessica Rabbit de los años 40 aunque, recordemos que, "ella no es mala, solo la dibujaron así".

Una escena musical que forma parte de la historia del cine.

Original Prankster (2000) – The Offsrping ft. Redman

La banda californiana de letras pegadizas The Offspring eligió "Original Prankster" como sencillo de lanzamiento de su álbum Conspirancy of One (2000), que además contaba con la colaboración del rapero Redman.

Lo curioso de este lanzamiento fue que pusieron el tema como descargable en su página web y realizaron un concurso para regalar un millón de dólares a una persona de entre todas aquellas que se hubieran descargado la canción.

Claramente no fue esto lo que mostraba el videoclip sino a Redman como el "Original Prankster", algo así como el primer bromista, que incita a otros a realizar "bromas", como mínimo, pesadas.

Mientras la banda toca en el muelle de la playa de Hungtinton, en California (hogar de los miembros del grupo), entre chicas en bikini y skaters, Redman incita a un joven a hackear el sistema eléctrico de la ciudad, mientras éste recuerda a base de flashbacks algunas de las "bromas" a las que le había incitado a lo largo de su vida: le dio de comer a su padre un sandwich con las heces del perro, electrocutó a un pervertido profesor de ciencias y acabó con la carrera del director del instituto preparándole una encerrona con dos compañeras a quienes fotografió en topless con el director. Al final, el joven deja sin luz a toda la ciudad y acaba pulverizado por un rayo, algo que se puede interpretar como que se ha convertido en un nuevo "incitador de bromas" como Redman.

VALORACIÓN

El videoclip es original y divertido. Mantiene el espíritu de la letra pero cuenta una historia totalmente original con su planteamiento, nudo y desenlace totalmente claros y sin dejar de sacar a la banda y al artista invitado. ¿Abusa de chicas en bikini? Por supuesto. Nunca he estado en California para comprobarlo pero incluso si hubiera tanta chica guapa en bikini por todos sitios, aún así, su utilización en el videoclip es claramente un "reclamo" para la chavalada y, aún con todo, el videoclip sigue siendo disfrutable.

Para mí, un buen videoclip.

Gulliver (2002) - Miguel Bosé

Miguel Bosé siempre ha estado envuelto en la polémica, por sus tendencias de moda, sus canciones provocadoras, por ser hijo de quién era..., desde luego, con cuatro nacionalidades (panameña, española, italiana y colombiana) está claro que no podía dejar indiferente a nadie.

Pero antes de que se le quedase una voz de balleno y fuera objetivo de tuiteros y presentadores de programas cómicos de televisión por sus ideas respecto al coronavirus, Miguel Bosé ha sido ante todo una estrella de la música, si no a nivel mundial, sí a nivel de los países latinos. Es por eso que cuando quiso tirar de famosos para el videoclip de "Gulliver" segundo sencillo del álbum Sereno (2002) que le proporcionó el Grammy Latino al Mejor álbum de pop latino en la categoría masculina de 2002, acudieron todos a su llamada. Pero todos. Parece una película de Torrente, que te pasas el metraje identificando los cameos.

De hecho, al igual que con la saga de películas de Santiago Segura, es más interesante la "caza del cameo" que el argumento en sí. Porque en realidad este videoclip no tiene argumento. La mayor parte del tiempo es Miguel Bosé mirando a cámara, a veces entre trincheras, a veces entre muertos, casi siempre vestido de calle y de vez en cuando los cameos, vestidos con trajes de soldado del S. XVIII hasta más o menos nuestros días.

¿Y quiénes acudieron a la llamada? José Coronado, Antonio y José Miguel Carmona (Ketama), Boris Izaguirre, Inma del Moral, Amaya Arzuaga, Mercedes Milá, Manel Fuentes, Beatriz Bergamín y Emilio Buale.

En 2016, Miguel grabó una nueva versión del tema en acústico que sirvió de primer sencillo de su álbum MTV Unplugged junto a Natalia Lafourcade y acompañado por los miembros de Maná Álex González y Sergio Vallin.

VALORACIÓN

Ya lo avanzaba un poco en el análisis. El videoclip es muy flojo. Sin argumento, los cameos totalmente desaprovechados, aburrido y sin sentido. ¿Podemos rascar la superficie y ahondar en las metáforas? Seguramente sí, y aún así, no habría un hilo conductor, los cameos seguirían sin tener la más mínima relevancia y el videoclip seguiría siendo un tostón.

Casi me quedo con la versión en acústico que no tiene videoclip, obviamente porque es un acústico grabado en directo, pero que tiene más ritmo y más chicha que el de 2002 por mucho famoso que incluyese.

Blurred lines (2013) – Robin Thicke ft. T.I. & Pharrell Williams

Marzo de 2013, Robin Thicke, el hijo de Alan Thicke, el mítico padre de la serie Los problemas crecen, y cuya carrera musical había pasado bastante desapercibida publica el tema "Blurred lines" en el que colabora con Pharrell Williams y el rapero de moda de aquel momento T.I. y consigue liderar las listas de ventas en Estados Unidos durante 12 semanas, ser número 1 en medio mundo (España, Australia, Canadá, Suiza, Reino Unido...) y amasar unos beneficios estimados por la canción a día de hoy de más de 16 millones de dólares logrando además un récord histórico en los EE.UU. al vender 5 millones de copias en solo 22 semanas.

Este éxito se sustentó en una melodía que no te podías sacar de la cabeza, letras subidas de tono, las colaboraciones de las estrellas del momento y el videoclip, en el que contaba con tres modelos (Emily Ratajkowski, Jessi M'Bengue y Elle Evans) bailando sugerentemente y "haciendo cosas". Pero es que para asegurarse el tiro, sacaron una segunda versión del videoclip con las modelos haciendo prácticamente lo mismo pero en top-less (aquí lo dejo para quién lo quiera ver).

Y sin embargo, pasado el éxito inicial que le encumbró, le empezaron a "crecer los problemas" a Robin. Empezaron a analizar la letra de la canción y algunos hasta vieron apología de la agresión sexual (recordemos que blurred lines significa líneas borrosas). El tema habla de un chico que ve a una chica en la discoteca  y tiene frases como "¡buena chica! sé que lo quieres", "eres la perra más caliente del lugar", "tuve una zorra pero no era tan mala como tú", "déjame ser al que le arrimes al trasero" o "te daré algo lo suficientemente grande que partirá tu culo en dos". Luego revisaron los temas anteriores de Thicke y vieron que todas sus letras iban por el mismo camino. Luego se fijaron en que en el videoclip se ve escrito con globos "Robin Thicke tiene una gran p" (en la segunda versión del videoclip se ve escrito al completo) y se dieron cuenta de que en todas las entrevistas terminaba presumiendo del tamaño de su miembro. En fin, que la sociedad americana terminó echándosele encima y no volvió a levantar cabeza.

De hecho, Pharrell Williams, que fue el productor del tema, terminó pidiendo perdón, reconociendo que en aquellos momentos no se dieron cuenta de que eran frases que podrían perfectamente ser utilizadas por agresores sexuales y que esa canción e incluso otras de las suyas, reflejan una cultura sexista...

Y no acaba ahí la cosa sino que en 2019, los compositores de la canción (entre los que están los propios Thicke y Williams) fueron acusados de plagio del tema "Got to give it up" de Marvin Gaye compuesta en el 76 y perdieron el juicio teniendo que pagar hasta 5 millones de dólares por la condena. Cuatro años antes el amigo Williams había dicho en una entrevista que "toda la gente creativa tenía inspiración".

VALORACIÓN

Hoy en día nadie podría decir que es un buen videoclip, aunque se lo pareciera (y eso ya sería otro debate) pero si nos olvidamos de la letra, el videoclip en sí es un sinsentido. No es más que una colección de escenas de dominación y de fetiches sexuales (el corderito, el maullido, la simulación del azote, el agarrar de la trenza, la mujer a cuatro patas, los pies en la cara...) para mayor jolgorio de los tres protagonistas masculinos.

Podría comentar más cosas sobre la canción, la versión en directo con Miley Cyrus en los MTV Music Awards de 2013, que según Thicke, el tema está inspirado no en una mujer random en una discoteca a la que quiera "asaltar" sino en su entonces mujer, la actriz Paula Patton... pero creo que con lo ya dicho, cualquiera podrá formarse una opinión al respecto.

La Beuze – Le frunkp (Alphonse Brown / Michaël Youn – 2002)

La Beuze (2003) es una película nada conocida fuera de Francia interpretada por Michaël Youn, que para el público español podría sonar por haber sido pareja durante un tiempo de Elsa Pataki.

Para Michaël era su primer papel protagonista después de tres años como presentador de un programa matinal de variedades en clave de humor gamberro llamado Morning Live de la cadena francesa M6 y fue todo un éxito en aquel país, volviendo míticas las escenas de Michaël saliendo a la calle completamente desnudo con un altavoz gritando el nombre del programa.

El argumento... tiene tela. Alphonse, que resulta ser el hijo perdido y no reconocido de James Brown, sale de la cárcel decidido a triunfar en el mundo de la música como su padre pero junto a su amigo Scotch, encuentran un baúl de cannabis con el que los nazis hacían experimentos con la gente durante la Segunda Guerra Mundial y a partir de ahí empiezan las persecuciones. La película parodia escenas de Granujas a todo ritmo, El precio del poder y la saga de Asterix y Obelix, entre otros y como promoción, de la película y de la banda sonora, apareció el tema "Le frunkp" interpretado por el propio Alphonse Brown, como muestra del nuevo género musical que ha inventado, el frunkp, que es una mezcla de funk y rap.

El videoclip muestra básicamente escenas de la película con coreografías en el puerto de Le Havre y escenas en estudio con estética setentera, todo en plan comedia siguiendo el mismo tono que el de la película.

