Lego House (2011) – Ed Sheeran

Aunque a mi me de pereza, Ed Sheeran se ha ganado su fama a pulso, empezando desde lo más bajo, teloneando a grupos en los que él mismo tocaba, estando a la sombra en temas de Éxito (como el famoso "Fuck you" (2010) de CeeLo Green), sacando sencillos que no tuvieron ninguna repercusión y actuando... donde le dejaban.

Hizo las américas obteniendo algo de repercusión, del entorno del actor y músico Jamie Foxx y de Elton John, con quién volvió de nuevo a Reino Unido para que su carrera despegase definitivamente. Y como en otros artistas, YouTube tuvo mucho que ver convirtiendo el videoclip del tema "You Need Me, I Don't Need You" en un éxito global. Sin embargo no fue ese sencillo su punta de lanza de su primer álbum "profesional" + (2011) sino "The A Team" al que, luego sí, seguiría You need me... y por fin, el tema que nos ocupa.

Lo cierto es que en el videoclip de "Lego House" apenas aparecen juguetes LEGO, una casa, un helicóptero y poco más, a pesar de contar con el beneplácito de la compañía. Tanto es así que un par de años más tarde, sacaron una versión del videoclip exclusivamente hecha con Legos que, la verdad, es una chulada. En el "oficial" los Lego son la representación de poder destruir algo fácilmente para poder empezar de cero y "montarlo" mejor.

El protagonista es Rupert Green, Ron Weasley en las pelis de Harry Potter, en lo más alto de su fama justo al terminar de grabar la última película de la saga del mago con cicatriz y gafas. Al principio del videoclip parece el alter ego de Ed Sheeran pero pronto vemos que hay algo que no cuadra, miradas de loco, siempre en solitario, destrozando juguetes... hasta que descubrimos que no es el alter ego del cantante (con quién se llega a cruzar al final del videoclip) sino que es un fanático obsesionado con él, que se cuela en su camerino y que hasta se hace pasar por él en un concierto... hasta que los de seguridad hacen su trabajo. Y la cosa no termina precisamente bien porque lo último que vemos de él es verse abrazado en un sofá por un muñeco a tamaño natural con la cara de Ed Sheeran.

El videoclip fue nominado a mejor videoclip masculino en la gala de los MTV Awards de 2013, perdiendo contra "Locked Out of Heaven" de Bruno Mars.

VALORACIÓN

Lo que empieza pareciendo un videoclip soso y tonto, hecho para fans, da un giro de 180º al presentarnos al protagonista del mismo como un psicópata obsesivo y que no parece que vaya a mejorar viendo el final del videoclip.

El momento "muñecos" es realmente inquietante y los dejes de locura de Rupert Green (cuando sin venir a cuento deja caer el helicóptero contra el suelo, las miradas furiosas, la sonrisa de loco o cuando se carga la guitarra) son muy convincentes.

Antes de ver el videoclip pensaba que le podría sacar todos los "peros" del mundo y la realidad es que me ha parecido realmente bueno.

CADENA

Este videoclip es el cuarto eslabón de "La Cadena de Lego".

Can I play with madness (1988) – Iron Maiden

El actor, cómico, y parte de los Monty Python, Graham Chapman murió de cáncer a finales de 1989. Aunque en la memoria de todos permanecerá el personaje de Brian, de la película "La vida de Brian" (cuya mítica "Always look on the bright side of life" ya fue analizada aquí, su participación como profesor de arte en este videoclip fue una de sus últimas apariciones en pantalla.

Y todo porque los Iron Maiden contaron con él para el videoclip del primer sencillo del séptimo álbum del grupo Seventh Son of a Seventh Son de 1988.

En una abadía abandonada y derruida, un profesor de arte supervisa a su grupo de alumnos mientras dibujan hasta que da con uno que además de arcos góticos ha dibujado a Eddie (la "mascota" / demonio del grupo) copiándolo de una revista de Heavy Metal. El profesor le requisa la revista y se pone a ojearla mientras camina, sin ver un agujero en el suelo que le hace precipitarse a las catacumbas de la abadía. Buscando la salida y con Eddie acechándole termina encontrando un atril con un libro que parece de conjuros mágicos y se queda absorto viendo una televisión con imágenes del concierto Live after Dead (1985) de los Iron Maiden y del el videoclip "The number of the Beast" y terminando perdido en las catacumbas. Todo ello parece haber sido profetizado por el anciano que aparece al principio y al final del videoclip y por su bola de cristal.

