Voyage, voyage (1986) – Desireless

A las puertas de la Semana Santa y sabiendo que muchos y muchas se van a pasar las restricciones de movilidad por el COVID-19 por el Arco del Triunfo, qué mejor tema para estas fechas que "Voyage, voyage", el himno de finales de los 80 del que en Francia aún hay quién reniega, pero que fue número 1 en prácticamente toda Europa menos, curiosamente, en su país de origen, donde solo consiguió alcanzar el puesto número 2. Ya sabéis, "nadie es profeta en su tierra" y todo eso.

Desireless publicó su primer álbum François en 1989 aunque este "Voyage, voyage" fue su carta de presentación en 1986 pero después de petarlo a finales de los 80 su carrera musical pasó más bien desapercibida. Sin embargo el éxito de este tema se quedó grabado en el panorama musical de muchos países. Tanto es así que han surgido numerosas versiones en distintos idiomas desde el momento de su lanzamiento. Por destacar alguna, la más reciente y más reconocida fue la versión de la belga Kate Ryan en 2008, más dance que la original.

La cantante, que había estudiado estilismo e intentó dedicarse a ello antes de pasarse a la música, destacaba entre otras cosas, por eso, por su estilismo, peinado medio punk, completamente de negro (que luego iría matizando) y vestuario masculinizado, muy a lo Annie Lennox de Eurythmix, muy de moda también por aquella época.

El videoclip de la canción es... perturbador. Tanto es así que la propia cantante ha llegado a renegar de él, afirmando que a pesar de ser genial no la representa. Aparece ella como "cuidadora/animadora" de una serie de personas aparentemente de la alta sociedad que parecen estar algo... desequilibrados. Para entretenerles les pone una sucesión de diapositivas, aparentemente de distintos paisajes, países, culturas, a las que en un principio nadie hace caso hasta que finalmente consigue atraer la atención de todos que se quedan medio embobados viendo la presentación.

VALORACIÓN

Efectivamente, el videoclip es algo perturbador aunque en el buen sentido. No desde el primer minuto, pero poco a poco te vas dando cuenta de que hay algo muy raro con toda esa gente y aunque hay algunos que parecen estar bien, si hay algunos que no lo están es porque no lo está ninguno. Esas mujeres jugadoras de cartas compulsivas, esa joven que se deja "engatusar" por ¿su pareja? que no es otro que el actor americano David Caruso de la archiconocida CSI: Miami, ese hombre en traje jugando con una bola del mundo hinchable... todos ellos envueltos en la oscuridad, necesaria para la presentación de diapositivas, claro, pero ¿solo por eso?

No son muy originales pero sí visualmente muy potentes las imágenes de ella delante del proyector iluminando su imagen con las diapositivas pero no es todo eso lo que más me ha gustado del videoclip sino los momentos en que está cantando y de repente se calla y mira intensa y fijamente a la cámara en un primer plano corto mientras sigue la canción.

Por esto y por todo lo demás, creo que es un muy buen videoclip.

Por la boca vive el pez (2006) – Fito & Fitipaldis

Grandísimo éxito de Fito & Fitipaldis éste, el primer sencillo de su álbum homónimo Por la boca vive el pez, y que fue cuádruple platino en las listas españolas.

El exvocalista de Platero y tú tenía que consolidar el éxito de su anterior álbum con su nueva banda y lo logró llegando a convertirse en uno de los artistas más importantes del panorama nacional de la segunda mitad de aquella época con giras con Andrés Calamaro o colaboraciones con Los Secretos.

Una de las ideas que le caracterizaban era la sencillez, no de sus letras, sino de su imagen y probablemente eso fue lo que quiso reflejar en el videoclip de esta canción. En él, son Fito & los Fitipaldis, en el estudio de grabación tocando el tema. Poca iluminación, algún que otro juego de luces, que si el cigarrillo en la guitarra, que si no se quita la boina ni para ir a bucear, que si algunas rayitas haciendo figuritas (creo que sin doble sentido), el humo que no falte aunque no sea el del "pito" de la guitarra y videoclip finiquitado.

VALORACIÓN

Vale que hay jueguecito con los colores, que si ahora negro, luego blanco, luego rojo, luego blanco y negro, que si me muevo entre medias... pero me parece un recurso muy insuficiente para hacer algo entretenido este videoclip. Venían de un éxito grandísimo con su anterior disco, con este tema se quería (cosa que consiguió) consolidar en el panorama musical nacional y además era lo suficientemente bueno y lo suficientemente potente como para tener un videoclip mucho mejor. A veces hace falta poco para triunfar pero en otros casos con ese poco nos quedamos cortos y eso, a mi modo de ver, es lo que ha pasado aquí.

Videoclip del todo olvidable.

Goldeneye – Tina Turner (1995)

En 1989 la saga James Bond estaba prácticamente acabada. Las disputas entre productoras habían impedido completar el compromiso de rodaje de películas firmado por Timothy Dalton como el agente 007 abandonando el personaje en Licencia para matar ese mismo año. El productor Albert R. Broccoli estaba viejo y enfermo y algunos de los actores elegidos como de remplazo de los de la "vieja guardia" de la saga de las películas empezaban a presentar problemas, como la Moneypenny de Caroline Bliss que no terminó de funcionar, o el M de Robert Brown que volvía a ser demasiado mayor para seguir con el personaje. Y la taquilla de aquella película tampoco ayudó a continuar con la saga.

Por eso, el Goldeneye de 1995 supuso un lavado de cara de la saga como nunca antes se había visto, manteniendo apenas a Q (Desmond Llewelyn) como nexo con las películas anteriores y cambiando al resto del elenco, con Pierce Brosnan a la cabeza, e incluso el tono de la película. Y así pasó también con el tema principal, dejando atrás los arreglos electrónicos propios de los '80 para recordar más a las canciones de Shirley Bassey como el tema mítico de Goldfinger.

Los productores querían a los Rolling Stones pero éstos lo rechazaron así que se lo encargaron a U2, o más concretamente a Bono y The Edge, que en principio pensaron en el tema "Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me" que terminó finalmente en la película Batman Forever y que ya se ha analizado aquí. El caso es que después de pasar unas vacaciones en la finca Goldeneye de la familia de Ian Flemming (creador del personaje de 007), se pusieron a componer el tema "Goldeneye" pero con la intención de que fuera una mujer quién lo interpretase y se fueron otra vez de vacaciones, esta vez al sur de Francia, coincidiendo de vecinos con Tina Turner a quién le enseñaron la canción y ella la hizo suya.

En el videoclip, la suizoamericana Tina Turner, en medio de una pasarela con un ojo gigante al fondo interpreta el tema mientras se suceden escenas de la peli, de grandes felinos y de mujeres en situaciones variopintas, propias de los créditos iniciales de cualquier película de Bond, con la diferencia en que en esta ocasión están iluminadas y no son solo siluetas moviéndose.

VALORACIÓN

El videoclip es curioso precisamente por eso, por ponerle cara a las habituales siluetas de los títulos de crédito y además consigue que no parezcan (en casi ningún caso) ridículas. Además, prima la diversidad racial (con, por ejemplo, la modelo británico-sudanesa Alek Wek) lo que puede tener un puro interés comercial en la difusión del videoclip o una verdadera apuesta por la multiculturalidad tan reclamada en la industria cinematográfica americana hoy en día.

Tina Turner está soberbia y la canción está considerada como una de las mejores de la historia de la saga y el videoclip ayudó en buena parte a esto por lo que no se le pueden poner demasiados "peros" y sí muchos elogios.

Keep me up all night (2008) – The Glitterati

Podría ser un ejemplo más de banda que tira de famosos para elevar el caché de sus videoclips pero lo cierto es que en este caso, la apuesta es tan arriesgada que no sé hasta qué punto que fueran famosos ayudó o no al videoclip.

Corría el año 2008 cuando los ya más que olvidados británicos The Glitterati, sacaron un videoclip del tema "Keep me up all night" perteneciente a su primer álbum The Glitterati, publicado en 2005. Es lo que tienen los indies, que van exprimiendo y exprimiendo los álbumes hasta que ya no queda nada que sacar.

El caso es que eligieron a Ryan Donowho, uno de tantos actores guapetes habituales en las series de televisión americanas y como la banda necesitaba a otra actriz que le diera la réplica, él mismo propuso a su amiga, la también actriz y modelo Willa Holland con quién ya había trabajado en la serie The O.C. y con el reparto ya cerrado, grabaron el videoclip.

El resultado es... inquietante y algo perturbador. En un falso blanco y negro, cada actor está lo que podrían ser dos versiones de la misma habitación. La de él, oscura, polvorienta, llena de muebles y objetos decadentes, sin ropa de cama... y la de ella, justo lo opuesto, luminosa, acogedora, limpia, con peluches pero ambos con la misma sensación de tristeza, con nieve cayendo sobre los dos. Llegado un momento, él intenta verla a ella desgarrando el colchón, lo que provoca la caída en la habitación de ella de un tintero que derrama tinta (que parece sangre) que termina extendiéndose por las paredes. Luego llega el momento levitación y sobreposición de los cuerpos en la cama que les lleva a intentar tocarse, él a través de un retrato de ella, ella a través de un espejo y sus brazos consiguen atravesar el muro que les separa y acceder a la otra habitación, aunque convertidos en porcelana. Cuando él intenta tirar del brazo de ella, termina arrancándoselo y rompiéndolo en mil pedazos, dejándola a ella sin brazo.

VALORACIÓN

Ya lo he dicho antes, inquietante y perturbador. El que quisiera ver a los guapos Ryan y Willa contoneándose en un videoclip se va a llevar un buen chasco al ver el de esta canción, que rezuma lirismo y poesía, fantasía y romanticismo, pero el de Poe y Bécquer.

Evidentemente estamos ante la representación de una ruptura, de la consiguiente depresión y la manera de gestionarla de cada uno, siendo las dos las caras de una misma moneda, y cómo todo intento por volver a empezar lo que hace es causar más dolor (el tintero derramando sangre que empapa las paredes, muebles, libros, el brazo arrancado y roto, que ya no se va a poder devolver, etc.).

Para mí es un buen videoclip pero entiendo que quizás, no sea para todos los públicos.