VALORACIÓN

El videoclip es malo, pero gracioso... si te gusta ese tipo de humor. Parte de la gracia también está en la letra, en las rimas imposibles cuasi sin sentido que, con el patetismo de los movimientos de baile hacen un conjunto divertido..., nuevamente, si te gusta ese tipo de humor. La crítica francesa medio aceptó la película, aunque luego las valoraciones de los espectadores la llevaron a cotas de las peores películas francesas de todos los tiempos, lo que tampoco evitó que fuera uno de los grandes éxitos del cine francés en aquellos años.

Por eso, y como hay gustos para todos, no hay mucho más que decir. Que cada uno se forme su propia opinión.

Timber (2013) – Pitbull ft. Kesha

"Timber" salió en 2013, pleno apogeo de las colaboraciones entre "poperos" y "raperos / hip-hoperos" o, dicho de otro modo, la aparentemente imposible mezcla de géneros que tanto éxito tuvo (y sigue teniendo) y que tanto daño ha hecho a la música volviendo a todas las canciones iguales.

A diferencia de la gran mayoría de colaboraciones de aquella época, la canción no era del artista "popero" de turno sino del "rapero / hip-hopero" y era el artista "popero" en cuestión quién le daba la mezcla de género necesaria para que fuera un éxito.

La artista elegida fue una vieja conocida de Pitbull, la también americana Kesha (antes Ke$ha, cosas de artistas) con quién ya había trabajado anteriormente como por ejemplo en su exitoso tema "Tik Tok" en 2009, si bien no fue ella la primera opción sino Rihanna pero ella estaba grabando con Shakira el videoclip de "Can't remember to forget you" que ya analizamos en su día aquí. En cualquier caso, la canción fue un pelotazo mundial, número 1 en quince países y ha vendido más de 21 millones de copias y su videoclip ha recibido más de 1.000 millones de visitas.

¿Ayudó el videoclip al éxito de la canción? Sin duda. ¿De qué va el videoclip? Ni puta idea. ¿Importa? En absoluto.

A ver, por un lado está Kesha, cortando leña con un hacha en una granja con burros aunque luego se la ve en las afueras de una especie de bar del oeste americano de nuestros días. En un momento determinado entra en el bar y se convierte en una especie de Bar Coyote en el que las camareras junto a Kesha se terminan marcando una coreografía que ni Coyote Dax en sus mejores días y terminan montadas en un toro mecánico. Por otro lado está Pitbull refrotándose con la modelo italiana Raffaella Modugno en las Bahamas (se sabe por la bandera que ondea Raffaella), entre paisajes naturales idílicos y playas paradisíacas, jugando con tiburones en un yate y explorando pecios en el fondo del mar sin quitarse la americana. Y ya está. Al final del videoclip las "camareras" te dedican unas palabras, luego hay una dedicatoria y San Seacabó.

VALORACIÓN

Intentando relacionar las dos historias con la letra de la canción se puede deducir que... no hay que calentarse la cabeza que no merece la pena. El videoclip saca chicas guapas, paisajes paradisíacos, vida de lujos y diversión. ¿Está mal que lo haga? No. ¿El videoclip, como tal, tiene algo que merezca la pena? Tampoco ¿La gente se lo va a pasar bien viéndolo? Por supuesto.

Pregunta sin respuesta, ¡¿¡¿cómo carajo hace el propietario del local para pagar el sueldo de 10 camareras?!?! Ahí hay algo que no nos han contado...

Fast Slow Disco (2018) – St. Vincent

Hay muchas formas de hacer que una cosa destaque sobre otra aunque la principal suele ser buscar el contraste. Anne Erin "Annie" Clark, más conocida como St. Vincent e incluso la "David Bowie femenina" buscó claramente el contraste en el videoclip de "Fast Slow Disco" (2018) una nueva remezcla de su propio tema "Slow Disco" de su álbum Masseduction, y que terminaría siendo incluido en el álbum Nina Kraviz Presents Masseduction Rewired (2019).

¿Lioso? Entonces mejor no leas que también hizo una segunda versión de aquella canción llamada "Slow Slow Dicsco" (2017) con Thomas Bartlett al piano, para el álbum Masseducation (2018).

Pero volvamos al videoclip, porque cómo hacer destacar a la cantante, se debió de preguntar el director, pues rodeándola de chicos de estética gay. Y ni cortos ni perezosos situaron a una Annie Clark de lo más sudorosa con su vestido negro en un bar gay de Nueva York rodeada de chicos tan sudorosos como ella con mucho bote y mucho refrote entre ellos y, por supuesto, con su cuero, sus cadenas, sus tatuajes, sus bigotes y hasta un calcetín. En un momento ¿orgiástico? ella acaricia pero más que nada por no aburrirse y a ella le llega alguna caricia pero como sin querer, de estas veces que estás en una orgía y metes la mano al tuntún sin saber qué o a quién estás tocando.

Cromáticamente tiene su puntito porque empieza con neones azules y muchas sombras (momento fiesta de discoteca), se pasa luego al púrpura y a la buena iluminación (momento orgía), luego viene el dorado (momento baile romántico) y termina en un fundido a negro con ella sola en la imagen.

VALORACIÓN

Me gusta el tema de los cambios cromáticos reflejando las, podríamos decir, distintas emociones que va experimentando en cada momento, siendo bastante impactante el fundido a negro final, pero poco más. El videoclip es original, y me parece curioso -para bien- que muestre temática gay cuando la canción en principio no va de eso -aunque cada uno le puede dar la interpretación que quiera porque como dice la propia Annie Clark está abierto a muchas lecturas-, pero es aburrido y me cansa mucho a estas alturas el tirar de clichés para todo.

Aquí, para dejar claro que son gays tienen que ir de cuero, a pecho palomo con torso descubierto, con bigotes o al menos barbas, grandes, fornidos... parecen sacados de "La ostra azul" (The Blue Oyster) el bar gay donde terminaban muchas veces los "compañeros malos" de Mahoney y compañía en las películas de "Loca academia de policía". ¡¡Y la primera fue en el 84!! Eso significa que casi 40 años después se siguen utilizando los mismos clichés para identificar a los hombres homosexuales, lo cual resulta un poco lamentable, sobre todo teniendo en cuenta que el videoclip no es una parodia como sí era aquella saga de películas.

Por cierto, ¿la diversidad racial dónde está? En el videoclip creo que se ve un hombre negro de refilón y para de contar. No debe de haber gays negros, o latinoamericanos, o asiáticos... en toda Nueva York.

En fin, para mi, videoclip de los malos.

Girls of Summer (2002) – Aerosmith

No son pocos los recopilatorios de grandes éxitos que ha sacado a la venta Aerosmith a lo largo de su carrera, algunos explicados por compromisos contractuales al cambiar de compañía discográfica y otros, simplemente, por seguir haciendo caja con el mínimo esfuerzo creativo.

Puede que el O, Yeah! Ultimate Aerosmith Hits (2002) fuera de los del segundo grupo pero vino acompañado de un único tema nuevo que además sirvió como único sencillo del álbum. La canción, lógicamente era este "Girls of Summer" y el videoclip iba, lógicamente, de chicas en la playa, en verano.

Mientras Steven Tayler canta desde una cómoda silla en la playa, se suceden (casi) las 24 horas de un grupo de tres amigas (las modelos y actrices Jamie Pressly, Nichole Galicia y Kim Smith) en lo que perfectamente podría ser la ciudad de Miami (que fue donde se grabó el videoclip).

El día empieza con Jaime ¿burlándose? y fotografiando al chico con el que se acaba de despertar y tras escabullirse de su casa, feliz de la vida, se va a desayunar con sus amigas y aprovecha a darse un piquito con Nichole porque ¿por qué no? Mientras le enseña la nueva "foto" de su colección, Kim es a la que se le ve más incómoda con la situación aunque no del todo porque al salir entran en una tienda de ropa y para poder salir las tres sinpas de bikinis se da el lote con el dependiente. Un poco más tarde, cruzando la calle los típicos chulos de playa les lanzan unos piropos y Jaime, decide lamerles la insignia de Mercedes del coche, arrancársela y llevársela de recuerdo. Llegan a la playa y mientras retozan en la arena, un nuevo chulito de playa le "quita el sol" a Jaime que le baja de golpe el bañador dejando caer... un calcetín de relleno. Luego a la ducha para quitarse la arena mientras se dejan observar por un chaval y luego por el paseo marítimo en moto estando prohibido. De vuelta a casa a "descansar" mientras Kim se acuerda de sus padres, para volver a salir de cena, consumir a lo grande y hacer un nuevo sinpa en el restaurante antes de ir a la discoteca para bailar, que Jaime se vuelva a encontrar con otro chulito de playa y esta vez no termine en foto el día después, sino en bofetón en toda regla.

Una televisión con imágenes de los músicos de la banda interpretando el tema "persigue" a las chicas en sus escenas y el videoclip termina con Steven Tyler se encuentra con un sandwich que le dice "cómeme" y al dar el primer mordisco descubre que ha mordido el anzuelo de una de esas chicas de verano de las que habla en la canción.

VALORACIÓN

Lo cierto es que la descripción del videoclip ha sido bastante exhaustiva así que hay poco que añadir. El videoclip es divertido. Jaime Pressly, que es la que lleva la voz cantante, hace muy bien de "payasa" y el video está trufado de momentos sexys y momentos divertidos que le pega muy bien al tono del videoclip.

Cierto es que la "subtrama" de Kim como de que quiere estar ahí pero que no se siente cómoda del todo, pero que se deja llevar, pero que en el fondo quiere estar con la familia... queda un poco rara, por no haberla contextualizado bien, ni haberla llevado a ninguna parte, pero aparte de eso, creo que no es un mal videoclip.

Depende (1998) – Jarabe de Palo

Después de petarlo con "La Flaca", gracias al apoyo, por cierto al anuncio de un disco recopilatorio promoción de una marca de cigarrillos de cuyo nombre no quiero acordarme (y seguramente ellos en sus tiempos tampoco) los Jarabe de Palo quisieron demostrar que no eran flor de un solo día y un año después de aquel éxito sacaron su segundo álbum, Depende (1998), con su tema "Depende" por bandera y lograron consagrarse y consolidarse en la cima.