VALORACIÓN

El videoclip ha envejecido un poquito mal por la estética profundamente ochentera y los efectos visuales de la época, pero es una auténtica gozada. La actuación de Chapman como profesor irritable es buena y creíble y el argumento, localización... dan para una película. Además, no nos engañemos, el protagonista termina mal. Por lo que sabemos se queda perdido en las catacumbas sin poder salir, lo cual no deja de ser una muerte bastante horrible por haber dado un revistazo en la cabeza a un alumno aunque más de uno y de una habrán imaginado finales peores para buena parte del profesorado durante su etapa académica.

Uno de mis videoclips favoritos, sin lugar a duda.

Me gustas tú (2001) – Manu Chao

Manu Chao dejó Mano Negra en 1994 y cuatro años después comenzó su carrera en solitario que era radicalmente y que tuvo cierto éxito sobre todo en Francia. Aprovechando este tirón, en lugar de sacar inmediatamente un nuevo álbum, se enroló en el circo y se recorrió con él el norte de España. Ahí se podría haber quedado todo pero en el año 2000 publicó, ya sí, su segundo álbum Próxima estación... Esperanza, cuyo segundo sencillo, es el que nos ocupa.

No me preguntéis el porqué pero la canción tuvo un gran éxito en la época y llegó a formar parte de la B.S.O. de la película "El mexicano", el cierre de la "Trilogía de El Mariachi" del director Robert Rodríguez y con Antonio Banderas y Salma Hayek (solo en las dos últimas películas) como punta de lanza.

El videoclip consta de un marco animado en el que se van sucediendo palabras, frases y representaciones artísticas principalmente latinoamericanas. Y dentro del marco, aparte de un grafiti de un corazón entre rosas y con la frase "I love you" lo que se puede ver es a Manu Chao, Paz Gómez y a varios niños haciendo el chorra. ¿Bailando? No, no, haciendo el chorra. Dentro de una casa, dentro de una bañera y delante de un croma.

¿Quién era Paz Gómez? "The most beautiful girl in the world". Bueno, o al menos una de ellas. En entonces "antiguamente conocido como Prince" la eligió para formar parte de ese videoclip en 1993 y aunque su aparición dio solo para unos pocos segundos (podéis jugar a reconocerla aquí), a los 19 años su carrera como actriz y presentadora floreció hasta que a primeros de los 2000 terminó por desaparecer de los focos.

VALORACIÓN

Pocas veces he tenido tan clara una valoración. PARA MÍ, la canción es una mierda y el videoclip otra mierda. No recuerdo haber sido tan duro con otras valoraciones pero es que no puedo con ésta. La canción es ratonera, te taladra la cabeza y no se te va a ir en días y el videoclip es soso y tonto. De hecho es es tan malo que no tardas ni diez segundos en dejar de mirar a Manu Chao y compañía y centrarte en las animaciones del marco del vídeo, que sin ser nada del otro mundo, tienen mucho más interés que las chorradas (porque no son ni bailecitos) que vemos en el centro de la imagen.

Lo mejor, la voz en español de Peter Griffin en Padre de Familia (y del Jefe Wiggum y Moe en Los Simpsons) en la frase "permanece a la escucha" que se escucha un par de veces al principio y que es lo único que te hace amagar una cierta sonrisa. Sonrisa que se va cuando te enteras de que no él, pero sí otro actor de doblaje y una locutora de radio cuyas voces se escuchan en esta canción y en otros temas del álbum, denunciaron al cantautor franco-español por utilizar sus voces sin su consentimiento.

Y si John Lennon levantara la cabeza le habría denunciado también por utilizar el "Ob-La-Di, Ob-La-Da" de los Beatles en una canción como ésta. Del "Alabí, alabá, alabím, bom-bá" mejor ni hablamos.

La vida de Brian – Always look on the bright side of life (Monty Python – 1979)

Llegamos a la entrada nº 100 de este blog que no lee nadie y para celebrarlo tenemos una de las escenas musicales más icónicas de la historia del cine. Una genialidad que, cuenta la leyenda, Eric Idle medio improvisó para animar a los actores que se morían de aburrimiento al rodar la escena final de La vida de Brian (1979), cuando están todos en sus cruces esperando la muerte.

Tras varios "no" intentos de rescatar a Brian de su cruel destino de crucifixión por el intento de secuestro de la hija de Poncio Pilatos (Michael Palin), el gobernador de Judea, éste se resigna a su suerte pero desde la cruz de al lado, otro crucificado le "anima" a mirar el lado brillante de la vida cantándole una canción absolutamente legendaria y acompañada de un silbido que entra en el top de silbidos de cine (en este vídeo de YouTube hacen una brillante recopilación).