Wind of change (1990) – Scorpions

Hoy en día habrá quién no sepa qué era el Muro de Berlín o, mejor dicho, lo que ese muro representaba y lo que dividía. Sin embargo, en 1990, año en el que la banda de la República Federal Alemana (que no de Alemania) Scorpions compuso este tema, que saldría como tercer sencillo del álbum Crazy World ya en 1991, la caída del muro estaba todavía muy reciente y muchas personas, de muchos países dentro del telón de acero, todavía no sabían si la Guerra Fría y los oligarcas comunistas que gobernaban sus países terminarían claudicando a ese viento de cambio que parecía haberse iniciado en 1989 con la caída de ese muro.

Esta canción, ambientada en Moscú, habla de gente, de soldados de la U.R.S.S. escuchando ese viento de cambio y soñando con la paz y la convivencia, haciendo borrón y cuenta nueva con el pasado. Un mensaje tan potente que en 2020, en plena pandemia, alguien quiso atribuir a la C.I.A. la creación de esta canción para los Scorpions para socavar los cimientos de la Unión Soviética. Las pruebas que aporta son tan peregrinas como a las que aducen los negacionistas del coronavirus pero, no seré yo el que le diga a nadie lo que tiene o no tiene que creer.

El caso es que se estiman las ventas de este tema en más de 14 millones de copias, fue número 1 en tropecientos países y se ha convertido en un himno imperecedero para los países que conformaban la Unión Soviética en particular, y para el mundo entero en general.

El videoclip muestra distintos momentos de "la vida" del "Muro de Berlín" entremezclados con imágenes del concierto de los Scorpions en Moscú en 1989 y entremezclados con los símbolos del progreso social y la lucha contra la represión de aquella época, Nelson Mandela, Juan Pablo II, el hombre del tanque de la Plaza de Tiananmen, etc.

VALORACIÓN

He sido bastante escueto en el análisis del videoclip pero estamos ante una canción tan relevante que poco importa si hago más hincapié en el uso del blanco y negro y el color, el significado del ojo de la cerradura del final del videoclip o si aparte del de Moscú aparecían imágenes de otros conciertos.

Si tienes edad o conciencia suficiente, la canción te emocionará y el videoclip también. Y si no, al menos habrás conocido uno de los silbidos más icónicos de la historia de la música. No os fieis jamás de una lista de silbidos que no contenga este "Wind of Change".

Moulin Rouge ! – Lady Marmalade (Christina Aguilera ft. Lil' Kim ft. Mýa ft. Pink ft. Missy Elliott – 2001)

El grupo LaBelle, con la cantante Patti LaBelle a la cabeza, publicó en 1974 "Lady Marmalade" una canción sobre una mujer llamada así que intentaba "seducir" a un hombre en Nueva Orleans. La canción fue un éxito y ha sido utilizada en películas y videojuegos y versionada en varias ocasiones pero no fue hasta 2001, con la versión que Christina Aguilera, Lil' Kim, Mýa, Pink y Missy Elliott hicieron para la BSO de la película de Moulin Rouge !, que el tema alcanzó una repercusión mundial. Tanto es así que el tema fue reconocido con un Grammy a la "mejor colaboración pop vocal".

En aquellos momentos Christina Aguilera estaba en su mejor momento musical, Missy Elliott, consolidada en el mundo musical como cantante y productora, Lil' Kim y Mýa con carreras musicales muy cortas pero ya reconocidas a nivel de público y crítica y Pink que estaba empezando a despuntar. Un elenco de lujo para la promoción de una película muy potente, como fue Moulin Rouge !, que pretendía revitalizar el género musical a base de temas pop y rock, un reparto muy potente en aquella época, un buen fajo de millones de presupuesto y pasarse por el forro cualquier fidelidad histórica, trufando la película de anacronismos.

Y funcionó. Funcionó la película que se llevó dos Oscars y tres Globos de Oro (en este caso incluido el de mejor comedia o musical) entre otros premios y funcionó el videoclip del tema "Lady Marmalade" que se llevó el MTV Award al mejor videoclip entre otros premios. De hecho, en Youtube, la última subida del video "oficial" que data de 2009, lleva casi 385 millones de reproducciones.

¿Y a qué tanto jaleo? Empieza Missy Elliott introduciendo el videoclip delante del telón que se levanta y van apareciendo una a una, las cuatro "protagonistas" del videoclip actuando en el escenario del Moulin Rouge intercalándose con escenas de ellas en las habitaciones donde "recibían" a sus admiradores o en el backstage preparándose para la actuación. Actuación que hacen en lencería de finales del S. XIX (o eso es lo que quieren dar a entender). La primera en aparecer es Mýa, luego Pink, luego llega la parte rapeada de Lil' Kim y remata la faena Christina Aguilera donde ya se las ve interactuando a las cuatro juntas hasta que vuelve a aparecer de nuevo Missy, las presenta y se acaba el videoclip.

VALORACIÓN

El videoclip se ha llevado premios, la película Oscars y Globos de oro, la canción Grammys, 385 millones de reproducciones en Youtube... poco se puede decir.

Vale que hay cuatro cantantes jóvenes en lencería durante todo el videoclip pero si alguna vez ha estado justificado por guión es ésta, al ser "cabareteras" (por no llamarlas algo que empieza por "p" y acaba en "rostitutas", que era lo que en realidad eran y lo dejan meridianamente claro en la película) del Moulin Rouge de París. Seguramente este argumento no les valga a muchos o a muchas pero eso ya, que cada cual se haga su propia teoría.

Quisiera ser (2000) – Alejandro Sanz

Para empezar, dejar claro que más allá del nombre, este este tema no tiene nada que ver con el "Quisiera ser" de El dúo dinámico de 1961. Por lo menos que sepamos porque en las dos canciones los cantantes quieren ser "cosas" muy poéticas que dirigir a sus respectivas amadas como expresión de su amor.

Dicho esto, el de Alejandro Sanz fue el segundo sencillo de su álbum El alma al aire (2000) que le proporcionó 4 premios Grammy Latinos y una nominación al mejor álbum de música latina en los Grammy (los globales de todo tipo de música). Quizás no fuera gracias a éste tema en concreto que el álbum alcanzó tanto reconocimiento, pero sí fue con este tema con el que actuó en la gala de los Grammy de 2002 (en realidad tendría que haber sido en 2001 pero se retrasó por el 11S) en español con las Destiny's Child de una tal Beyoncé. De hecho se dice que iba a grabar con ellas un álbum en inglés pero que Beyoncé se fue a rodar la película de Austin Powers en Miembro de Oro y el proyecto cayó en el olvido.

Por cierto que en otro directo, unos pocos años después -concretamente en 2017- y con el estadio Vicente Calderón a reventar, contó con otra colaboración americana para este tema, aunque esta vez, de la parte sur, personificada en el colombiano Juanes.

Pero vayamos al videoclip. Está dividido en dos partes. En una, de noche en un balcón con la Gran Vía madrileña de fondo, Alejandro canta la canción. En la otra, intercalada con la del balcón, Alejandro entra en una especie de cabaret, que en realidad actúa como un carnivale, una feria ambulante pseudocircénse aunque sin animales, típica de Norteamérica, en la que solo con su mera presencia y su media sonrisa logra atraer a la amante (Elia Galera) de la aparentemente directora del cotarro (Esther Cañadas) y ésta en venganza, le envenena, cual madrastra de Blancanieves, ofreciéndole una copa "intoxicada" con su sangre, a través de su sierva geisha (Martha Lucía Pereira, con quién volvería a trabajar en el videoclip de su siguiente sencillo "El alma al aire, que ya se analizó aquí).

El cuerpo "sin vida" de Alejandro es llevada a una sala que hace las funciones de velatorio (casualmente lleno de velas) hasta que aparece Elia y cual príncipe en Blancanieves le estampa un dulce beso (suponemos que de "amor verdadero") para resucitarlo pero no funciona y se empieza a desesperar hasta caer rendida sobre el cuerpo de ¿su amor? para terminar viendo que Alejandro está fingiendo seguir muerto para hacerse todavía más "el deseado"

VALORACIÓN

Un buen videoclip. Nos cuenta una historia con su planteamiento, nudo y desenlace y con su chiste final, los famosos están bien utilizados (bueno, Martha Lucía está irreconocible aunque se lo compensó en el otro videoclip) y todo encaja más o menos a la perfección, dejando las escenas del balcón para darle un protagonismo en solitario al cantante, que para eso es el cantante.

Mucho bueno y pocas pegas para un gran videoclip de un muy exitoso tema.

Lo malo (2018) – Aitana ft. Ana Guerra

La vuelta de Operación Triunfo a Televisión Española en 2017 fue todo un éxito a nivel televisivo y, si me apuras, también a nivel social. Se quedó muy lejos de la repercusión que tuvo aquella primera edición del 2001 pero revivió un formato que había languidecido hasta casi morir en sus últimas ediciones en Telecinco y catapultó a la fama a casi todos sus participantes, algo que no ocurría prácticamente desde la primera edición.

Como en aquella, dentro del concurso se elegiría también al representante de España en Eurovisión de aquel año (2018) y se eligieron canciones a la medida de los participantes para que el público eligiese. Una de ellas, fue la adaptación de un tema en inglés para el dúo oficiosamente conocido como Aitana War, que estaba formado por las participantes Aitana y Ana Guerra llamado chico malo, que terminó siendo "Lo malo". El tema no ganó y a Eurovisión mandamos a la entonces pareja formada por Amaia y Alfred con una balada que pasó con más pena que gloria por el festival, pero una vez acabado el concurso, Aitana y Ana Guerra grabaron el tema para su difusión comercial, el videoclip y lo dieron el pelotazo con la canción.

Se le ha calificado como alegato feminista y también se ha considerado que ha sido plagiado (al menos en parte) por otros temas posteriores como el de "Pa mala yo" de Natti Natasha (2019) o el "Muévelo" de Sofía Susescun (2018). Yo ahí no voy a entrar, quién se quiera hacer una idea, que compare y saque sus propias conclusiones.