El videoclip de este tema está rodado en su mayor parte en blanco y negro, con Pau Donés (fallecido el año pasado de cáncer) con pintura negra y acompañado de otro chico, pintaban de negro, sobre una pared blanca el título de la canción, estrofas del tema y otras palabras sueltas. Entremezclado con todo eso, y ya en color, imágenes de distintos momentos de la vida de una pareja y de otras personas, jugando en algunos casos al despiste, haciendo parecer lo que no es.

VALORACIÓN

Historia real: a comienzos de los 2000, abandoné España para estudiar y trabajar y en la maleta me llevé algunos CD's para amenizarme la existencia en un país hostil siendo uno de los que cruzaron la frontera el Depende de Jarabe de Palo. Conocí a mucha gente, de muchos países y algunos igual que yo, habían traído música de sus tierras que nos intercambiábamos. Unas amigas rumanas, que por cierto aprendieron el español solo hablando con españoles en apenas 4 meses, tuvieron un tiempo este álbum y, como ya digo que aprendieron español, entendían casi a la perfección las letras de las canciones (que además estaban escritas en el libreto del disco) y cuando me lo devolvieron y les pregunté que ¿qué tal? me dijeron que les encantó y que con la canción de "Depende" se cogieron una buena llorera porque la letra les impactó bastante, concretamente la parte de (...)que te hace muy feliz que sea el día de tu boda. Depende(...).

¿Por qué os cuento esto? Porque este blog va de videoclips y el tema puede ser muy bueno y el videoclip muy malo. Y en este caso a mí el videoclip me parece muy malo.

Es "conceptual", que es lo que se dice cuando no tienes claro lo que haces y mezclas cosas al tun-tún. Negro sobre blanco, vale. Llenar de palabras una pared (metáfora de lienzo en blanco), vale. Jugar con las pinturas con una persona que aparenta, porque lo aparenta, algún tipo de disminución psicológica, ...vaaaaaleee. Que haya subtramas en color...ok. Que el chico intentando "conquistar" a la chica parezca un gilipollas y que ella se abalance sobre él porque aparece con algo que sirve para mantenerla...¿eins? Que el bebé sea una oca...¿ehhhh? Que la abuela deambule por la casa como ida y viendo gente apareciendo y desapareciendo de su casa y una niña la consuele...peroooo... No tiene ningún sentido. Supongo que quisieron decir muchas cosas y se quedaron a medias. Eso, o fueron tan snobs de hacer algo para que solo "los elegidos lo entendieran". Para muestra un botón:

¿Por qué la escena en color en el minuto 2:47? ¿Qué sentido tiene? ¿Es una alegoría de algo? Sale Pau Donés sentado en un sillón rojo y ya. No hay más. No es un fallo, claro, porque además tiene continuidad en el minuto 3:47. Eso no puede ser casualidad pero ni en el 0:47 ni en el 1:47 aparece por lo que salvo explicación, no deja de ser uno más de los sinsentidos del videoclip.

Yo creo que se pasaron claramente de frenada con lo "conceptual" y les quedó un videoclip sinsentido y aburrido.

I wanna be sedated (1978) – The Ramones

Es normal que un sencillo salga antes que el propio disco. De hecho, cada vez más, los artistas sacan temas sueltos y si consiguen éxito con ellos, ya luego sacan un álbum incluyéndolos. Lo que no es tan habitual, aunque hay ejemplos no muy lejanos como el de "20 de abril" de los Celtas Cortos (1991 tema, 2019 videoclip), es sacar un videoclip después de publicar el tema. Pero que mucho después de publicar el tema. En el caso que nos ocupa pasaron diez años desde que fue publicado el álbum Road to Run (1978) del que "I wanna be sedated" fue el tercer sencillo hasta 1988, fecha en el que se grabó el videoclip, sirviendo en esta ocasión como primer sencillo promocional del álbum recopilatorio Ramones Marnia (1988).

Algo parecido pasó, aunque sin tanto tiempo de diferencia con el tema "One Wild Night" de Bon Jovi, que fue uno de los temas del álbum Crush (2000) y que se convirtió -con algunos arreglos- en el primer sencillo (videoclip incluido) del siguiente álbum de la banda, el recopilatorio homónimo One Wild Night Live 1985-2001 (2001).

Pero volviendo a los Ramones, el video de este tema es extremadamente original. Aparecen los cuatro integrantes desayunando cereales (Marky) y leyendo (Johnny y Dee Dee) en una mesa en medio de un pasillo del que parece un centro de salud... por no decir psiquiátrico. Y cuando Joey empieza a cantar, el anteriormente vacío pasillo empieza a llenarse de gente de todo tipo y de lo más extraño, desde monjas hasta enfermeras, pasando por acróbatas, colegialas fumando, el equipo técnico del videoclip con las cámaras, un Supermán hinchable, animadoras, monstruos, vaqueros, gaiteros, chicas en bikini, bailarinas, atracadores, gente haciendo el pino  y hasta Courtney Love antes de ser famosa. Todo ello en una única toma con la cámara fija, con el movimiento de la mesa en tiempo real y el resto en segundo plano a cámara rápida.

Lo divertido de esto es que para poder hacerlo, los Ramones, en primer plano, tuvieron que hacer todos sus movimientos a cámara lenta y el resto de la gente en segundo plano a velocidad normal y luego acelerarlo todo a cámara rápida hasta hacer encajar el movimiento de la boca de Joey con la velocidad normal de la canción.

VALORACIÓN

Es tan original, tiene tanto mérito y pasan tantas cosas que no solo pasas los poco más de 2:30 minutos que dura el videoclip pegado a la pantalla sin pestañear sino que no te importa volver a pasarlo una y otra vez para fijarte en más detalles de los que has visto durante el primer visionado. Además la canción es muy buena lo que favorece las ganas de repetir una y otra vez el videoclip.

Me queda la duda de saber cómo habría encajado este videoclip en la película Terminator 2, que ya dijimos en el análisis del "You could be mine" de los Guns n' Roses, que iba ser ésta y no aquella la BSO de la película pero eso es algo que nunca llegaremos a saber.

Sin duda ninguna, un grandísimo videoclip.

Muere otro día – Die Another Day (Madonna – 2002)

Nadie que conozca las películas de James Bond se sorprenderá si considero a Muere otro día de 2002 como, si no la peor, una de las peores películas de la saga, al menos, de los últimos 30 años. Palacios de hielo, Bond haciendo surf, norcoreanos operándose para parecer occidentales y un sinfín de despropósitos más propios de Austin Powers que de James Bond. Fue el peor de los finales para Pierce Brosnan como el agente secreto menos secreto del mundo y, sin embargo, tiene para mí, si no la mejor, una de las mejores escenas de títulos iniciales de toda la saga.

Pongamos un poco de contexto, tras la icónica escena del cañón de la pistola que marca el inicio de cada película (salvo Dr. No), nos vamos a Corea del Norte donde James Bond tiene la "típica misión pre-créditos". En este caso, se infiltra como traficante de armas en la base de un general norcoreano corrupto que negocia con terroristas para desmontarles el tinglado. Tanto el principal terrorista como el general corrupto se salvan de las acciones de 007 pero en la refriega, el muy hijo de la Gran Bretaña se "carga" (sí, con las comillas) al hijo del general y tras una espectacular huida made in Bond hacia la frontera con Corea del Sur, James finalmente... ¡¡¡termina siendo capturado!!!

Culo torcido para todo el mundo porque por primera vez, Bond no solo no acaba con los malos (solo "mata" a un malo secundarios) sino que encima le toman prisionero. Y es justo ahí cuando empiezan a sonar las primeras notas del tema "Die Another Day" de Madonna, que tiene el mismo título que la película.

¿Y qué es lo que hace a estos títulos de crédito distintos? No es que no le falten las típicas "sombras" de mujeres contoneándose al son de la música ni las no menos habituales imágenes pseudo oníricas sino que durante todos los títulos de crédito se van sucediendo todas las torturas a las que fue sometido James Bond durante los 14 meses en los que estuvo prisionero para intentar sacarle información. Desde escorpiones a hierros incandescentes, pasando por agua congelada, electrocuciones, golpes... y la única cara visible a parte de la de Bond es la de la supuesta carcelera que intenta pasar por sádica y en algunos momentos hasta lo consigue.

Ah, ¿Qué no quieres arroz? ¡Pues toma dos tazas!

Madonna en el videoclip promocional de la película y de la banda sonora, reproduce en parte el mismo esquema que esa escena de créditos iniciales cambiando a Bond por ella misma como protagonista de las torturas y la entremezcla con otra escena de la película en la que ella hace un cameo como profesora de esgrima y que en el videoclip se supone es una ensoñación de ella para huir mentalmente mientras la torturan,  en la que se ve a dos tiradores de esgrima, uno blanco (el bien) y uno negro (el mal), que luego se revela que son ambos interpretados por ella. Y por si todo esto fuera poco, en la parte final del videoclip en la lucha entre ambas tiradoras, llegan a una sala repleta de "trofeos" que no son ni más ni menos que una sucesión de personajes y objetos icónicos de muchas de las películas de la saga entre las que destacan una reproducción "viviente" de Oddjob y su bombín asesino y mujer pintada de dorado de la película de Goldfinger, la dentadura metálica del personaje de "Tiburón", el gato del villano Blofeld, el bikini de Dr. No...

Finalmente la tiradora blanca gana a la negra, lo que supone "en la vida real" que Madonna Bond ha conseguido escapar de la silla eléctrica en la que la iban a ejecutar y se la ve finalmente huyendo mientras se cierra el icónico cañón de la pistola de las películas de la saga.

Una  buena manera de gastarse los 6,1 millones de dólares de entonces que costó el videoclip convirtiéndole, aún hoy, en el segundo videoclip más caro de la historia.

VALORACIÓN

Sorprendente y muy refrescante la escena de títulos de crédito iniciales y grandísimo videoclip promocional que hasta fue censurado en la MTV obligándoles a cambiar una escena, la de la herida sangrante en el estómago, para emitirlo. Los dos son muy disfrutables seas fan o no de las películas de James Bond o de Madonna.