Al principio el crucificado Idle canta solo y aunque no llega a convencer a Brian en ningún momento, el resto de crucificados se une poco a poco a la canción silbando, cantando y bailando... con lo que pueden, la cabeza, las piernas... y poco más. Y ya con todos cantando, Idle empieza a desvariar anunciando el final de la película y empezando a criticarla y a decir que los productores no van a recuperar su inversión. Desternillante.

Tres apuntes: la canción sonó en el funeral de Graham Chapman (Brian), se incluyó en el disco Monty Python Sings (1989) que recopilaba las canciones del grupo en el 20º aniversario de su creación y que, precisamente, estuvo dedicado a la memoria de Chapman que murió apenas dos meses antes de la publicación del disco y parece ser una parodia a las bandas sonoras de Disney, concretamente a uno de los temas de la película Pinocho.

VALORACIÓN

Desternillante. Así acabé el análisis y así empiezo la valoración porque pocas palabras más pueden resumir mejor los 3:10 minutos que dura la escena/videoclip. Lo que son los Monty Python y lo que han supuesto para el mundo del cine y de la comedia se resume en esta película y lo que es esta película se resume en esta canción: ironía, mala leche, una sonrisa de oreja a oreja de principio a fin y hasta alguna carcajada viendo los muertos del "Escuadrón Kamikaze" del Frente del Pueblo Judaico bailando con los pies.

La canción es mucho más profunda de lo que parece y siempre desde el positivismo, lo cual la convierte en una rara avis en este tipo de canciones y si los Iron Maiden la utilizan de cierre de sus conciertos, por algo será.

Loco (2013) – Enrique Iglesias ft. Romeo Santos

Si eres hijo del mito, forzosamente vas a aprender del mundillo musical y Enrique, no sé si será el más talentoso de la prole de Julio, pero desde luego, se conoce la industria "de Pe a Pa". Empiezas tu carrera con temas romanticones, luego más picantones, luego eres malote pero con lado blando para mostrarte accesible, luego duetos y colaboraciones con los artistas de moda y, por supuesto, rodeado siempre de famosos, en este caso, en tus videoclips.

Se cumplen todas las premisas en este "Loco", segundo sencillo del álbum Sex and Love (2014) que salió poco menos de un año antes que el propio álbum. Para empezar el videoclip empieza con el final de su tema de 1995 "Por amarte" (lado romántico), Enrique entra en un "bar" semivacío con aire deprimido y al mirar hacia el piso de arriba ve asomada a la barandilla a la que según algunos entendidos de algunos foros es una prostituta (lado picantón). Mientras Enrique va a la barra y se sitúa al lado de, aparentemente, su amigo Romeo Santos, que colabora en la canción (colaboración con artista de moda), para ahogar las penas en alcohol (espera, ¿está yendo a un prostíbulo para superar un mal de amores? Malote con lado tierno, porque le afectan los sentimientos). Mientras beben, la ¿prostituta? llega al escenario y empieza a bailar y vemos que en el otro lado de la barra, hay un cliente bebiendo con aspecto amenazante. No lo hemos dicho antes pero la ¿prostituta? es la actriz y modelo -aunque también llegó a sacar un disco- Roselyn Sánchez y el otro cliente, el actor Danny Trejo (personas famosas). Danny Trejo sale del bar despacio con aspecto amenazante y tras escuchar lo que podrían ser dos disparos y viendo que ni Enrique ni Romeo la hacen caso, Roselyn Sánchez se va del bar en busca de acción.

Como dato, indicar que este mismo tema lo grabó también con India Martínez y hasta con el mexicano Roberto Tapia, en estilos distintos cada una de ellas. La versión principal, con Santos, llegó a número 1 en su género en varios países.

VALORACIÓN

Videoclip aburrido. Como ya se ha dicho anteriormente, tiene todo lo necesario para que funcione y sin embargo, no termina de hacerlo. Desde luego Danny Trejo con su expresión de perdonavidas acercándose lentamente a la cámara cuando sale del bar sabiendo que al menor gesto te revienta la cabeza es, de lejos, lo mejor del videoclip. El resto no lo salva ni la presencia de la preciosa Roselyn Sánchez.