En cuanto al videoclip es una mezcolanza sin sentido de imágenes de Aitana (vestida y en una habitación decorada al estilo S. XVIII) y de Ana Guerra (vestida y en una habitación decorada al estilo ¿fantasía? ¿de cuento? ¿de druida? ¿de doncella? ... ni se sabe) que terminan reventando el decorado y encontrándose la una a la otra. Todo esto pasa mientras se ve un local (nave abandonada decorada) en el que bailan por turnos haciéndose corrillo, como en las películas. Vamos, un local de los que no existen en la vida real, en el que después de que bailarines por su cuenta practiquen pasos espectaculares, las dos aparecen juntas bailando.

VALORACIÓN

Sí, han tirado del manido recurso de romper cosas para expresar la liberación de las mujeres ante una relación aparentemente nociva. Y sí, han copiado lo del bailecito en corros de las películas americanas (que me digan por dios un local en España donde se haga eso). Pero no, no hay un hilo conductor entre las escenas de las habitaciones de las cantantes y las escenas de baile. 

El tema triunfó y si de hecho le han plagiado, mucho bueno tiene que tener, pero el videoclip, aunque se agradece que no tirasen de exposición de carne de las chicas, hace fielmente reflejo al título de la canción.

Doctor Who – Don’t stop me now (Foxes – 2014)

En esta ocasión nos encontramos con un híbrido (guiño para los whovians) entre dos categorías: la de "Escenas musicales" y la de "Videoclips para BSO" y eso que en esta serie ¡¡no hay banda sonora oficial!! por lo que sería más bien un videoclip promocional, aunque vienen a funcionar los dos de la misma manera. Me explico.

En el capítulo de la octava temporada de la nueva era de la serie Doctor Who titulado "Mummy on the Orient Express" los protagonistas (el Doctor y Clara, es decir Peter Capaldi y Jenna Louise Coleman) se encuentran en un tren que viaja por el espacio, que es una réplica del famoso "Orient Express" que está ambientado manteniendo una estética, tanto en decorado, como en vestuario, de los años 20. Tanto es así que hay una actuación en directo de la cantante británica Foxes, interpretando un tema de jazz, tan de moda en aquella época.

Si bien la canción no se escucha en ningún momento completa y que los primeros planos de la cantante son escasos porque la mayor parte del tiempo solo se escucha la canción de fondo en escenas de diálogo entre los protagonistas, como promoción del capítulo, la productora de la serie, la BBC, liberó parte de la grabación del tema y de las imágenes de Foxes interpretando la canción cuyas imágenes se utilizarían luego en la serie. De ahí que sea un híbrido entre clip promocional y escena musical.

¿Y qué canción interpretó? Pues una versión jazz del tema de Queen "Don't Stop me Now" cuyo videoclip podéis ver aquí, segundo single del álbum Jazz (1978), que pasó prácticamente desapercibido fuera de Reino Unido.

VALORACIÓN

Me encanta Queen y aunque la original de ellos es muy superior, me gusta la versión que hizo Foxes del tema, más melódica y la interpretación de ella en el videoclip creo que es muy buena proporcionando un contraste magnífico entre la dulzura que muestra su imagen y su voz con la letra de la canción que, de dulce e inocente tiene poco. Y además lo hace en una serie para toda la familia y de manera excepcional, porque no suele haber nunca números musicales en ningún capítulo.

Sorpresa agradable e híbrido bastante bueno.

Oz: un mundo de fantasía – Almost Home (Mariah Carey – 2013)

¿Era realmente necesaria una secuela, precuela en este caso, de "El Mago de Oz"? Seguramente no, y de hecho, su resultado en taquilla, que aniquiló la posibilidad de realizar las secuelas que estaban previstas, se encargó de dejarlo bien clarito.

Si Robert Downey Jr. o incluso Johnny Deep, que era la segunda opción, hubiese aceptado el papel protagonista de "Oz: un mundo de fantasía" puede que crítica y público hubiesen aceptado mejor la película pero sin poder hacer prácticamente ninguna referencia a la película inicial, por tema de derechos, y casi copiando el argumento de aquella, James Franco, Mila Kunis, Rachel Weisz, Michelle Williams y compañía dejaron una película bastante olvidable.

Y eso que la apuesta fue importante, actores de renombre, 215 millones de dólares de presupuesto, efectos visuales de última generación y un videoclip promocional con el tema principal de la película interpretado por nada más y nada menos que Mariah Carey, pero todo eso no fue suficiente y la película apenas ocho años después ya ha caído en el olvido.

¿Y el videoclip de qué va? Pues de Mariah Carey cantando en blanco y negro (recordemos que en "El mago de Oz" y lógicamente también en ésta, la "realidad" es en blanco y negro y el mundo de Oz es en color) bastante inmóvil porque lo único que hace en todo el videoclip es levantarse de un taburete y quitarse la chaqueta mientras se suceden secuencias de la película contando de manera bastante lineal la historia de principio a fin.

VALORACIÓN

El videoclip en sí no es malo, tiene el contraste del blanco y negro y el color y recupera parte de la potencia visual que tenía la película, resumiéndote además todo lo que pasa en ella. De hecho, sin saber el argumento de antemano, puedes ver el videoclip y casi explicar la película completa sin apenas errores.

Reconozco que a mí me parece un poco aburrido pero no sería justo calificarlo como malo.

Por cierto, con lo poco que se mueve la Carey en todo el videoclip, ¿no queda raro de narices que la chaqueta unas veces esté tirada en el lado derecho y otras veces en el izquierdo?

La Cadena del Plano Secuencia (I)

Hay muchas formas de valorar un videoclip, por el argumento, por la "interpretación" de los cantantes o los actores que que aparecen o por el apartado técnico. En este último caso, uno de los que tiene más mérito, por su dificultad es el de aquellos que contienen planos secuencia o, incluso que son un único plano secuencia de principio a fin. La revista "Muy Interesante" definió el plano secuencia como "un recurso que consiste en una secuencia filmada en una toma –es decir, sin que se produzca ningún corte–, durante un periodo de tiempo amplio, de manera que nunca se pierde la continuidad ni se tiene que editar más tarde".

En los videoclips hay numerosos ejemplos de planos secuencia y en esta cadena van a aparecer aquellos ya analizados en el blog que contienen planos secuencia con cámara móvil, es decir, aquellos en los que la cámara ha ido siguiendo la acción sin cortes... o con los menos cortes posibles. De hecho, en la lista van a aparecer los videoclips clasificados por la duración de sus planos secuencia o, lo que es lo mismo, de más a menos "cortes" de secuencia.

ESLABÓN 1/5: Eres para mi (2006) - Julieta Venegas ft. Anita Tijoux

Este videoclip tiene varios planos secuencia, siendo el más largo en el que aparece Anita Tijoux y luego se le une Julieta Venegas y empiezan a hacer un flashmob con los "habitantes" de la calle por la que pasea Julieta. También tienen mérito, aunque son de menor duración, tanto la secuencia inicial llegando, aparcando y saliendo del coche y el par de ellos que tiene Julieta andando de espaldas al tiempo que interactúa con los personajes que van apareciendo en la calle.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 2/5: False alarm (2016) – The Weekend

Después del calentamiento con el videoclip de Julieta Venegas, aquí ya empezamos a entrar en materia. En este videoclip de The Weekend hay, al menos, dos fundidos a negro a mayores del "choque final", una puerta que se atraviesa y un parpadeo (el videoclip está rodado en primera persona, que al final descubrimos que es el propio cantante. Esos dos fundidos a negro, bastante bien justificados (aunque solo parpadee una vez en casi seis minutos) son claramente cortes entre tomas. Puede que se me haya escapado alguno, en el cambio de coches o en los barridos rápidos con la vista, pero aún así, el resultado es sencillamente espectacular.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 3/5: Sweetest thing (1998) – U2

Este plano secuencia tiene truco porque la cámara se mueve... sin moverse. De hecho va "montada" encima de la calesa en la que van Bono y su mujer Ali Hewson. Sin embargo no se puede considerar como un plano fijo porque la cámara va girando para enfocar todo lo que va pasando al rededor de la trayectoria de la calesa. En este caso, solo hay un cambio de plano, el inicial que pasa de enfocar a la mujer a enfocar a Bono y que ya no lo deja hasta el final. La coreografía de alrededor es a parte de graciosa, sencillamente apoteósica.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 4/5: I want love (2001) – Elton John

Y llegamos por fin a un videoclip rodado en una única toma, en un único plano secuencia que va siguiendo al deprimido Robert Downey Jr. mientras deambula y "baila" por las distintas habitaciones de una mansión vacía terminando en el mismo punto en el que empieza. 16 tomas costó hacerlo y ni rastro de Elton John en el videoclip lo que no sé si mejora o no el resultado.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 5/5: Wannabe (1996) – Spice Girls

Y llegamos a la joya de la corona. Te gusten o no las Spice Girls, te hagan más o menos gracia sus coreografías o su estilo, técnicamente el videoclip es una pasada. Una única toma recorriendo la planta baja de un hotel, interactuando con múltiples extras, con mobiliario, escaleras, andando de espaldas, volteretas...En el análisis del videoclip ya había muchos detalles en los que fijarse que de un vistazo pueden pasar desapercibidos, lo cual indica la magnitud del trabajo que debió costar que todo saliese bien en un único plano secuencia. De visionado obligatorio, sin duda.

Ver análisis del videoclip aquí.

Ebony and Ivory (1982) – Paul McCartney ft. Stevie Wonder

Han pasado casi cuarenta años y el mensaje sigue tan de actual como entonces. Perdonad que me ponga en plan moñas pero viendo los disturbios raciales de los últimos meses, el black lives matter, el Brexit, el independentismo, la división social a la que nos llevan o que exacerban los políticos, la chusma periodística deportiva polarizada en dos bandos irreconciliables... he recordado este tema mítico de dos artistas míticos como son (todavía) Paul McCarney y Stevie Wonder, que tiene frases tan sencillas pero tan poderosas, con tanta verdad como este primer verso de la canción "Ebony and ivory live together in perfect harmony", el ébano y el marfil viven juntos en perfecta harmonía. Ya con eso, poco más hace falta añadir pero es que la canción sigue con otras metáforas y sentencias igual de sencillas e igual de potentes.

Fue número uno siete semanas en los EE.UU y también alcanzó ese puesto en listas de España, Noruega, Japón, Zimbawe, Israel o Alemania, convirtiéndolo en el tema más importante de 1982. Y sin embargo también ha sido denostado y parodiado, tachado de "dulzón". A lo mejor algo así de dulzón nos vendría bien de vez en cuando para quizás así no tener una sociedad tan llena de odio como la que tenemos.