Podría añadir un montón de cosas pero creo que a buen entendedor, pocas palabras bastan.

La cadena de Lego

Por increíble que parezca, gracias a los bloques de LEGO, vamos a conseguir relacionar unos personajes tan dispares como pueden ser los Guardianes de la Galaxia de universo Marvel con Robin Hood o, yendo un poco más por la música, a David Hasselhoff con Bryan Adams.

¿Quién ha dicho que los Legos son cosa de niños? Bueno, en realidad lo dijeron en el eslabón 4 de la cadena, pero ni caso...

ESLABÓN 1/6: Guardianes de la Galaxia Vol. 2 – Guardians Inferno (The Sneepers ft. David Hasselhoff – 2017)

Este tema que sirvió, además de promoción, como homenaje al homenaje (valga la redundancia) que le hicieron a David Hasselhoff en la película cuenta con todos los protagonistas en el videoclip aunque con una notable ausencia, la de Chris Pratt. Sin embargo, como pasa en casi todo lo que tiene que ver con Marvel, hay que esperar al final del final para descubrir que bajo el extraño robot que aparecía de vez en cuando entre los actores, se escondía desde el principio el mismísimo Star Lord.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 2/6: La LEGO película – Everything is awesome!!! (Tegan and Sarah ft. The Lonely Island– 2014)

Al igual que en el videoclip del eslabón anterior, Chris Pratt tampoco está reconocible a simple vista. ¡Y eso que aparece en el principio de la peli! En este caso, el bueno de Chris da voz a Emmet, el "ordinario" obrero destinado a salvar el mundo de Lego del tirano Megamalo.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 3/6: Lego House (2011) – Ed Sheeran

Antes de lanzarse a hacer sus propias películas, Lego ya intentó publicitarse a través de otros medios. Uno de ellos, que es el que nos ocupa es el de los videoclips. En 2001, permitieron a Ed Sheeran utilizar su nombre como título de la canción y sus juguetes como parte del videoclip del tema "Lego House" en el que Ruppert Green, al igual que Chris Pratt en el videoclip del eslabón nº 1 de la cadena, empieza pareciendo una cosa para terminar siendo otra muy distinta.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 4/6: Fell in love with a girl (2002) – The White Stripes

En la introducción he preguntado ¿Quién ha dicho que los Legos son cosa de niños? En realidad en 2002 lo dijo la propia compañía de juguetes cuando el grupo White Stripes les propuso la idea de hacer el videoclip del tema "Fell in love with a girl" exclusivamente con piezas de Lego. Los daneses les dijeron que su público objetivo eran los menores de 12 años y los White Stripes tuvieron que hacerlo sin poder mostrar la marca en ningún momento.

Tras el reconocimiento de prensa y medios especializados tanto a la canción como al videoclip, con algún premio MTV incluido, los de Lego se pensaron dos veces lo de utilizar sus juguetes en contextos para mayores de 12 años y el posterior videoclip de Ed Sheeran es una buena muestra de ello.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 5/6: Padre de Familia – Everything I do (I do it for you) (Seth MacFarlane – 2009)

Siempre se ha dicho eso de que no eres nadie hasta que no te imitan entendiendo el término "imitar" tanto como "copia" como "parodia". Al otro lado del charco, en la zona norte anglófona, tienen ¡cómo no! su propia versión y es que en los Estados Unidos "no eres nadie hasta que no has salido en Los Simpsons".

Hoy en día Padre de Familia está en ese sentido a la misma altura que la serie de personajes amarillos y sus cameos y referencias abarcan el mundo entero.

Entonces, si tomamos como cierto ese dicho, los White Stripes tocaron el cielo cuando su videoclip de piezas que no se puede decir que eran de Lego porque no tenían permiso para ello aunque sí que eran de Lego, apareció en uno de sus capítulos en el que Stewie, se marca un videoclip "profundo" para enamorar a la chica que le gusta. Son solo unos segundos pero entre el minuto 2:21 y el 2:28, los White Stripes demostraron que son alguien.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 6/6: Robin Hood: Príncipe de los ladrones – (Everything I do) I do it for you (Bryan Adams – 1991)

Stewie Griffin no fue tonto al elegir este tema para el videoclip que le hizo a su novia en el eslabón anterior. No por nada ganó el Grammy a mejor canción para cine o televisión de 1991 que además, sirvió para envolver la historia de amor entre Robin Hood y Lady Marian en la película de Kevin Costner de Robin Hood: Príncipe de los ladrones. No sé si será la mejor película sobre el personaje pero desde luego, las que han hecho después, no se le acercan ni de lejos.

El caso es que si los White Stripes demostraron que son alguien con sus ocho segunditos en un capítulo de Padre de Familia, Bryan Adams y su tema, que se reproduce de principio a fin, en ese mismo capítulo, puede decir que ha tocado el cielo, al menos, en los Estados Unidos.

Ver análisis del videoclip aquí.

Destination Calabria (2006) – Alex Gaudino ft. Crystal Waters

No es posible tener todos los días la misma motivación. Algunas vez te apetece lo justo hacer lo que tienes que hacer y aunque terminas por cumplir, lo intentas hacer siguiendo la ley del mínimo esfuerzo. A mi también me pasa y por eso tengo entre mis listas de videoclips para analizar (si es que se puede llamar "analizar" a lo que hago en este blog) tengo algunos ya preseleccionados algunos "elegidos" para tirar de ellos llegado el momento.

Hoy es uno de esos días y el videoclip elegido es el del tema "Destination Calabria" del DJ italiano Alex Gaudino con la norteamericana Crystal Waters en las voces, que salió a finales de 2006 en Italia pero que en 2007 lo petó en las discotecas y listas de baile de todo el mundo.

¿Por qué le tenía de comodín? Bueno, lo cierto es que la trama del videoclip no es demasiado...vamos que no hay trama. 8 bailarinas vestidas de majorettes bailan y "tocan" varios instrumentos al ritmo de la canción, que viene durando 3 minutos.

Por cierto, este videoclip es la Explicit Version. He intentado dar con la versión "no explicita" pero no la he encontrado. A ver, para que esté en abierto en Youtube, claramente no hay nada explícito y sí mucho implícito pero, me hubiera gustado ver la otra para comparar.

VALORACIÓN

Por poner un poco de contexto a las generaciones jóvenes que lean este blog (risas contenidas por suponer que "alguien" lee este blog), en 2006 Internet no estaba tan extendido como hoy en día, ni todos los móviles eran capaces de reproducir videos y "tirar de datos" como ahora, ni los contenidos para adultos estaban tan "a mano" como lo están hoy en día. Por eso, videoclips como éste, que en algunas discotecas y bares los ponían en pantallas sin sonido como reclamo, era lo más parecido a contenido para adultos a lo que muchos podían acceder.

Vaya esto por delante para intentar dar una justificación la colección de sexualidad gratuita y cosificación de la mujer que tiene el videoclip. Las referencias sexuales son constantes (limpieza del instrumento -hasta con la lengua- y fálico por supuesto, ajuste de la ropa interior, agua por encima cayendo sobre el sujetador...) y sin embargo apenas hay planos de alguna bailarina a la que se la vea bien la cara o que se la vea al completo. ¿Para qué, verdad? No contentos con eso, luego las hace parecer a todas como borrachas, de hecho una incluso utiliza una trompeta como si fuera una botella y incluso adormecidas presentándolas como más "indefensas". 

En fin, en este blog entra en la calificación de "videoclips malos". Luego, que cada uno o cada una saque sus propias conclusiones.

Moulin Rouge! – Elephant Song Medley (Ewan McGregor ft. Nicole Kidman – 2001)

Un año más vuelve a ser 14 de febrero y a muchos y muchas les toca desempolvar el romanticismo que NO llevan dentro para tener un momento bonito con sus parejas. Hay quién tiene romanticismo todo el año, hay quién no tiene pareja y se caga en los muertos de San Valentín por restregárselo por la cara de manera tan compulsiva y hay quien se niega a verse manipulado por una festividad inventada por las tiendas para fomentar el consumismo así porque sí.

Pero también hay otro grupo de personas, aquellos que están enamorados y quieren declararse sin importarles hacer el ridículo porque lo más importante es el amor y hay que ser valientes. Y esto es lo que le pasa a Ewan McGregor, el protagonista (masculino) de la peli Moulin Rouge. Está enamorado hasta las trancas, como sólo pasa en el mundo del cine, de la corista/prostituta más codiciada del cabaret/burdel, Nicole Kidman. El chico, tira de los más grandes, plagiándolos a todos, y, con dos huevazos encima de un elefante, se declara a su amada cantando un popurrí de hasta 13 "canciones tontas de amor" (así las llaman en la película).

¿Funcionará? Por supuesto que sí, es el momento feliz antes del final trágico de la peli, pero eso ya es otra historia para otros blogs.

VALORACIÓN

El enamorado vs. la descreída, el soñador vs. la realista, la felicidad vs. el dinero. Todo eso en una película de Hollywood se tenía que traducir en una canción de amor y como ya hay muchas en la película, ésta tenía que ser diferente y ¡vaya si lo fue! Los protagonistas se marcan un popurrí de escándalo en el que no es fácil encontrar una canción que no te suene pero por si acaso, aquí va una relación de las 13 con los enlaces a las canciones para quién se quiera pasar una horita localizando las partes "tomadas prestadas" por esta "Elephant Song Medley":

• "Love Is Like Oxygen" (1978) - Sweet
• "Love is a Many-Splendored Thing" (1955) - The Four Aces (La colina del adiós, Oscar a mejor canción original en 1955)
• "Up Where We Belong" (B.S.O. de Oficial y Caballero - 1982) - Joe Cocker ft. Jennifer Warnes (Oscar y Globo de Oro a la mejor canción original en 1982)
• "All you need is Love" (1967) - The Beatles
• "Lover's Game" (1986) - Chris Isaak
• "I was made for lovin' you" (1979) - KISS
• "One more Night" (1984) - Phill Collins
• "Pride (In the Name of Love" (1984) - U2
• "Don't leave me this way" (1975) - Harold Melvin & The Blue Notes
• "Silly Love Songs" (1984) - Paul McCartney & Wings
• "Heroes" (1977) - David Bowie
• "I will allways love you" (1973) - Dolly Parton (aunque la versión que todos conocemos es la de Whitney Houston de 1992)
• "Your Song" (1970) - Elton John

Vale que el videoclip (y la canción) es un rato cursi, pero precisamente en San Valentín, no puedo catalogarlo como malo.