Thunderstruck (2014) – 2Cellos

Resulta que dos violonchelistas croatas (Luka Šulić y Stjepan Hauser) que habían sido rivales toda su carrera se juntaron en 2011 para grabar un disco no de música clásica sino de versiones al violonchelo de canciones pop y rock y gracias a YouTube, el primer sencillo de 2CELLOS (mismo nombre para grupo y álbum), una versión del "Smooth Criminal" de Michael Jackson, lo petaron tanto que hasta Elton John les contrató de teloneros para su gira ese mismo año. A partir de ahí, éxito y fama mundial, varios álbumes y pabellones e incluso estadios a reventar en los que con o sin orquesta de fondo, tocan al violonchelo todo tipo de música, desde el "Despacito" de Luis Fonsi hasta el "Smeel like teen spirit" de Nirvana, pasando por obvios como la intro de Juego de Tronos o más inesperados como el "Wellcome to the Jungle" de los Guns n' Roses.

Más cercano a éste último es su versión en 2014 de "Thunderstruck" de los AC/DC, publicada por los australianos en 1990, que sirvió como primer sencillo de su álbum Celloverse (2015) relanzando a los croatas aún más si cabe al estrellato.

La premisa del videoclip es sencilla: un concierto de música clásica, que por el vestuario podría situarse fácilmente en el S. XVIII, que empieza normal y enseguida degenera en el Hard Rock del "Thunderstruck" mientras el público se debate entre los escandalizados, los sorprendidos y los agradados.

VALORACIÓN

La idea, no por muchas veces usada, deja de ser interesante: traer a alguien del futuro al pasado, o llevar a alguien del pasado al futuro/presente (¿alguien ha dicho Regreso al Futuro?). En este caso no es "alguien" sino "algo", la música heavy a personas del S. XVIII y la verdad es que funciona a la perfección.

Disfrutable el escenario, el vestuario y los chelos con el consabido desgaste de las cerdas de los arcos y su vaivén hipnótico y con la música acompañando. Sencillo y muy bueno.

Las escalofriantes aventuras de Sabrina – Straight to Hell (Kiernan Shipka – 2020)

Los tiempos cambian y para fidelizar "al cliente" hay que trabajar cada vez más. Netflix estrenó en 2018 el reboot o, por castellanizarlo, la nueva versión de la noventera serie Sabrina, cosas de brujas, en plan más oscuro y sin gato parlante, protagonizado por la joven Kiernan Shipka, pero orientado al mismo segmento de la población, principalmente mujeres jóvenes y adolescentes. De ahí que Netflix, para promocionar el estreno de la tercera temporada sacase un videoclip de la canción "Straight to Hell" (2020) compuesta por el grupo Lovecraft, con todos los estereotipos del mundo y del inframundo, que canta la propia protagonista y en el que no podían faltar chicos enseñando carne.

Empezamos con una referencia a Caperucita Roja delante de una enooooorme luna llena ¿no había un lobo en ese cuento? haciéndola parecer muy indefensa pero apaga la vela del candil, se quita la capa y... como aparece vestida de negro, ¡¡ya es malota!! Se suceden imágenes de personajes de la serie con predominancia del novio con pecho palomo a torso descubierto, encadenado y con llamas por todos lados, porque se supone que está en el infierno y se tiene que notar, con eso, y con un par de escenas suyas "sufriendo" entre pose y pose de modelo.

Luego salen ella y las amigas vestidas de ¡¡animadoras!! vestidas de negro, obvio, y salen otros dos personajes masculinos, uno enseñando ¿el ombligo? y otro con pecho palomo a torso descubierto y luego siendo sobado porque a los malotes les pasan esas cosas.

Se siguen sucediendo escenas, salen más personajes tocando otra canción porque ni el ritmo ni el playback coincide y cuidado que solo llevamos un minuto de los tres que dura el videoclip. Pero el segundo minuto pasa más rápido porque Sabrina canta chulita sola y canta ¿sexy? con las animadoras, intercalándose escenas de la serie. Y llegamos al minuto final en el que ella encuentra al novio en el bosque y se da el lote con él pero (según me he informado) abre los ojos y ve a su padre (por lo visto compartían cuerpo... pero no es incesto porque como él es Lucifer y ella una bruja de 16 años pues no pasa nada) y se va corriendo.

Lo siguiente que vemos es a Sabrina, de negro (que no se nos olvide que es malota) coronada en un trono con cuernos de cabra al fondo (que no se nos olvide que es hija del ángel caído, que le hemos visto antes que no tiene ni alas ni cuernos de cabra, pero que es la representación típica y tiene que quedar clara que es la hija) y con las animadoras revoloteando (ahora de rojo que para eso están en el infierno) para luego sucederse nuevamente escenas de la serie entre las que se ve a un nuevo personaje rubio siendo coronado con pecho palomo a torso descubierto y luego llevándose una hostia. Últimos planos de la tronista en su trono y acaba la canción despertándose en la cama con cara de que le han preguntado en el examen el tema que no se había estudiado.