Pero vayamos al videoclip. Una visión simplista de la letra de la canción, si la interpretamos de manera literal, es pensar que se está hablando de las teclas del piano, negras y blancas, necesarias ambas para componer harmonías y por eso el videoclip empieza con Paul y Stevie tocando juntos el piano y en distintos momentos se les ve a los dos sentados en un piano gigantesco. Todo ello con numerosos cambios de vestuario en blanco y negro, intercambiándose los colores y combinándolos constantemente. Poco más sucede en los dos primeros tercios del videoclip salvo bailes de los dos entre las sombras, para acabar en en último tercio en una especie de doble actuación, con Paul a la guitarra y Stevie al piano en primer plano y de fondo el resto de la banda, aunque los cuatro músicos principales son el propio McCartney, al piano, al bajo, a los timbales y a la batería. 

VALORACIÓN

En mi memoria, éste era un videoclip sencillo y aburrido, algo impropio de la categoría de estos artistas pero al revisionarlo me he dado cuenta de que es bastante mejor de lo que recordaba.

Desde luego el cambio de vestuario es una idea bastante buena, que empieza con Stevie de negro y Paul de blanco, cosa que de primeras ya parece que no pinta demasiado bien, pero que luego juega, combina, se intercambia... insistiendo en la idea de que todos somos blancos y negros y mezcla y en un momento una cosa y en otro momento otra y aún así seguimos siendo los mismos. Todo eso solo con el cambio de vestuario.

Luego la presencia perenne del piano con el doble juego de la interpretación de la letra de la canción de si están hablando de las teclas del piano o de cosas más profundas.

Y luego por último está el "chiste" de Paul siendo él todos los miembros de la banda, lo que me ha recordado sin duda al videoclip de "Hey Ya!" de los Outkast, que ya fue analizado en su día, en el que André 3000 interpretaba a todos los miembros de la banda en una actuación homenaje a la de The Beatles en el programa de Ed Sullivan de 1969, con lo que puede que el homenaje no solo fuera a ellos, sino por duplicado al propio McCartney por esta canción "Evony and Ivory".

Cheeky Song (Touch my boum) (2002) - The Cheeky Girls

Corría el año 2002 cuando las gemelas Gabriela y Monica Irimia, bailarinas de ballet clásico y recién llegadas a Reino Unido desde su Rumanía natal, se presentaron a un concurso de talentos musicales a interpretar una canción ... (no sé cómo describirla) que uno de los jueces describió como la peor canción de la historia. El caso es que ese casting, que no pasaron, fue televisado e increíblemente les llegó el éxito. Tanto es así que con ese tema "Cheeky Song (Touch my Boum)" las Cheeky Girls llegaron a ser número 2 en el Reino Unido y vendieron más de un millón doscientas mil copias de copias a nivel internacional. A ese tema le sucedería un álbum Party Time (2003) y otros tres sencillos ese año que también hicieron Top 10 en las listas de Reino Unido y dos más en 2004 con algo menos de éxito.

Ahí empezó su declive, su compañía de discos quebró dejándolas a deber mucho dinero, tuvieron problemas de anorexia y otras enfermedades provocadas por el estrés y la presión y ya en bancarrota, deambularon por el escenario farandulo-musical del Reino Unido, intentando volver a la televisión y a mantenerse activas musicalmente.

Y bueno, si no he sido capaz de describir la canción, el videoclip no va a ser fácil tampoco. Digamos que se ve a las gemelas bailando en un escenario típicamente discotequero, que hay "enfrentamiento" de bailarinas contra bailarines, mucho primerísimo primer plano, parte de la letra soibreimpresionada para resaltar las partes más... para resaltar algunas partes, neones, burbujas, confeti... La fiesta

VALORACIÓN

Este tema y su videoclip los descubrí estando fuera de España porque, por lo que tengo entendido, a pesar de que pasó por muchos países, llegando incluso a Asia, creo que no llegó a pisar estas tierras, lo cual no deja de ser un punto positivo para la industria discográfica española en general y para nuestra sociedad en particular.

Yo no sé si es la peor canción de la historia, porque ya he dicho muchas veces que el blog no va de letras, pero centrándome en el videoclip, es hipnótico de lo malo que es. Es difícil no sentir cómo se te va desencajando la mandíbula según van pasando los minutos en los que no sabes si reír o llorar.

Creo sinceramente que es algo por lo que todo el mundo debería pasar para poder apreciar y valorar mejor otras cosas que vemos por ahí.

La Lola (1999) - Café Quijano

Hoy en día, el grupo leonés Café Quijano sigue teniendo mucho tirón y no solo entre la gente de mediana edad sino a gente joven que hoy en día les ve colaborar con otros grupos más, vamos a llamarlos, "recientes" como Taburete.

Sin embargo, el éxito les llegó en 1999 con su segundo álbum La extraordinaria paradoja del sonido Quijano y más concretamente con su primer sencillo "La Lola". Este tema es hoy un referente en la música española, que fue número 1 en 30 países y que les proporcionó un doble disco de platino en España, nominaciones a los Grammy Latinos y a los Grammy a secas y un reconocimiento que hoy en día no se ha olvidado.

Mucho se ha debatido sobre quién era la "Lola" de la canción, que Manolo, el cantante, reconoció que era una presentadora de televisión por la que sentía amor platónico, que la consiguió conocer y que el amor dejó de ser platónico aunque su nombre aún queda por descubrir. Pero este blog no va de letras sino de videoclips y la pregunta es si el videoclip ayudó al éxito de la canción. No necesariamente... y eso que el oficial lo tiene casi 72 millones de reproducciones en Youtube.

Hay cuatro escenarios. En uno están los tres hermanos tocando solos con su vestimenta característica de aquella época, en una especie de casa con mucha devoción religiosa que no termina significando nada. En otro están los tres hermanos, con la misma vestimenta, pero con ¿el resto? de la banda, con menos mobiliario pero mismas tonalidades. En el tercero cuatro mujeres bailando de manera sensual. Y en el último, la supuesta Lola, entrada en años, moviéndose en lo que podría identificarse como "de manera provocativa". ¿Algo más que añadir? No señoría.

VALORACIÓN

Yo creo que ni ellos mismos se imaginaban la repercusión que podría tener este tema y el videoclip está pensado sin demasiadas pretensiones, enseñando un poco de chicha con las bailarinas, poniendo a una Lola que pretendiese enlazar el videoclip con la letra de la canción, aunque el resto del mismo no tuviese ningún sentido y poco más. Lo cual es comprensible porque de su primer álbum habían vendido "solo" 100.000 copias y es difícil que el estudio les proporcionase todo tipo de lujos para el videoclip del segundo álbum. Lo cual no hace sino sumarle mérito al tema porque triunfó ¡y de qué manera! a pesar de su videoclip.

Él no soy yo (2018) – Blas Cantó

Blas Cantó alcanzó la fama siendo el vocalista del grupo juvenil Auryn, se dio a conocer a todos los públicos gracias, sobre todo, a su participación en una edición del concurso Tu cara me suena que, por cierto, ganó de calle, y fue el elegido para representar a España en la edición de Eurovisión de 2020 suspendida por el COVID-19 que tendrá este 2021 la revancha de aquel coitus interruptus que supuso para él el no poder defender su canción.

En 2018 publicó Complicado su primer, y hasta ahora único, álbum en solitario del que sacó hasta cuatro sencillos siendo este "Él no soy yo" el tercero de ellos.

¿Y qué es lo que pasa en el videoclip? Pues que le vemos a él en una especie de choza vacía todo vestidito de blanco y a él también con capucha todo vestidito de negro corriendo por un bosque. Un ratinín se ve a los de la banda tocando en la choza, también vestidos de blanco y... poco más.

VALORACIÓN

A ver, seguro que el director del videoclip pretendía expresar un mensaje claro con el videoclip, con los contrastes del blanco y negro, bajo techo contra cielo abierto, sentado contra corriendo... pero el resultado es un truño. El amigo Blas no para de tocarse el pelo a cámara lenta, que debe ser su seña de identidad porque no lo hace solo en este videoclip, pero ese ni siquiera es el problema.

El problema es que aparte de aburrido, cae en todos los recursos baratos para intentar ultradramatizar la situación y pretender darle trascendencia a algo que en realidad no la tiene (que a lo mejor lo tiene la letra, pero desde luego no el videoclip). Repasemos la lista de la trascendencia barata:

• Claroscuros (la choza está lleno de ellos).
• Atardeceres / Anocheceres (sí, en el bosque se ven).
• Humo / bruma (en la choza, o han encendido la chimenea o se han dejado abierta la puerta y ha entrado la humedad).
• Cara compungida (la de Blas en el bosque, aunque en la choza también se ve alguna que otra).
• Reflejos o destellos de luz (se ven tanto en la choza como en el bosque).
• Gritos de rabia (en la choza y en el bosque).
• El contraste de gestos lentos y delicados con gestos violentos y rápidos (cuando se ve tocar a la banda).
• La cámara lenta (cada dos por tres).
• Estar descalzo (no tuvo huevos de hacerlo en el bosque, claro).
• El hombre "solo" contra la naturaleza (todo lo que pasa en el bosque).
• Miradas al infinito (un puñado).

Seguro que hay más, pero creo que con los que ya he mencionado, basta para hacerse una idea. Yo hasta lo siento por el artista porque imagino que poco poder creativo tendrá en estos casos y seguro que la idea explicada a lo mejor hasta suena bien pero el resultado no termina siendo más que un videoclip muy malo.

Dicho esto, la mejor de las suertes para Blas Cantó en Eurovisión, aunque según las apuestas, pintan bastos para el murciano en el festival...

I really like you (2015) - Carly Rae Jepsen

Carly Rae Jepsen saltó a la fama en 2007 después de quedar tercera en el programa Canadian Idol, uno de tantos formatos televisivos de talentos musicales.

En 2011 alcanzó el éxito internacional con el sencillo "Call me maybe" cuyo videoclip ya se analizó en su día en este blog y cuatro años más tarde publicaría este "I really like you" que funcionaría como primer sencillo de su tercer álbum Emotion (2015).