Marvin Gaye (2015) – Charlie Puth ft. Meghan Trainor

Charlie Puth y Meghan Trainor se conocieron al inicio de sus carreras y decidieron colaborar en los álbumes debut de ambos. Trainor incluyó a Puth en el videoclip de su tercer sencillo (aunque segundo de su primer álbum - es un poco lioso, no importa) y Puth colaboró con Trainor en su sencillo debut "Marvin Gaye" de su álbum debut Nine Track Mind (2016) y, por descontado, en el videoclip de la canción.

Pongámonos en situación, instituto americano, baile en el gimnasio, todo el mundo aburrido hasta que sale Charlie al piano y empieza a cantar. Se va animando la cosa y cuando sale Meghan el tema empieza a desmadrarse hasta terminar en una orgía que ni en Sodoma y Gomorra. Fornicios en los baños, en el coche, en el cuarto del bedel, en la pista de baloncesto, con comida, con bebida, tríos, lesbianas (gays no, fíjate tú por dónde) y hasta los monitores/vigilantes terminan dándose el lote.

¿Y todo eso por qué? Pues porque en la letra de la canción les incitan a hacerlo como en las canciones de Marvin Gaye.

¿Marvin quién? Marvin Gaye fue un cantante americano con canciones cuyas letras dejaban poco a la imaginación, aunque lo hacía con bastante clase. Una clara muestra podría ser su gran éxito "Sexual Healing" (1982), cuyo vídeo podéis ver aquí. Creo que con decir que el último verso de la canción dice literalmente "no es bueno masturbarse", deja bien claro por dónde van los tiros.

VALORACIÓN

El videoclip es muy tonto. Claramente al final los cuidadores estirados se van a terminar enrollando, claramente todo el mundo encuentra a alguien con quién liarse, por supuesto hay tríos con dos chicas, hay chicas besándose entre ellas, hay beso final (¡¡aunque lo cortan!!) entre los dos cantantes... La creatividad realmente se pegó un tiro en la sien en este videoclip. Lo único que llama la atención en la presencia más que evidente en varias ocasiones de lengua en algunos de los besos. Cosa rara en los estándares americanos sobre todo cuando hay adolescentes de por medio. Pero vamos que más allá de excitante, no hace al videoclip más interesante.

Para ver y olvidar.

In demand (2000) – Texas

Es difícil de imaginar a alguien que no conozca al ya fallecido Alan Rickman. Ni hoy, ni hace más de 20 años, que es cuando se rodó este videoclip. Para los más jóvenes será el profesor Snape de la saga de películas de Harry Potter. Los más veteranos le recordarán quizás con barba, como la que lucía en la primera de la Jungla de Cristal o en la de Robin Hood, príncipe de los ladrones. Y los que hayan visto Love Actually (porque les gusta o porque la estaban poniendo en la tele y por no hacer zapping ahí se quedó) le recordarán como el marido infiel con su secretaria. Esos solo por citar unos pocos de los papeles que interpretó, que en muchos casos, ni siquiera son sus mejores papeles como actor.

No eligieron pues mala compañía los Texas para su videoclip "In Demand", primer sencillo de su álbum de grandes éxitos The Greatests Hits (2000). La canción habla de un examante de Sharleen Spiteri, que tras mandarla a paseo y ella conseguir después la fama y el amor en brazos de otro, intentó volver con ella. Ella deja claro que no se fía de los motivos de la vuelta de su "ex" porque piensa que solo lo hace porque tiene celos de que ya no esté con ella ahora que lo tiene todo.

¿Y el videoclip va de lo mismo? Pues no. La pareja va en un Bentley descapotable con conductor por la noche de una gran ciudad y su campiña, perseguidos por la prensa, paran a echar gasolina y se marcan un tango, llegan a un hotel Rickman se baja, coge un petate cutre del maletero, se mete en el hotel  y ella se marcha en el coche con carita de cordero degollado.

VALORACIÓN

Son otros tiempos porque "supuestamente" hay giro final porque todo hace pensar que el coche es de él, porque además es mayor, va con traje elegante, que les persiguen por él... y luego se ve que es todo por ella. Quiero pensar que hoy en día no son necesariamente las cosas así y que de entrada no das ya por hecho que es el hombre el del éxito y no la mujer. Pero abrir ese tema es un melón demasiado grande para este blog así que con un cambio radical de tercio solo mencionaré que el videoclip me llega a parecer más aburrido que bonito y que el giro final, un poco forzado, no compensa lo soso del resto de minutaje.

Eso sí, lo que queda muy claro es que por muy tierno que te pongas y lo mucho que te lo curres (chaquetita por aquí, bailecito por allá) nada te garantiza que vayas a mojar esa noche.

My favourite game (1998) – The Cardigans

No serán The Cardigans el primer grupo que te venga a la mente cuando te pregunten por música sueca y, sin embargo, desde 1992 llevan ya vendidos más de 15 millones de discos a lo largo del mundo, cosa que no está al alcance de todos.

Uno de sus temas más conocidos es "My Favourite Game", que sirvió como sencillo de lanzamiento de su disco Gran Turismo (1998) y que ha sido incluido en algunos videojuegos de coches. ¿Por qué? Por su videoclip.

Nina Persson, la cantante, es la protagonista absoluta del videoclip. En mitad de la ruta 666 de los Estados Unidos, Nina busca una roca de buen tamaño que pone en el pedal del acelerador comenzando un viaje kamikaze sin retorno (bueno, no literalmente) conduciendo en sentido contrario, haciendo eses, conduciendo con los pies, atropellando a la gente, lanzando un muñeco del gato Felix a la carretera hasta que llega a un pueblo, da media vuelta y vuelve con la misma actitud por la misma carretera, hasta que llega un punto en el que se encuentra frente a frente con una furgoneta en la que van el resto de los componentes de la banda, hace la cruz encima del asiento y choca contra ellos.

En este punto empieza la locura porque se grabaron hasta 5 finales distintos:

1. "Dead": Nina sale volando por encima de la furgoneta, cae y muere.
2. "Head": Al salir volando, Nina queda decapitada con el cristal del parabrisas y la cabeza sale rodando por la carretera.
3. "Stone": Nina sale volando por encima de la furgoneta, cae, se limpia la sangre que le sale por la nariz y cuando va a levantarse le cae la piedra que tenía en el acelerador y la mata.
4. "Walkaway": Nina sale volando por encima de la furgoneta, cae en la carretera, se levanta como si nada, se sacude la ropa y se va andando.
5. "Nothing": En Reino Unido lo consideraron tan violento que el videoclip fue censurado y solo se ve a Nina conduciendo y cantando la canción por lo que al final no hay ningún choque.

VALORACIÓN

El videoclip está considerado como uno de los mejores para muchos rankings especializados, incluyéndolo siempre al menos en los Top 100 pero a mi me parece muy tonto. Y no por la temática en sí, ni por lo bien o mal que esté hecho, sino por los detalles. 

Primero. ¿Desde cuándo hay tantos coches en las carreteras americanas que atraviesan el desierto? Toda la vida de Dios nos han vendido esas carreteras como solitarias y semi abandonadas y en este videoclip parece Gran Vía en Navidades. No hay más coches porque no hay más carriles.

Segundo. Llega al pueblo, atropella a unos cuántos y ¡¡¡da media vuelta!!! ¿por qué? ¿por qué no termina de atravesar el pueblo y sigue por la misma ruta haciendo lo mismo? ¿se le ha olvidado chocar con algo?

Tercero. El tatuaje es falso, vale, no pasa nada pero está manchando de tinta el asiento del coche. No voy a entrar en si era o no necesario el tatuaje pero, ¡¿se puede ser más cutre?! ¡¡Limpia la mancha para las tomas, joder!! O por lo menos repasa el tatuaje, ¡no dejes el borrón negro en el brazo!

Cuarto. Si la perspectiva de la cámara está dentro del coche, algunos choques no tienen nada que ver con la conducción de Nina porque pasan lejos de ella o incluso en la propia dirección del coche, lo que no tiene ningún sentido. Parece un capítulo de El Equipo A por la cantidad de vuelos innecesarios de coches que hay.

Quinto. El final de la piedra, que es el de este análisis. Es-muy-tonto.

Padre de Familia – Everything I do (I do it for you) (Seth MacFarlane – 2009)

A estas alturas no creo que sea necesario decir nada acerca de Padre de Familia. Quién más o quién menos habrá visto algún capítulo, alguna referencia, algún meme... sobre Peter Griffin, su familia y sus constantes evocaciones y referencias a todo tipo de iconos de la cultura popular americana.

En 2009, en el capítulo "Oceans Tres hombres y medio" aparte de pintarle la cara a Christian Bale en el set de la mediocre "Terminator Salvation", estrenada aquel mismo año, y referenciar a la saga Ocean's en el título, Stewie se enamora y realiza un videoclip interpretando el tema de Bryan Adams "Everything I do (I do it for you)", que ya analizamos en su día aquí, para impresionar a la chica y que decide enseñárselo a Brian para conocer su opinión.

Como no podía ser de otra manera, sin un hilo conductor como le reprocha el propio Brian en el minuto 1:45, el videoclip contiene mil y una referencias a películas y otros videoclips que otros menos vagos y con más conocimientos que yo, se encargaron de identificar:

• La parte en la que Stewie está en la habitación de un hotel y lanza el teléfono, se carga la televisión con una lámpara, vuelca una mesa... es una referencia al videoclip "Hysteria" de Muse... o quizás a la película "The Wall" de Pink Floyd.
• La escena de Stewie hecho con bloques de LEGO es una referencia al videoclip "Fell in Love with a Girl" de los The White Stripes, que ya fue analizado aquí.
• Stewie bailando a cámara lenta en una habitación llena de velas es una referencia al videoclip de The Police "Wrapped Around Your Finger".
• Cambiando la mermelada de fresa por pintura, la escena del corazón roto pintado a salpicones es parte de la película de 2007 Across The Universe.
• Stewie se convierte en "la protagonista" del cuadro de Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus".
• El videoclip "Take on me" de los A-Ha, aparece referenciado en el lápiz dibujando en carboncillo a Stewie.
• Stewie avanzando en el granero es del videoclip de los Fleetwood Mac "Little Lies" aunque su lápida del final de esa escena podría ser como la del "Don't cry" de los Guns n' Roses.
• Habría una segunda referencia a este grupo, en este caso al videoclip de "Estranged" cuando los niños desaparecen de los columpios.
• Los Eurythmics tienen su referencia en la chelista tocando en medio del bosque, del videoclip de su exitoso "Sweet Dreams (Are made of this)".
• El videoclip de Eliott Smith "Son of Sam" tiene su referencia en la escena en blanco y negro en el metro con el globo rojo.
• Podría ser que la escena de Stewie caminando en dirección contraria a todo el mundo fuese una referencia al videoclip de The Verve, "Bitter Sweet Symphony".
• La escena en la que Stewie le lanza una rosa a un vagabundo es una referencia a la canción de Usher "Will work for Love".
• La escena final de Stewie lanzándose de espaldas desde el puente es del videoclip de Marillion "The great escape".

VALORACIÓN

Solo con identificar alguna de todas las referencias que hay dentro del videoclip ya merece la pena verlo y seguro que alguien encuentra alguna más de las que he listado, haciéndolo todavía mucho más interesante. Pero lo bueno es que incluso sin coger ninguna de todas esas referencias el videoclip es disfrutable, loco y sin hilo conductor como le reprocha Brian, pero disfrutable. Además, la canción es un temazo y este "homenaje" supera con creces el videoclip oficial de la canción. 

CADENA

Este videoclip es el quinto eslabón de "La Cadena de Lego".

Eres para mí (2006) – Julieta Venegas ft. Anita Tijoux

La mejicana, aunque nacida en los Estados Unidos, Julieta Venegas dio el gran salto a nivel internacional gracias a su colaboración, junto con la de su compatriota Paulina Rubio en el tema "Nada fue un error" (2015) del argentino Coti. Y sirviéndose de ese tirón, en 2006, lanzó su álbum Limón y Sal con el que se consagró en las listas de éxitos de medio mundo con más de 6.000.000 de copias vendidas. Disco de platino en España, en los EE.UU., en México, en Argentina... y de oro en otros varios como Italia o Colombia.

Pero el reconocimiento no fue solo del público sino también de la crítica. Tanto es así que el álbum se llevó un Grammy Latino en 2006 como "Mejor álbum de Música Alternativa" y un Grammy 2007 como "Mejor álbum Pop Latino", aunque éste último "a pachas" con el ecuatoriano Ricardo Arjona y su álbum Adentro.

"Eres para mi" es el tercer sencillo del álbum y colabora en la canción la rapera chilena Anita Tijoux, aunque desde su estreno en 2006 ha cantado múltiples versiones de la canción con distintos ritmos y distintas colaboraciones como las de Daddy Yankee o la Mala Rodríguez.

El videoclip empieza con Julieta aparcando el coche mientras escucha el tema "Limón y sal", el anterior sencillo del disco, recurso que utilizó años más tarde Enrique Iglesias con Romeo Santos en el videoclip de su tema "Loco" (ya analizado aquí). A partir de ahí, llega a una calle en la que encadena varios planos secuencia, andando para adelante y para atrás, mientras se cruza e interactúa con todo tipo de viandantes: policías, ladrones, panaderos, obreros, mojas... y ¡¡hasta un pulpo!! Se corta la secuencia abruptamente pasando a otro lado de la calle donde aparece Anita con su rapeo y cuando se encuentra con Julieta, se forma detrás de ellas un flashmob con los viandantes que habían aparecido antes.

VALORACIÓN

El videoclip me gusta. El escenario es cursi, parecen calles de un parque de atracciones tipo Disneylandia y es todo muy happy flower, pero me parece entretenido y que tiene mucho mérito, porque a pesar de que no es un único plano secuencia, varios de los que tiene sí que están bastante bien coreografiados, además con Julieta yendo incluso de espaldas. Además, el detallito final doblando la imagen con forma de espejo y teniendo a dos Julietas en pantalla, también está divertido.

CADENA

Este videoclip es el primer eslabón de "La Cadena del Plano Secuencia (I)".

Dentro del laberinto – As the world falls down (David Bowie – 1986)

Hubo un tiempo en que... Me doy cuenta de que ya he empezado varias veces con esta misma entradilla pero es cierto que los tiempos han cambiado bastante en las últimas décadas. Prosigo. Hubo un tiempo en que a los niños no se les trataba como a tontos y que se les planteaban películas, series, libros... con cierta complejidad e incluso con cierta, vamos a llamarlo, oscuridad. Si nos vamos a los '80, la cantidad de ejemplos de películas, series y programas "infantiles" que hoy en día algunos tendrían miedo de poner a sus hijos es casi interminable, y no solo en los EE.UU. Detallarlas todas no es el propósito de este blog por lo que me voy a centrar en la mítica película "Dentro del laberinto" de 1986.

Para los que no la hayan visto, atención al argumento (y recordad que es una película musical dirigida a un público infantil/juvenil). Una niña de 15 años (Jennifer Connelly) sueña con un extraño hombre (David Bowie) en un baile de máscaras por el que siente una aparente atracción. Ese hombre, que se revela como el Rey de los Goblins, rapta a su hermano pequeño de 8 meses y la obliga a ella a recorrer un laberinto a contrarreloj para llegar hasta él si no quiere que su hermano quede prisionero del los goblins para siempre. Ríete tú de los "problemas" de los protagonistas de las sagas Disney de "Los Descendientes" o "High School Musical".

De hecho, para los que aprecien las teorías conspiranoicas, rascando por Internet es fácil encontrar interpretaciones y contextos escabrosos de la película, que van desde tamaños deliberadamente desproporcionados hasta que todo podría ser una manera fantasiosa de la niña de lidiar con los abusos sexuales realizados por su padrastro cuando era más pequeña. Ahí queda eso.

Y por si fuera poco, y ya metiéndonos en materia, el tema que nos ocupa, compuesto específicamente para la BSO que nos ocupa, no tiene un videoclip sino dos. El primero de ellos, es una escena directamente sacada del principio de la película, cuando la niña Connelly, en sueños aparece vestida de princesa en un extraño baile de máscaras y descubre a Bowie, del que queda fascinada y al que persigue para poder "bailar" con él hasta que ve que está perdiendo el control (representado por el reloj) y que necesita salir de ahí, para lo que se hace con una silla y se carga el espejo que le permite salir del sueño (aunque este "despertar" no se muestra en el videoclip).

El segundo fue el sencillo promocional de la BSO de la película en la que un Bowie más terrenal en apariencia porque al estar estar acompañado de Hoggle, uno de los personajes de la película, parece indicar que sigue siendo el Rey de los Goblins, intenta seducir a golpe de fotocopias de su cara a  la preciosa, y rápidamente relegada a producciones de televisión, actriz francesa Charlotte Valandrey. Todo ello en un elegante blanco y negro, salpicado de puntuales toques de color, en una más elegante ¿oficina? ¿casa con fotocopiadora? industrial? mientras él actúa desde su casa frente a un cuadro de ella. Y entre medias, y a color, alguna escena de la película.

VALORACIÓN

Habrá quién diga que si la película fue un fracaso en taquilla, por algo sería, quizás demasiado compleja y oscura para los críos pero entre el mundo happy que nos muestra Disney y la fantasía oscura de esta película (y de los videoclips) yo me quedo con lo segundo. Y podemos dar gracias que al final fue Bowie quién interpretó al Rey de los Goblins y no Michael Jackson que era la idea inicial. Las conexiones de secuestro de bebé, seducción de una niña en la película con las acusaciones a las que se tuvo que enfrentar en vida habrían sido demasiado evidentes.

La escena de la película me parece muy buena, joven prendada de hombre misterioso capaz de adentrarse en un inquietante baile de máscaras por seguir su... "curiosidad". La presencia de Bowie lo hace todo y ver cómo juega con ella al gato y al ratón es una delicia.

En cuanto al videoclip promocional, es aún mejor. Irradia poesía y belleza y mezcla a la perfección lo natural con lo sobrenatural, la realidad con la fantasía, el blanco y negro con el color, con un final abierto a interpretaciones y con un zapato que cae, que al principio del videoclip parece significar una cosa y al final otra bien distinta.

Yo ya no quiero ná (2018) – Lola Índigo

Los Estados Unidos tienen su cultura ultracapitalista donde la economía, la sociedad, la cultura te exige ser siempre el mejor, destacar, reinventarse, triunfar... En España tenemos interiorizado el mantra de "lo importante es participar" y en el mundo de la música, que es el que nos ocupa en este blog, ese mantra se ha cumplido infinitas veces. Cantantes y grupos que lo han reventado después de discretas clasificaciones en festivales y programas de la canción, que no necesitaron ganar para destacar por encima de todos con luz propia.

Julio Iglesias u Olivia Newton-John fueron 4º en sus respectivas participaciones en Eurovisión, mucho mejor que Bonny Tyler que quedó 16ª en la suya y David Bisbal o Edurne quedaron 2º en sus respectivas ediciones de de Operación Triunfo, por citar algunos. Pero de todos los que podríamos enumerar nos vamos a quedar con Mimi Doblas, que fue ¡¡última!! en Operación Triunfo 2017 y quién, lejos de abandonar la música, creó el grupo Lola Índigo y arrasó en 2018 con su sencillo debut "Ya no quiero ná" que fue doble disco de platino y que ayudó a que el grupo ganase el "MTV Award Europa" al Artista del Año en España y el "Los40 Music Award" (¿por qué en inglés, tanto complejo tenemos?) al grupo revelación.