Si bien este sencillo no tuvo la repercusión de aquel "Call me maybe", sí que funcionó muy bien alcanzando altas posiciones en las listas de ventas de países tan dispares como Japón, Israel, Reino Unido o los países escandinavos por citar solo aquellos en los que llegó a entrar en el top 10.

Y nuevamente, gran parte del éxito se debe a su videoclip en el que la cantante apenas aparece cediendo todo el protagonismo a Tom Hanks, que hace de sí mismo siguiéndole desde que se levanta en el día en el que va a filmar el propio videoclip que estamos viendo y todo ello sin dejar de "cantar" la canción. ¡¡Paranoia total!!

Tom se levanta a las 5 de la mañana bastante animado para lo de noche que es, se asea delante del espejo con las muecas que todo el mundo hace delante del espejo, sale todo feliz a la calle, ya de día saludando a la gente como la superestrella campechana que es (o que por lo menos parece) firmando autógrafos y haciéndose fotos. Como llega tarde coge un taxi y se mensajea con la propia Carly y llega al set de rodaje donde se encuentra por fin con ella y empiezan a rodar el videoclip de noche, delante de un grupo de bailarines y empieza la coreografía hasta que de repente aparece Justin Bieber que pasaba por allí y se une a la pareja para rematar la faena.

VALORACIÓN

El videoclip ha sabido exprimir el carisma de Tom Hanks y su vis cómica, bastante olvidada en sus últimos trabajos cinematográficos. El guiño a Forrest Gump firmando un autógrafo en una paleta de ping-pong es divertido y que aparezca en una web de citas y no le elijan cuando va caminando por la calle es más divertido todavía. La aparición ¿estelar? de Bieber, no tanto. Casi llama más la atención la aparición del Fiat 500L amarillo en el que llega Carly (¿product placement?) que no amarillo pero sí blanco, versión tres puertas, ya había aparecido en el videoclip del tema "Good time" en 2012 en el que colaboraba con Owl City.

Videoclip sencillo y divertido, en el que el famoso toma todo el protagonismo, con cameo final sorprendente y con varias referencias (Fiat, Forrest...) para los más acérrimos. Pocos "peros" se le pueden poner.

La casa de papel – Ti amo (Pedro Alonso – 2020) + Centro di gravità permanente

Aviso SPOILER para quién no haya visto La casa de papel (que algun@ habrá) porque esta es una escena de la cuarta temporada así que el que vea el videoclip, que lo haga a sabiendas de que puede ver cosas que no quería.

Es casi increíble para una producción española tener la repercusión mundial que La casa de papel (Money Heist para los no hispanoparlantes), un producto 100% español ha conseguido en poco más de tres años, los que tardó Netflix en meterle mano y apostar por el potencial que tenía la serie de atracos más famosa del momento, en muchos años, y quién sabe si de la historia.

Buena parte de ese éxito recae en el carisma de sus personajes, principalmente el de Berlín (Pedro Alonso) que a pesar de haber fallecido al final de la segunda temporada, era tan atractivo el personaje que tuvieron que buscar la manera de que apareciese también en la tercera, la cuarta y más que probablemente la quinta y última temporada de la serie.

Todo el mundo conoce hoy en día el "Bella Ciao", himno que ha traspasado la serie para imponerse en la sociedad actual como alegato a la resistencia contra... bueno, contra cualquier cosa, pero lo que mucha gente no sabrá es que Pedro Alonso, además de actor es cantante (quién quiera, que tire de Youtube para comprobarlo) y en la cuarta temporada, se marca una versión (aunque la deja a la mitad) del clásico de Umberto Tozzi "Ti amo" que dedica a su mujer el día de su boda, junto con un grupo de monjes al coro acompañándole con canto gregoriano.

En la escena, Berlín, vestido de novio toma el micrófono y empieza a cantarle a Tatiana, su flagrante esposa, mientras el coro de monjes, a pesar de no hacerle mucha gracia al sacerdote del enlace, empieza con su canto gregoriano. Bogotá y Marsella lo celebran, Berlín y Tatiana bailan, Palermo (enamorado de Berlín "en secreto") hace mutis por el foro y el Profesor, sin sentido del ritmo (como dice Tokio en su narración) se queda sentadito en la mesa.

Umberto Tozzi tuvo su primer éxito internacional con la canción "Ti amo" publicada en 1977, antesala de su bombazo "Gloria" dos años más tarde. De aquella canción, que estuvo en la parte noble de las listas de ventas de países tan dispares como Italia, Suiza, Suecia, España, surgieron múltiples versiones en alemán, francés o inglés, pero la de mayor éxito fue la grabada en español por el propio Tozzi, que le abrió el mercado español y latinoamericano. Versión que fue reversionada en 2010 por el español más italiano del panorama musical, Sergio Dalma.

VALORACIÓN

Quizás es porque haya crecido escuchando estas canciones en casa pero la verdad es que tengo debilidad por este tipo de música italiana de los setenta y ochenta y reconozco que disfruté como un enano (perdón por la expresión políticamente incorrecta) cuando viendo la serie apareció esta escena. Y más teniendo en cuenta que a esta escena, le sucede otra con el coro gregoriano cantando por Franco Battiato "Centro di gravità permanente" de 1981.

He dudado mucho de ponerla porque en realidad Pedro Alonso solo canta el principio de la canción y luego es el coro quién continúa... de fondo hasta que desaparece, sin ni siquiera llegar al final del tema, pero me ha podido más el corazón que la cabeza y he terminado cediendo a poner esta escena, para mí, estupenda y de propina, la del Battiato. Por cierto, el videoclip de Battiato... de vergüenza ajena, pero el que cuenta hoy es la escena de La casa de papel.

Here it goes again (2006) – OK Go

Mucho antes de que la palabra "viral" tomara sentido para después perderlo (hoy en día cualquier cosa es viral, aunque dure dos días), el videoclip de "Here it goes again" de la banda estadounidense OK Go reventó Youtube.

Corría el año 2006 cuando los modestos OK Go sacaron un quinto sencillo de su segundo álbum Oh No! publicado sin demasiado éxito casi un año antes. Ante la falta de presupuesto, el cantante del grupo le pidió a su hermana coreógrafa que les preparase algo para un vídeo y el resultado fueron 50 millones de visualizaciones en Youtube hasta 2009 en que retiraron el vídeo y otras 55 millones hasta hoy. Es decir, más de 100 millones de visualizaciones solo en Youtube.

El videoclip tuvo tal repercusión que invitaron a los OK Go a actuar en directo reproduciendo el videoclip en la entrega de los premios Grammy de 2006 y en la de 2007 se llevaron el Grammy al mejor videoclip corto.

En alguna ocasión he mencionado que dicen que en los EE.UU. no eres nadie hasta que no sales en los Simpsons. Bueno pues ellos no solo han salido en la serie de la familia amarilla sino que este tema también aparece en un capítulo de los Padrinos Mágicos, en otro de la serie Scrubs, en Anatomía de Grey...

¿Y todo esto por qué? Por cuatro tipos haciendo una coreografía sobre ocho máquinas de correr, vestidos de calle con una cámara fija y sin cortes, durante tres minutos. 17 tomas les costó conseguir la buena pero el resultado a la vista está que mereció la pena.

VALORACIÓN

Cuando hay talento, imaginación, voluntad, no hace falta mucho dinero y esta es una clara prueba de ello. La coreografía te podrá gustar más o menos, ser poco o muy elaborada, poder encontrar "detallitos" aquí y allá, pero el videoclip no te deja levantar la mirada durante los tres minutos que dura. Sin bailarinas, sin movimientos de cámara, sin efectos, sin cantar (porque es playback, claro, de hecho el que "hace como que canta" es el bajista, no el cantante), sin decorados, ni instrumentos, ni vestuario... solo mucho mérito.

Yo no vi todos los videoclips de 2006 para saber si el Grammy es merecido o no, pero desde luego, creo que es un gran videoclip.

Prisioner (2020) – Miley Cyrus ft. Dua Lipa

Pues este es un videoclip fruto de la colaboración entre dos artistas que siempre se han caracterizado por la sobriedad, la solemnidad y las buenas formas...

Sí, vale, no, es todo lo contrario. El videoclip del tema "Prisioner" (segundo sencillo del álbum Plastic Hearts) de Miley Cyrus en el que colabora Dua Lipa es un buen reflejo de lo que son las dos artistas: provocador, agresivo, sensual (o incluso sexual) y lleno de excesos. Videoclip que, por cierto, dedican "cariñosamente a sus "ex" al final del mismo dentro de un corazón espinado que nada tiene que ver con el de Santana.

El videoclip empieza ya pisando fuerte, o más bien "golpeando fuerte" porque nada más empezar una animada mosca zumbona se ve aplastada por un matamoscas salpicándolo todo de sangre. Pasamos a la boca (y lengua) de Miley cantando la canción sobre fotos en blanco y negro de las dos artistas para dejar paso a lo que parece el desplazamiento de las dos y su banda en furgoneta al lugar de un concierto. Furgoneta en la que se soban, se lamen, se tocan, fuman, muerden arañas, se cambian de ropa, se la rompen, se ensucian de sangre falsa, comen cerezas, se muerden... y todas esas cosas que hacen las cantantes en las furgonetas. Luego llegan al concierto y cantan con la misma actitud de la furgoneta (se tocan, se frotan, lanzan peinetas al respetable...) y hasta le dedican un ratito a una boca, vista desde dentro.

Como en las pelis de Marvel, hay escena post créditos que es un fragmento de la película Cosas de Hembras (Female Trouble) de John Waters de 1974 en el que la drag queen Divine se empodera.

VALORACIÓN

Polémicas aparte sobre si el tema se parece al "Physical" de Olivia Newton-Jonh o de si es una buena o una mala canción, el videoclip, desde luego, no te deja indiferente.

Para mí es malo, vaya eso por delante, porque tanto exceso me parece tan artificial como absurdo. Parece una película de terror de serie B, con su sangre falsa, su sensualidad / sexualidad cuasi explícita y las mismas malas actuaciones, con la diferencia de que en una película de serie B, no solo sabes lo que estás viendo sino que además es lo que esperas ver y en este caso es muy difícil esperarse tal espectáculo, por mucho que las apariciones de ambas artistas sean propensas a los excesos.

Los hombres de negro – Men in Black (Will Smith – 1997)

Una encuesta de 2006 reflejó que uno de cada tres norteamericanos cree que su gobierno tuvo algo que ver en los ataques terroristas contra las torres gemelas el 11-S y otras encuestas y estudios muestran que dos de cada tres, piensa que JFK fue asesinado por una conspiración urdida entre las altas esferas de la sociedad americana, casi el mismo porcentaje que piensa que su gobierno esconde la verdad sobre los ovnis.

La paranoia conspiranoica americana está también detrás de la figura de "Los hombres de negro", una supuesta organización de su gobierno cuya misión es la de proteger el secreto de la experimentación y ¿contacto? con otras razas extraterrestres y que habrían aparecido por primera vez en Roosevelt en 1947, semanas después del supuesto accidente de una nave alienígena en aquellos parajes, para advertir a la población para que guardase silencio sobre lo ocurrido.

La bola de nieve fue creciendo hasta que en 1990 se convirtieron en comic, para terminar siendo propiedad de Marvel y terminar siendo una película en 1997 que se convirtió en todo un éxito para todos los públicos y que lleva ya tres secuelas.

Para asegurarse la promoción de la película tiraron del protagonista, Will Smith, que para algo es cantante, para lanzar un sencillo que, como el que no quiere la cosa, le proporcionó al antiguo Príncipe de Bell-Air, un premio Grammy a la mejor actuación solo de rap de la edición de 1998.

En el videoclip, se ve a Will llegando al cuartel general del MIB (los Men In Black) y con escenas en un pasillo y un despacho, se le ve rapeando con escenas de la película de fondo. Luego llegan a un hangar donde un montón de bailarines, perdón agentes del MIB, encabezados por Will se tienen que enfrentar a lo que parece un agresivo alienígena, pero que terminan bailando coreografías con él. El caso es que al final el alienígena se escapa en uno de los coches de la agencia y descubrimos que en realidad eran las dos agentes femeninas que habían acompañado al principio de la canción a Will Smith. Éste, claro, como hemos visto demasiado, termina el videoclip disculpándose y borrándonos la memoria con un flash. En otra versión del videoclip, tras el flash, "aparecemos" en el pasillo inicial, como si realmente hubiera borrado todo lo pasado en el videoclip.

VALORACIÓN

Evidentemente el videoclip no contaba con el mismo presupuesto que la película y los efectos especiales no podían estar a la misma altura que los de ésta pero aún así, hay que reconocer que ha envejecido bastante mal y que los efectos especiales, si bien es cierto que tampoco es que lleguen a dar vergüenza ajena, quedan muy cutres para lo que estamos acostumbrados hoy en día.

Además es que el videoclip es malo y las coreografías resultan ridículas. Al menos tiene argumento, con giro final y con detalle divertido de borrado de memoria referenciando muy directamente a la película pero no consiguen con ello borrar la sensación de videoclip malo que tengo desde el inicio y que no se va después de terminar de verlo.

Soldi (2019) – Mahmood

En 2019, ni los más ancianos del lugar recordaban a una canción italiana destacando en el festival de Eurovisión. Por eso el segundo puesto que alcanzó Mahmood, famoso por haber participado en un concurso de talentos de la música en Italia, tuvo tanta repercusión. Bueno, por eso, y por la calidad del tema que mezclaba aspectos característicos de la música italiana con R&B y hasta con versos en árabe.

La canción "Soldi" tiene tintes autobiográficos en tanto que habla de una familia desestructurada por la separación del matrimonio (multicultural italiana y egipcio) cuando Mahmood tenía cinco años a causa del dinero (soldi en italiano) y el videoclip sigue la misma idea. Tanto es así que lo primero que vemos bajo el propio nombre de la canción es a un niño que bien podría tener 5 años. A partir de ahí se suceden escenas protagonizadas por el artista de mayor en un salón, frente a un atardecer, en un espacio azul, haciéndose el tatuaje que tenía su padre... y de niño (viendo a sus padres discutir cuando les abandona a él y a la madre, enfrentándose "al mundo" en ese espacio azul, sostenido por la madre "abandonada" con un velo de novia a la que nunca se la ve la cara...).

La canción fue todo un éxito en países tan dispares como Italia, Suecia, Austria o Suiza. En España llegó a ser número 5 en las listas de éxitos y propició una colaboración entre Mahmood y Maikel Delacalle para sacar una versión con estrofas en español, que podéis escuchar aquí.

VALORACIÓN

El videoclip tiene muchísima fuerza. Es bastante sencillo en su planteamiento, en el vestuario o en los decorados, y sin embargo irradia una fuerza en cada una de sus escenas, desde la inicial con Mahmood en el salón cantando solo con la cabeza gacha a la última con el Mahmood de 5 años en brazos de su madre mirando (probablemente) como se aleja su padre para siempre.

Juega también mucho con los colores, el azul para indicar la soledad y el vacío y el rojo para los sentimientos de rabia (contenida en las escenas del niño, más evidente en las de él adulto).

Podría insistir en más detalles pero solo viendo cómo le tatúan la espalda entera con una agresiva cobra para luego descubrir que es el mismo tatuaje que el padre que le abandonó llevaba en la mano, creo que no hace falta añadir mucho más.

Desperado – La canción del Mariachi (Morena de mi corazón) (Antonio Banderas ft. Los Lobos – 1995)

El pasado día 6 de marzo se celebró la 35ª edición de los premios Goya, condicionada por las restricciones impuestas por el coronavirus (con nominados y galardonados en sus casas conectados por videoconferencia) y con la periodista y presentadora María Casado y el actor y director Antonio Banderas como maestros de ceremonia.

Esto es lo que me sirve a mí de excusa para recordar la interpretación del propio Banderas en el inicio de la película Desperado, de 1995, dirigida por el mexicano Robert Rodríguez y protagonizada, entre otros, por el propio malagueño y por Salma Hayek (que por cierto también apareció en los Goya reconociendo la influencia del cine español en ella misma y en el mundo). La película continúa la historia iniciada con El Mariachi, con Banderas retomando el papel que en aquella interpretara Carlos Gallardo, que también tiene un pequeño papel en ésta. La escena es justo el inicio de la película en la que el Mariachi y su banda tocan en un establecimiento del pueblo mexicano de Tarasco. En estas el Mariachi Banderas ve en peligro a una mujer y sin dejar de tocar, se encarga de "arreglar la situación" para regocijo del público hasta que terminan la canción y... misteriosamente, nadie aplaude. Solo una única persona a la que no se la puede ver.

El tema "La canción del mariachi (Morena de mi corazón)", que forma parte de la B.S.O. de la película -Desperado: The Soundtrack, está interpretada por el propio Antonio Banderas con el grupo Los Lobos compositores de canciones para películas como La Bamba, Los reyes del mambo tocan canciones de amor (donde por cierto también aparecía el malagueño) entre otras y que interpretaban canciones actuales y clásicos tradicionales de la cultura mexicana

Esta película supuso la consagración definitiva de Banderas en Hollywood y como héroe de acción, ni más ni menos.

VALORACIÓN

La escena es buena. Sirve para establecer el carácter del personaje (lucha contra la injusticia, defiende a las mujeres, es músico ante todo) y la inquietud que le corroe (la búsqueda de "Bucho" el malo de la peli del que solo conoce el nombre). Destaca también el bar, sobre todo la parte de detrás de la barra por la que el Mariachi se acerca a su "objetivo" con las luces de colores formando una guitarra.

Los "gestitos" de Banderas (otros los llamarán sobreactuación) que tanto le han caracterizado no desentonan demasiado en la escena y, de hecho, el de limpiar la sangre de la guitarra después del K.O. al tipo de la navaja queda bastante gracioso.

Además, el detalle de que Carlos Gallardo, el anterior Mariachi, sea uno de los dos compañeros a la guitarra de Banderas, el nuevo Mariachi, apareciendo justo al principio de la película en claro homenaje al trabajo realizado en la película anterior, tiene su puntito.

Like a virgin (1984) – Madonna

Para conmemorar el 8M, creo que Madonna es un buen ejemplo de la lucha feminista porque su obra ha trascendido del mundo de la música para convertirse en un icono para la sociedad y para muchas mujeres (y hombres) de varias (¡muchas!) generaciones, liderando el mensaje de que la mujer no tiene que hacer nada por los hombres, sino por sí misma, equiparando a hombres y mujeres como iguales. Y todo esto empezó en 1984 con el tema "Like a Virgin" el primer sencillo de su segundo álbum, llamado también Like a Virgin.

Si oyes distraído la canción, la letra puede parecer romanticona, algo naíf, pero si la escuchas con atención, empiezas a ver los matices. La letra es cuando menos, ambigua y se le pueden sacar muchas interpretaciones, sutilezas no tan sutiles e insinuaciones de todo tipo (bueno, no de TODO tipo, sino de uno bastante evidente).

Y por si había dudas de si realmente había más lecturas aparte de la romántica, el videoclip no hizo más que ahondar en la ambigüedad y la insinuación. Venecia, paseo en góndola, jiji-jaja, bailecitos... y un león (simbolizando la bestia, el deseo sexual animal) y a partir de ahí los bailecitos y las posturas en la góndola ya no son del mismo tono. Y luego llegan las escenas en un palacio vestida de novia ¿o es un picardías con un velo? en el que el ¿marido? con máscara de... ¡león! la atrapa ¿o se ha dejado atrapar? y se la lleva en la góndola.

Pero por si no quedó claro el mensaje de libertad sexual de la mujer con la canción y con el videoclip, su interpretación en la primera edición de los MTV Awards de 1984 reforzó aún más esta idea, con ella vestida de novia, saliendo de la tarta nupcial, con su cinturón de Boy Toy, haciendo la croqueta mientras enseñaba piernas, liguero y bragas a partes iguales que dejó patidifuso hasta al realizador que la perdió de plano un par de veces. Tanta repercusión tuvo esta actuación en aquellos premios que los marcó para siempre y los convirtió durante años en el lugar donde se tenía que ver la actuación más espectacular que marcaría la tendencia de la música aquel año. De hecho en 2003, los máximos exponentes del pop femenino, Christina Aguilera y Britney Spears, le rindieron homenaje interpretando la canción hasta que salió ella de la tarta, esta vez vestida de novio y dejando claro quién era la Reina del Pop y escandalizando a muchos por besarlas a ambas en mitad de la actuación (también estaba Missy Elliott pero ella no se llevó beso).