Su carrera musical continúa en auge y le da sopas con honda a la mayoría de sus compañeros de "academia" que terminaron en puestos mejores que ella.

¿Y el videoclip de aquella canción? Pueeeesssss... Mimi y las bailarinas bailando delante de una pared, en unas escaleras, en un descansillo de otras escaleras, ella sola entre plantas, en lo alto de una estructura de hormigón... todo muy urbano.

VALORACIÓN

Si se me permite la adaptación de la expresión, la chica era "bailarina" antes que fraile (cantante en este caso) y en su videoclip debut hace lo que mejor sabe hacer, bailar coreografiada. Ropas urbanas anchas de cintura para abajo y escasas de cintura para arriba y movimientos sensuales y sexuales durante todo el videoclip.

¿Hay trama? No ¿Describe algo de la canción? No ¿Tiene algo que merezca la pena, más allá de ver a la artista y sus bailarinas y sus bailes y movimientos? No ¿Podemos, entonces, decir algo bueno del videoclip? Aparte de que seguramente no costase mucho dinero, NO.

Guardianes de la Galaxia Vol. 2 – Guardians Inferno (The Sneepers ft. David Hasselhoff – 2017)

Chris Pratt interpreta a Peter Quill, alias "Star-Lord", en el MCU, el Universo Cinematográfico de Marvel, siendo el protagonista, al menos de las tres primeras películas, de la saga Guardianes de la Galaxia. El personaje de Quill, sin hacer demasiados spoilers, es un niño nacido en 1980 que por razones que no voy a detallar, termina en el espacio. Ese hecho, el ser un niño de los '80, permitió hacer todo tipo de chanzas, guiños y chascarrillos de la cultura popular de aquella época con el personaje en las películas de Guardianes.

Sin ir más lejos, en la primera peli de la Saga, walkman en ristre, ya vimos (y analizamos aquí) al personaje bailando a ritmo de los Redbone. Y para no ser menos, la tónica continuó en Guardianes de la Galaxia vol. 2. De entre todas las referencias es de destacar el doble cameo de David Hasselhoff, el mítico Michael Knight de "El coche fantástico", una serie que marcó a toda una generación. Y es un cameo doble porque además de su aparición durante la película, en los títulos de crédito aparece también cantando el tema "Guardians Inferno", entre escenas post-créditos.

Pero no contentos con eso, una vez estrenada la película y "desvelado" el cameo, sacaron el videoclip del tema con fines promocionales tanto de la peli como de la BSO. Tema compuesto por el propio directo James Gunn e interpretado por David Hasselhoff con The Sneepers, que son, ni más ni menos, que todos los protagonistas de la película. ¿Todos? Dave Bautista, Sean Gunn, Zoe Saldaña, Pom Klementieff, Michael Rooker, Karen Gillan, el propio James Gunn y ¡¡hasta hay un cameo de Stan Lee!!

Disfrazados de personajes de película del espacio de serie B de los '70, todos los personajes de la película aparecen bailando, cantando y tocando instrumentos al son que les marca David con la sonada ausencia del protagonista Chris Pratt, que al final del videoclip, se descubre era el robot que pululaba entre el resto de "artistas" durante la actuación.

El videoclip se incluyó como parte de los extras de la película en su lanzamiento para el mercado doméstico.

VALORACIÓN

Divertidísimo. El aire retro, la seirie B, el puto David Hasselhoff, Stan Lee, bailes de vergüenza ajena, musiquilla discotequera, rótulos sobreimpresos, cameos imposibles como el de Guillermo Rodríguez, el colaborador de Jimmy Kimmel en uno de los late-nights más importantes de la televisión americana, y la oportunidad de verles la cara (aunque con bigotes postizos, pelucas y demás parafernalia cutre) a la mayoría del reparto habitualmente escondidos bajo toneladas de maquillaje y látex.

De hecho, me atrevo a decir que los tres minutos y medio del videoclip son casi mejores que las dos horas de película ¡y eso que no era ni tan mala!

CADENA

Este videoclip es el primer eslabón de "La Cadena de Lego".

Into the Great Wide Open (1991) – Tom Petty and the Heartbreakers

Casi siete minutos de canción. Está claro que hoy en día ya no se hacen canciones así. Son todas de consumo rápido y directo. Pero hubo una época en la que los músicos cuando te querían contar algo con su canción se tomaban su tiempo para asegurarse de que lo hacían bien y este es el caso de "Into the Great Wide Open", segundo sencillo del álbum homónimo de 1991 de Tom Petty and the Heartbreakers. Curiosamente este sencillo, a diferencia del primero y del tercero, no llegó a ser número uno en las listas americanas, alcanzando "solo" el cuarto puesto. De hecho, el álbum en sí no llegó a tener la repercusión de otros anteriores y de alguno posterior a pesar de su gran valor artístico, aunque desde luego, tampoco es que llegara a pasar desapercibido.

Pero yendo al videoclip, Julien Temple, el director, aprovechó que el Pisuerga pasa por Valladolid para contar con varios actores de Hollywood para su propuesta. Y es que Johnny Deep (protagonista del video) estaba rodando la película Arizona Dream (1993) con, entre otros, la ganadora de un Oscar Faye Dunaway dirigida por Emir Kusturica, cuando a éste le dio un chungo por estrés y tuvieron que paralizar el rodaje, momento que aprovechó Temple para reclutarles y juntarles con la entonces incipiente y pronto relegada a la pequeña pantalla Gabrielle Anwar y tirar de cameos como los cantantes Chynna Phillips y Terrence Trent D'Arby o el no todavía "amigo" Matt LeBlanc.

El videoclip, que sigue a la letra de la canción, cuenta la historia de Eddie Rebel (Johnny Deep) que llega a Hollywood, conoce a su novia (Gabrielle Anwar) haciéndose un tatuaje, empieza desde lo más bajo (portero de discoteca) hasta que empieza a tocar y le descubre un agente (Faye Dunaway) que le lleva a lo más alto y que estando en la cima, la fama le corrompe, se vuelve gilipollas, cambia de agente, lleva a su novia a que lo deje, su carrera cae en picado y cuando intenta volver a sus orígenes, en el sitio donde todo empezó, en la tienda de tatuajes, ve como ya no es posible porque ya hay otra persona (Matt LeBlanc) recorriendo el mismo camino que hizo él en su momento.

De narrador de toda esta historia, porque el videoclip empieza como páginas de un libro, está Tom Petty con un traje rojo a lo Willy Wonka y su figura se intercala a lo largo del videoclip con las secuencias de la vida de Eddie. Lo interesante es que en muchas de las escenas de Tom, en las que se le ve con el libro abierto que está "narrando" se ve también a los Heartbreakers, en plan diminuto, tocando sobre la misma mesa con objetos cotidianos (la batería son unos vasos de cartón tocada con cerillas, el guitarra toca sentado en un cenicero, el bajista dentro de una taza y el teclista sobre "algo" que no logro identificar). Además, tanto Tom como el resto de la banda, interpretan uno o varios papeles dentro de la historia de Eddie.

VALORACIÓN

Dijo Tom Petty en una entrevista que es una de las pocas veces que se ha sentido satisfecho con un vídeo y que incluso le sugirieron que lo convirtiese en una película y, en cierto modo, tenían razón porque es una película en sí misma, o un corto, si lo queremos interpretar de esa manera. Tiene la historia, los actores, la duración, la producción... con un buen guionista que alargase ciertas partes, habría tenido el éxito comercial asegurado.

Vale que es una historia mil veces vista, "alcanzar el sueño americano", verte sobrepasado por la gloria y caer desde lo más alto con un, en este caso "intento" de redención final. Y digo "intento" porque yo interpreto el final del videoclip como la constatación de que ya no va a poder volver a recuperar lo perdido (de ahí que aparezca el personaje de Matt LeBlanc -que, por cierto, no es el único videoclip en el que ha intervenido, recordemos el ya analizado "Say it isn't so" de Bon Jovi) pero puede estar abierto a interpretaciones ante la sonrisilla final del tatuador y el "vivieron felices para siempre" que puede (o no) ser irónico.

Pero se interprete el final como se interprete, el videoclip es excelente de principio a fin.

¿Dónde estás? (2003) – Jaime Urrutia ft. Loquillo ft. Andrés Calamaro ft. Enrique Bunbury

No es la primera vez que hablamos en este blog sobre Patente de Corso (2002) el álbum con el que Jaime Urrutia debutó en solitario tras dar carpetazo a su etapa con Gabinete Caligari. En aquella ocasión el análisis fue sobre el videoclip "¡Qué barbaridad!" primer sencillo de aquel álbum y que fue de lo más destacado del disco. "Castillos en el aire" y "¿Dónde estás?" fueron los otros temas que más repercusión tuvieron pero sin llegar al sencillo inicial.

Quizás por ello, y viendo el potencial de la canción, Urrutia decidió reeditar el álbum en 2003 incluyendo un tema adicional, una nueva versión del "¿Dónde estás?" pero ésta vez con la coletilla "con Amigos". Y es que a Jaime Urrutia le acompañaron en aquella ocasión nada más y nada menos que tres de los rockeros más importantes de aquellos años, y en algunos casos, de las décadas anteriores. Nada más y nada menos que Loquillo (de Los Trogloditas), Enrique Bunbury (de Héroes del Silencio) y Andrés Calamaro (de Los Rodríguez), ¡¡ahí es nada!!

El videoclip, en un blanco y negro solo roto por el color de la piel y el de algunos instrumentos, muestra a la izquierda de la imagen a la banda de entonces de Jaime Urrutia, también llena de rostros conocidos  y "ex" o "futuros" de los cuatro cantantes (Esteban Hirschfeld -teclista de Gabinete Caligari-, Guille Martín -guitarra de Desperados y Andrés Calamaro-, Ambite -bajista de Los Pistones- y Germán Vilella -batería de Los Rodríguez) y a la derecha, de fondo, un cuarteto femenino de cuerda, y delante los tres artistas invitados que primero se turnan para cantar y luego se marcan un "all together" con Urrutia que "es lo que le da la calidad al videoclip" y a la canción.