Un ejemplo de cómo influyó esta canción en la sociedad y de la controversia que creó la interpretación de la letra lo tenemos en la película de Quentin Tarantino Reservoir Dogs de 1992 que tiene al propio Quentin durante los dos primeros minutos de la película, dando su interpretación de "Like a Virgin". Cuenta la leyenda que un año después, Madonna se le encontró en una fiesta y le regaló una copia de su entonces nuevo álbum Erotica con la dedicatoria, "Querido Quentin: es sobre amor, no sobre pollas. Madonna".

VALORACIÓN

Como ya he comentado en el análisis, el videoclip cuenta mucho más de lo que parece, está lleno de simbolismos (el león podría interpretarse como el Evangelista San Marcos, en cuya plaza de Venecia, donde por cierto reposan sus restos, se rueda la escena del león por lo que "con la Iglesia hemos topado") que dejo a la voluntad de quién quiera investigar al respecto.

Pero si le quitamos el simbolismo, le quitamos la sensualidad, la ambigüedad, la repercusión en la sociedad durante años, la importancia para generaciones de mujeres, el significado de la letra, del videoclip, de las actuaciones en directo... si le quitamos todo, solo por el momento del triple "chasquido de lengua" del león, ya merece la pena ver el videoclip.

El club de las primeras esposas – You don’t own me (Bette Midler ft. Goldie Hawn ft. Diane Keaton – 1996)

He insistido estos días que el 8M y la reivindicación de los derechos de la mujer no es algo nuevo y que antes de todas las que hoy en día quieren "liderar" movimientos y ponerse medallas y salir en todos los medios y dar visibilidad y... todas esas cosas, ha habido muchas mujeres que han introducido en sociedades de épocas mucho más machistas que la actual, mensajes feministas y de empoderamiento de la mujer mucho más poderosos que la mayoría de los lemas que se escuchan hoy en día.

Leslie Gore tenía 17 años en 1963 cuando lanzó "You don't own me" un alegato contra un amante reprochándole que no era su dueño, ni le tenía por qué decir, lo que decir o lo que hacer, ni exhibirla como un trofeo. Esta canción fue toda una inspiración para las mujeres de aquella época y fue considerada como uno de los detonantes de la segunda ola del feminismo en los EE.UU. y, por extensión, a nivel mundial. Por añadirle otro matiz, más adelante Gore reconoció que a pesar de haber tenido amantes masculinos, ella era lesbiana.

En 1996, el tema volvió a estar en boca de todo el mundo gracias a la película "El club de las primeras esposas" en la que tres amigas se reúnen en el entierro de una cuarta, se dan cuenta de que a todas, sus maridos las han dejado por mujeres más jóvenes y deciden vengarse. Ya al final de la película, en una vacía sala de fiestas, las tres protagonistas Bette Midler, Goldie Hawn y Diane Keaton, celebran su "venganza" interpretando el tema "You don't own me" con el que se da fin a la historia.

Ha habido muchas versiones pero en 2015, la australiana Grace, versionó el tema acompañada del rapero G-Eazy con bastante éxito, llegando a formar parte de la BSO de varias películas y series, como la de "El escuadrón suicida" de 2016. El videoclip de esa versión lo podéis encontrar aquí.

VALORACIÓN

El resultado fue exitoso pero resulta curioso cómo todo un alegato feminista como es este tema, tuvo que contar con la colaboración de un rapero masculino para adaptarlo a tiempos modernos. Hoy en día que das una patada a una piedra y salen cuarenta y cinco raperos haciendo y cantando exactamente lo mismo, bien se podría haber elegido a una "rapera" para la versión de Grace, pero bueno ese es otro tema.

En cuanto al videoclip pues no es más que una escena de una película cómica con tres actrices de comedia por lo que te da lo que cabría esperar de él, unas coreografías chorras y sencillas que, por otro lado, son lo que harían los personajes que están interpretando. Por ahí bien, pero le falta chicha.

Como esto va de videoclips, no voy a decir nada de la canción aunque, para ser sinceros, poco más hace falta añadir, a lo ya dicho en el análisis.

***Flawless (2013) – Beyoncé ft. Chimamanda Ngozi Adichie

Parece apropiado que en el 8M haya discursos feministas y qué mejor canción para ilustrar esto que una que contiene parte de un discurso feminista.

Pues eso es lo que encontramos en el tema de Beyoncé "***Flawless" de su álbum Beyoncé, una parte no cantada del discurso de la activista feminista nigeriana Chimamanda Ngozi Adiche. Básicamente el tema de la canción y del discurso viene a reflejar las presiones que tienen las mujeres de ser "impecables", desde niñas, cara a la galería porque la sociedad no las forma, no las enseña a ser ellas mismas y a dar lo mejor de sí, no porque el patriarcado exija que la mujer sea impecable sino para ser lo que cada una quiera ser y gustarse y quererse como cada una sea.

Todo esto es lo que dice la letra, porque el videoclip... dice más bien poco. Empieza con un corte del anuncio de la participación del grupo infantil de Beyoncé (Girl's Tyme) en el programa de televisión Star Search presentado por Ed McMahon y luego pasa al blanco y negro para tener coreografías durante casi cuatro minutos de Beyoncé con la cámara prácticamente centrada en ella con una troupe punk modernizada, todo muy urbano, para terminar volviendo al color en el momento que Ed McMahon anuncia que el grupo ganador de aquel concurso fueron los Skeleton Crew, un grupo íntegramente masculino.

Hubo varios remixes, llamadlos versiones, de la canción, incluida la más importante de 2014 con la propia Beyoncé y Nicki Minaj, que aunque no tiene videoclip, podéis ver una actuación en "directo" aquí.

VALORACIÓN

Empiezo a estar un poco cansado de que cuando un artista quiere ponerse trascendente, tire del blanco y negro. En este caso además, ni siquiera funciona, porque el lip-singing y el moshing le quitan al blanco y negro toda la "trascendencia" que le pudiera aportar. 

No termino de entender el video, la estética sí, claro, canta trap así que todo tiene que ser muy urbano, mu moderno, muy pijopunk de hoy en día (si un punk de finales de los 70 viese lo que cuesta la prenda más barata de los que salen ahí, les tiraría pintura roja como si fuera un defensor de los animales al ver un abrigo de visón), pero no hay nada detrás, ni un hilo conductor, ni nada de nada. Además, pretende inculcar la idea de que el grupo de chicas perdió con el grupo de chicos por ser ellas chicas y ellos chicos lo cual pudo ser así... o no, porque evidentemente no hay muestra de ambas canciones.

Mensaje importante, videoclip malo y a partir de ahí, que cada uno se haga su versión de la historia.

The Runaways – Cherry Bomb (Dakota Fanning ft. Kristen Stewart – 2010)

Tras el hiatus por el homenaje a Enrique San Francisco, continúo con el especial 8M con artistas, temas o videoclips que recojan de alguna manera el espíritu de las reivindicaciones de las mujeres en ese día.

La película de 2010 The Runaways, cuenta la biografía del grupo homónimo de mediados de los '70 que alcanzó el éxito mundial cantando rock y punk y estando compuesto íntegramente por mujeres. Dakota Fanning interpreta en la película a la vocalista principal del grupo Cherie Currie y Kristen Stewart, a la entonces guitarrista y segunda voz, Joan Jett, considerada hoy como una de las mujeres más importantes de la historia del rock.

Siendo aún adolescentes, el grupo consiguió la fama mundial con el tema "Cherry Bomb" (1976), sencillo debut de su primer álbum The Runaways cuya letra dejaba a las claras que los estereotipos clásicos de las mujeres no iban con ellas. De hecho, ya en la última estrofa la protagonista de la canción se define como "fox" que en inglés significa zorro (en inglés no existe el género en los sustantivos que se refieren a animales) que podemos traducir como "cazador/a" o como otra cosa.

El grupo apenas duró cuatro años pero fue icónico en la música rock y punk por ser íntegramente formado por mujeres, por la letra de sus canciones, por sus directos (sangre incluída) y por la calidad de sus músicos.

El videoclip promocional de la película recrea parte del videoclip original del tema "Cherry Bomb" intercalado con escenas de la película mostrando las rivalidades que fueron surgiendo entre las integrantes del grupo. El tema es interpretado por Dakota Fanning, con Stewart en los coros. No suena del todo mal, pero está a años luz de la fuerza del tema original, que podéis ver aquí.

VALORACIÓN

Pioneras del rock y del punk que demostraron que las mujeres podían perfectamente ser estrellas de unos tipos de música, como el hard rock o el punk que ni siquiera existía como tal, que muchos creían que era solo de hombres.

No nos engañemos, los videoclips son malos, tanto el de la película, que simplemente te muestra escenas y que no llega a la fuerza del videoclip original, como el propio original del 76, que, seamos claros, en aquella época no se podía hacer mucho más pero que, a pesar de la fuerza que tiene, tampoco es que se pueda considerar como videoclip sino más bien, un directo editado.

En todo caso, merece la pena al menos no perderse el original y ya que estamos, ver el de la película para comparar.

Dos hombres y un destino (2002) – David Bustamante ft. Álex Casademunt

Es curioso que la primera vez que intento hacer un especial en el blog, en este caso del 8M, la actualidad termine llevándome por otros derroteros. Si esto le interesase a alguien, de entre todos seguro que habría quién le echase la culpa al karma del patriarcado que quiere fastidiar el 8M... y es que hay gente muy loca por ahí.

De hecho ¡de locos! es lo que mucha gente exclama con la noticia de la muerte del exconcursante de Operación Triunfo 1, Álex Casademunt, que falleció el pasado 2 de marzo en un choque frontal de su coche con un autobús. Mientras escribo esto todavía no se han descubierto los motivos del suceso pero todos aquellos que en su día vivieron la época de aquella primera edición del concurso, lo vieran o no, porque se convirtió en un fenómeno que se extendió a todos los ámbitos de la sociedad (musicales pero también prensa, televisión, cine, corazón...) le han dedicado algún pensamiento en el día de hoy.

Su carrera musical no es que fuese muy importante, lo cual no quiere decir que no tuviera cierto éxito. Si bien en solitario nunca consiguió despegar, formó parte del grupo Fórmula Abierta formado inicialmente por los cuatro primeros expulsados del concurso, llegando a convertir en canción del verano el tema "Te quiero más" (2002).