VALORACIÓN

No nos llevemos a engaños, el videoclip es una puta mierda, pero cuando hay tanta calidad en el escenario, poco importa el videoclip y hasta llegas a disfrutar con la chulería de serie de Loquillo, el mal playback de Bunbury, y las sobreactuaciones de Calamaro que a saber qué había "comido" aquel día.

Merece la pena verlo, a pesar de lo malo que es.

Murder on the Dancefloor (2001) – Sophie Ellis-Bextor

Cuando Theaudience, el grupo del que era vocalista se separó, la británica Sophie Ellis-Bextor se dedicó al mundo de la moda ejerciendo de modelo en Londres pero como no le terminó de convencer, apenas un año después decidió regresar a la música. Colaboró en el 2000 con el DJ italiano Spiller en el sencillo "Groovejet (If This Ain't Love)" que lo petó a nivel internacional y, animada por el éxito, ya en 2001, lanzó su primer álbum en solitario Read My Lips (2001) que vendió más de dos millones de discos, en gran parte, a su segundo sencillo "Murder on the Dancefloor" que llegó a convertirse en la canción más escuchada en Europa en 2002.

En el videoclip, sigue la línea iniciada en 1969, pero ambientada en el crack del 29, por la película "Danzad, danzad, malditos" de Sydney Pollack, popularizando (no por lo que pasa en la película, desde luego) los maratones y concursos de baile. En el que nos ocupa, vemos a Sophie dispuesta a todo para ganar el premio de unos zapatos de tacón dorados, una bonita diadema/corona y un buen fajo de billetes. Cuando decimos "dispuesta a todo" queremos decir literalmente "dispuesta a todo" y, con esa disposición, naturalmente, lo consigue.

VALORACIÓN

Hace zancadillas a una rival, despelota a otra, envenena a otros tres, narcotiza a una jueza, se carga una pareja por celos con un montaje involucrando ropa interior femenina, se sirve de mantequilla para que resbale y se lesione otra pareja y termina comprando al juez salidorro a cambio de favores sexuales si gana. ¡¡¡Pero cómo no va a gustar este videoclip!!!

Es divertido, original, con un cierto aire naif al ver la cara de ilusión de ella cuando gana dándole igual el haber hecho trampas, y con su lado seductor cuando se insinúa al juez, al más puro estilo Dr. Jekyll y Mr. Hayd. La pareja de baile no importa, es un mero complemento de la protagonista absoluta que no es otra que ella. De hecho, cuando a ella le dan los zapatos, la diadema y el ramo de flores y le van a dar el dinero a él, lo impide quitándoselo literalmente de las manos sin que él rechiste lo más mínimo. El puro arte de la manipulación. Y el remate final de ella superorgullosa de sí misma escuchando unos aplausos que se van reduciendo y espaciando diciendo muuuuuuchaaaaasssss cosas con ello. Que cada uno saque sus propias conclusiones.

Por ponerle un "pero", que algunos de los chicos eliminados, luego aparecen bailando a trío. Aunque Sophie se "encarga" de ellos, ¿qué hacen bailando si ya los habían eliminado? Pero el videoclip es tan bueno que se perdona el "detallito".

Tu es foutu (2002) – In-Grid

In-Grid, una italiana, doctorada en filosofía, cuya pasión era la música porque de pequeña le encantaban las películas y sus bandas sonoras, se puso a componer en francés y mezclando dance con pop, algo de house y toques de tango, sacó el sencillo "Tu es foutu" en 2002 que sonó fuerte en Italia, fue cuasi ignorado en los países francófonos europeos pero que lo petó bastante a nivel internacional con discos de oro y platino en México, Polonia, Grecia, Rusia o los países escandinavos. Tuvo, claro, una versión en inglés ("You promised me") para que impulsase la difusión internacional aunque la calidad de las rimas y las letras, se quedaron en la versión en francés.

Tras él, un segundo sencillo "In-Tango" (2003) como preludio de su primer álbum Rendez-vous (2003), que no consiguió canalizar en las listas de ventas todo el éxito de su primer sencillo e incluso del segundo.

¿One-hit wonder? Desde luego, nunca volvió a repetir el éxito de aquella primera canción, pero llegó a sacar hasta cinco álbumes de estudio y no ha dejado de sacar sencillos hasta hoy, con cierto éxito en Italia, aunque en estilos más loungue/chill-out.

La temática del videoclip es sencilla, un hombre conduce un coche clásico por una carretera costera del Mar de Liguria con su pareja al lado, todo muy cinematográfico y con aire retro, evocando los años 60 de la dolce vita italiana. Desde el principio vemos que, a pesar de el aire despreocupado de él, la mujer muy contenta no parece y aunque el hombre se da cuenta, no termina de perder la confianza en sí mismo. A mitad de la canción, cambian el coche por una lancha motora que al principio conduce el hombre y que después aparece conduciendo la mujer, con el hombre atado de pies y manos y un muñeco bailarín justo delante de su cara claramente burlándose de él.

VALORACIÓN

El videoclip me parece muy bueno y gana muchos enteros cuando entiendes la letra. La canción se pasa los dos primeros minutos con reproches de promesas incumplidas de él hacia ella. Ese es el tiempo en el que se les ve en el coche, y a pie en algunos tramos, y en los que ya vas viendo que hay algo que no cuadra, que va a pasar algo... y que no pasa. Se crea bastante tensión y te hace estar pendiente de lo que sabes que va a pasar pero que no termina de hacerlo. Y no lo hace porque el estribillo ha ido quedando incompleto hasta justo ese momento.

Hasta entonces sólo habíamos escuchado (traducido) "Me prometiste" y "Te creí" y exactamente cuando se cumple el segundo minuto termina el estribillo con la sentencia "Estás jodido". Ahí empieza la venganza de ella y empiezan a tener sentido algunos de los elementos que habíamos visto hasta entonces. El nombre de la lancha "Pussy-Cat" es una clara muestra de la consideración de él hacia las mujeres, como meros objetos decorativos. La bola de discoteca que sostenía ella en el coche es una referencia al tipo de vida que estaba teniendo con él, diversión, pero sin nada más. Y el muñeco bailarín del bolso, indica que la venganza no es fruto de un impulso sino algo que ella tenía pensado y bien planificado desde hacía tiempo.

Me parece muy graciosa la mofa del muñeco en la cara de él y también me resulta sorprendente para bien el hecho de que no sepamos cuál va a ser el destino final del hombre, si se va a quedar en un susto o, si por el contrario, y mar adentro, puede pasar cualquier otra cosa.

Videoclip sencillo que con poco, hace mucho.

La boda de mi mejor amigo – I say a Little Prayer (for you) (Rupert Everett – 1997)

Contrariamente a lo que mucha gente piensa no fue Aretha Franklin quien compuso este tema sino que la primera en cantarlo fue Dionne Warwick en 1967 pero fue Aretha quién un año después, le dio un toque de R&B y convirtió la canción en un éxito universal.

De este tema se han hecho innumerables versiones, destacando la de Diana King, de 1997, con un estilo reggae-pop que fue del que se sirvieron en la película "La boda de mi mejor amigo" de ese mismo año para una de sus escenas.

Resumiendo la película para dar contexto, Julia Roberts es una periodista deportiva (subrayándose en la película su rol "masculinizado") que está enamorada de su mejor amigo sin decírselo y cuando éste le dice que se va a casar con otra (Cameron Diaz), ella decide reventarle la boda intentando conquistarle a contrarreloj, ¿con ayuda de quién? de Rupert Everett su otro mejor amigo gay (subrayándose en la película su rol de "gay") haciéndole pasar por su novio.

En una comida con los novios y la familia de ella en un restaurante de marisco, les preguntan a Julia y a su "novio" Rupert Everett que cómo se conocieron. Empieza Rupert contando una inventada historia en la que hace referencia a Dionne Warwick y cantando un poco de una de sus canciones (anticipando lo que se viene encima). Según la "historia" cuando Rupert se enamora a primera vista de Julia en un psiquiátrico y le pregunta a un enfermo que se creía Dionne Warwick si alguna vez ella le amará, el loco le responde cantando la canción.

Rupert, claro, canta la canción y pronto se unen no ya el resto de los presentes en la mesa sino todo el restaurante, con excepción de Julia y Dermot Mulroney, incómoda la una e incrédulo el otro.

VALORACIÓN

Han pasado muchos años y los clichés que funcionaban entonces hoy están demasiado desfasados. Vender a Julia Roberts como rol masculino, solo porque trabaja como periodista deportiva, hoy en día queda mal, y dotar a Rupert Everett de todos los clichés gays (amigo comprensivo, le gusta cantar, le gusta "mariposear" y tiene gestos amanerados, sabe vestir...) es casi peor todavía.

No es que la escena produzca vergüenza ajena, aunque un poco sí, la verdad. En este tipo de películas siempre hay una persona que empieza no cantando y que luego se destapa con un vozarrón sin venir a cuento. Ahora mismo me viene a la memoria Love Actually cuando Hugh Grant va puerta por puerta con su guardaespaldas buscando a su ex-secretaria y en un momento tiene que cantar villancicos y el guardaespaldas sorprende con vozarrón operístico (para quién no se acuerde). Pues en este caso es el abuelo, el que se desmarca. Luego están las típicas damas de honor, solteras claro, que son las primeras en animarse a cantar. Me viene a la cabeza Mamma Mia! La película en la que las damas de honor son siempre las primeras en acompañar a (en este caso) la cantante principal Amanda Seyfried. Luego sale de la nada un camarero y se pone a tocar el piano y a partir de ahí ya es todo el restaurante a coro, con los camareros al fondo haciendo hasta coreografía con los brazos que en realidad son pinzas de gomaespuma.

Vale, esto es lo que se espera de una película romántica americana pero, por el amor de dios, están en una marisquería, ¿por qué nadie lleva servilleta cubriéndose las posibles salpicaduras?, ¿¡es que nadie ha comido nunca antes marisco!? Lo siento pero no me convence.