Pero fue quizás el tema de David Bustamante "Dos hombres y un destino" (2002) en el que más brilló y que probablemente, fruto del éxito de aquella canción, le llevó a dejar el grupo y a iniciar una carrera en solitario.

Tras el fracaso de ésta, pasó sin mucha gloria por platós de televisión de concursante, colaborador, actor... o de lo que fuera.

En el videoclip de "Dos hombres y un destino", siguiendo un poco la letra de la canción, David y Álex están enamorados de la misma mujer y, como ella ni pincha ni corta en la decisión, se suben a un ring para darse de hostias a ver quién gana y se queda con la chica. Todo muy 8M.

Por cierto que el Busta ha sacado hace cuarto días (como quién dice) una nueva versión interpretando él los dos papeles y con un videoclip con ring de boxeo pero algo distinto. Yo creo que le quedó raro pero si los más fans quieren comparar, pueden encontrar el videoclip nuevo aquí.

VALORACIÓN

A ver, el videoclip ha envejecido muy mal y las pintas de Bustamante peor, con estética de los '90 cuando era 2002 pero malo, malo, lo que se dice malo, no era.

Nos podemos preguntar cosas como por qué iban los tres corriendo por la misma calle de las pintadas o por qué corrían Bustamante y Álex por esa calle si los dos llegan al gimnasio andando y ¡¡por caminos distintos!! que uno de los dos debió de dar un rodeo porque venir, parece que venían los dos del mismo lado pero bueno, es sacar punta en un momento que no merece la pena, sobre todo cuando se pretende hacer un homenaje a la memoria no sé si de un gran cantante pero desde luego de alguien que marcó a toda una generación junto al resto de concursantes de aquel programa.

Roar (2013) – Katy Perry

Casi 3.500 millones de reproducciones ha tenido este videoclip en Youtube desde su estreno en 2013. Podría dejarlo aquí, sin añadir nada más, para resaltar la relevancia que tiene este tema en la música y, por ende, en la sociedad.

El sencillo debut del álbum Prism, que a pesar de tener algunos premios "menores" y reconocimientos de la crítica, no obtuvo ninguno de los Grammy ni de los MTV Award a los que estaba nominado, ha vendido casi 10 millones de copias en todo el mundo y ha pretendido ser una inspiración para el empoderamiento de la mujer que, siguiendo la letra de la canción, empieza insegura y sin carácter hasta que se da cuenta de su poder y lo muestra al mundo.

Con respecto al videoclip la historia que cuenta es algo así como una adaptación de Tarzán y es que tras estrellarse con su avión en medio de la selva, Katy y su novio son los únicos supervivientes. Aunque su novio está más pendiente de su propia imagen que de ella, la Perry mantiene la entereza y deja que él lleve la iniciativa y esté ahí para "defenderla" pero cuando a la primera de cambio se lo come un tigre, se da cuenta de que es ella sola la que tiene que buscar la fortaleza para sobrevivir en un mundo hostil y termina haciéndolo, identificándose a sí misma como un tigre, y enfrentándose a él hasta llegar a domesticarlo.

VALORACIÓN

Creo que, efectivamente, la canción puede inspirar, no solo a mujeres pero también, a empoderarse y sacar el carácter y creo que el videoclip es muy bueno. Muy tontorrón, pero no lo suficiente como para ser cutre.

El decorado (porque se ve que es un decorado, bonito, pero de cartón piedra) reflejando la selva es precioso y los animales, principalmente el tigre, se ve a la legua que no están ahí, quitando el macaco que sale en todas las series y películas de Hollywood (el Marcel de Friends, sin ir más lejos). Las imágenes de Katy Perry pintándole las uñas al elefante (que de haber sido real podría considerarse maltrato animal) o limpiándole los dientes al cocodrilo dan un poco de vergüencilla ajena, pero hacerse una lanza con el tacón del zapato tiene su puntito divertido... aunque sea para "cazar" un plátano para el mono. Que empiece y termine como un cómic, supongo que en referencia a la novela de Tarzán, aunque a saber, también me parece interesante y justo al final, que parezca que todo era un sueño para darse cuenta de que no, de que ha alcanzado la felicidad y el empoderamiento en ese terreno hostil, reconozco que me ganó.

Humo y cristales (2017) – La Fuga

Ayer 1 de marzo falleció Quique San Francisco, uno de los actores y cómicos más carismáticos del panorama español. Genio y figura durante 65 años, terminó muriendo de neumonía tras salvarse de accidentes y una vida llena de excesos. Tanto es así que hasta se rio de sí mismo y de la propia muerte en el anuncio de Campofrío de estas mismas Navidades (D.E.V. #disfruteenvida), interpretando a la propia muerte y sabiéndose un habitual de esas predicciones macabras que aparecen todos los años como "candidatos a morir ese año".

Si alguno no ha visto, o quiere recordar, el anuncio, puede hacerlo aquí. Y ya de paso, puede también ver cómo se imaginó el propio Quique su encuentro con San Pedro cerveza en mano aquí. Lo dicho, genio y figura.

Me permito pues, hacer un alto en la temática 8M para homenajear a Quique con el videoclip que grabó junto a la casi olvidada Beatriz Rico para la Fuga, del tema "Humo y cristales" del disco homónimo de 2017.

Grabado en blanco y negro, Quique se podría estar interpretando casi a si mismo, fumando, bebiendo, yendo a bares y en uno de ellos se encuentra con una fascinante y misteriosa Beatriz Rico que se le acerca y le deja totalmente descolocado. Parece que su suerte cambia a partir de ahí, porque sale de bar y gracias a ella consigue sacar dinero a unos trileros, gracias a ella consigue no llevarse una paliza de esos mismos trileros, se la lleva a su casa, consigue pasar la noche con ella y al despertar y no encontrarla, vuelve al bar donde la conoció para encontrarse a sí mismo, con lápiz y libreta y una fotografía de Beatriz, quizás imaginando, quizás recordando, toda esa historia.

VALORACIÓN

Un buen videoclip, que hace falta quizás ver un par de veces para entenderlo bien, que me ha recordado un poco a la historia que cuenta Joaquín Sabina en "Y nos dieron las diez" de 1992 (en lo de conocer a una chica, pasar la noche con ella y no volverla a ver), que cuenta con una todavía bellísima Beatriz Rico en plan macarra/misterioso que funciona muy bien y con un Quique San Francisco con cara de estar flipándolo en casi todo el videoclip y que como ya he mencionado antes, podría tranquilamente estar interpretándose a sí mismo. Además, a mayores de la historia, está bien identificar a los miembros de la banda haciendo cameos como camarero y trileros respectivamente.

Aunque a mí me parezca un videoclip de muy buen gusto, guste o no guste, espero sirva de homenaje a un gran actor, a un todavía mejor cómico y, si hacemos caso a lo que siempre han dicho de él, una extraordinaria persona.

Girls just want to have fun (1983) - Cindy Lauper

Se acerca el 8 de marzo, antiguamente día de la mujer trabajadora, hoy en día solo día de la mujer, y por eso, y por buscarme una excusa para elegir videoclips en los próximos días, voy a dedicar las próximas entradas del blog a videoclips relacionados con esta reivindicación.

Algunos y/o algunas se pensarán que esto de la igualdad es algo de ahora y que las cosas se cambian de un día para otro, pero ni se cambian así de fácil, ni las reivindicaciones de ese día son algo nuevo. De hecho, muchos/as antes que ellos/as han ido marcando el camino hacia la igualdad consiguiendo más con menos y sin ponerse tanta medallas.

Un ejemplo podría ser el tema "Girls just want to have fun" de Cindy Lauper, primer sencillo de su álbum She's so unusual de 1983. La discográfica le había compuesto un tema sobre una chica que quiere complacer a su hombre, a Lauper le pareció misógino y cambió la letra para convertirla en un canto al empoderamiento de la mujer, a que las mujeres de principios de los '80 fueran vistas de igual manera que a los hombres, mismas esperanzas, mismos sueños... y mismas ganas de divertirse, sin temor a ser juzgadas... como putas. Porque de hecho, la canción compuesta originalmente por Robert Hazard en 1979, trataba a las mujeres como trofeos que exhibir y el (....)want to have fun se sobreentendía que "era en la cama".

El cambio que hizo Lauper de la canción y su personalidad hicieron de esta canción un himno que revivió el movimiento feminista de capa caída en aquella época tras los avances de las décadas anteriores y sirvió para que todas las mujeres pudieran verse identificadas y empoderadas con aquella canción. No consiguió ninguno de los dos premios Grammy a los que optó pero sí que se llevó el MTV Award a mejor videoclip de mujeres, videoclip que también contribuyó enormemente al éxito de la canción.

Cindy llega a casa ya amanecida y recibe una reprimenda de su madre (su madre real haciendo de su propia madre) pero ella, ni caso. Luego por la noche le llaman por teléfono sus amigas a las tantas y recibe una reprimenda de parte de su padre (el luchador Lou Albano) y tras horas de charleta con las amigas y ver en la tele cómo las mujeres solo eran reflejadas como pobres damiselas en apuros, Cindy sale a la calle con las amigas, se ponen a hacer un flashmob en la calle, cuando eso ni existía, reclutando a todo el que se encuentran y se les lleva a todos cual flautista de Hamelin a su casa, convirtiendo su habitación en el camarote de los hermanos Marx en la película Una noche en la ópera de 1935. Los que no sepan de lo que estoy hablando, que pinchen aquí.

El tema, considerado por la revista Rolling Stone como uno de los mejores temas de pop de todos los tiempos y que inspiró en 1985 una película del mismo título protagonizada por Sarah Jessica Parker, Helen Hunt y Shannen Doherty, ha formado parte de innumerables bandas sonoras de películas y de anuncios de televisión. 

VALORACIÓN

Una joya de videoclip, una joya de canción y un himno para las mujeres desde hace 38 que ha hecho más por el movimiento feminista que muchas manifestaciones del 8M de los últimos años de las que muchos y muchas sacan pecho.

Lo peor de todo es que la visión hoy en día que algunos tienen de la mujer es la misma contra la que se quería luchar hace 38 años... o incluso peor.