VALORACIÓN

Vale que el videoclip está dirigido a un segmento muy concreto de la población pero de ahí a hacerlo de una manera tan "sutil" dista un mundo. Animadoras, cuernos de cabra, vestidos y maquillaje negros, muchachos con pecho palomo a torso descubierto... pocos clichés más se pueden meter en los tres minutos que dura la creación. Reconozco que el atisbo incestuoso me sorprendió. De hecho, entre eso y que Sabrina mantiene en la serie relaciones sexuales con 16 años, siendo una serie americana, es cuando menos poco frecuente, pero no sirve para salvar un videoclip malo y encima de música machacona que no te podrás quitar de la cabeza en días.

I want love (2001) – Elton John

Dijo la crítica de Songs of the West Coast (2001) que era la vuelta de Elton John a sus orígenes, a sus canciones al piano y a sus raíces musicales. Es posible que tengan razón a sabiendas que el anterior fue la adaptación de una ópera y el anterior a ese uno pretencioso y filarmoniquero y es posible que precisamente para asegurar el tiro quisiera tirar de famoso para el primer sencillo del álbum "I want love". ¿Robert Downey Jr.? ¡¡No!! The Greystone Mansion, una mansión de Beberly Hills en la que se han filmado innumerables películas y series de televisión. Ennumerarlas todas sería una locura pero por esas paredes y jardines han pasado Spiderman de Sam Raimi, Batman & Robin, Arrow, Colombo, los Cazafantasmas, MacGyver, el Gran Lebowsky, el Mentalista o los X-Men.

El videoclip, rodado en plano secuencia sin cortes (se quedaron con la 16ª toma) es un recorrido por la casa de Robert Downey Jr. haciendo lip-syncing (sincronía de labios) de la canción. El tema, que no el vídeo, fue nominada a mejor actuación pop masculina en los Grammy de 2002 aunque no se llevó el premio.

La letra de la canción, tiene al menos dos lecturas, la "aparente" de persona que necesita ser amada, y la "menos evidente" que es la de una persona que está en rehabilitación y que lucha por superar sus adicciones nocivas, buscando un "amor" distinto en esta ocasión. Esto se sustenta precisamente en la elección de Robert Downey Jr. que en aquellos entonces estaba superando sus adicciones a las drogas después de un par de temporadas en la cárcel e intentando volver a Hollywood, cosa que estaba consiguiendo gracias a la televisiva y puede que ya olvidada Ally McBeal.

VALORACIÓN

He leído por ahí que la intensidad de la mirada de Robert, lo dice todo y ofrece una imagen conmovedora deambulando en solitario por una casa vacía y puede que tengan razón. Pero a mí me parece un truño. Es un videoclip aburrido, de un tío apoyándose en las paredes, mirando al infinito y yendo de aquí para allá con las manos en los bolsillos. ¿Qué hay una lectura detrás de todo eso? Desde luego. ¿Qué el vídeo es aburrido? También.

Además, no me creo a Robert Downey Jr. en la voz de Elton John. Demasiada diferencia de edad, nulo parecido físico, ni en personalidad, ni en nada. Me chirría a los 4 vientos. No sé si era esa la intención acentuando que algo no cuadraba con el protagonista, pero desde luego a mi me quita toda la posible empatía con lo que me está contando en la letra. Y hoy en día, con lo asociado que está el actor a Iron Man, aún menos.

Todo es opinable, pero para mí, videoclip de los malos.

CADENA

Este videoclip es el cuarto eslabón de "La Cadena del Plano Secuencia (I)".

Tu madre es una cabra (2021) – Mägo de Oz ft. La Pegatina

No soy mucho de hacer valoraciones sobre videoclips de estreno, no por nada, pero la cabra tira al monte (nunca mejor dicho) y prefiero rebuscar de entre los vídeos, canciones, artistas que tengo en el recuerdo. No obstante, a veces surgen oportunidades como ésta y la verdad es que no he querido dejarla pasar.

Y es que Mägo de Oz, decidió estrenar el año con el segundo sencillo de su último disco que todavía no ha estrenado porque Bandera Negra, no se saldrá oficialmente a la luz hasta abril de 2021. Y digo bien que es el segundo porque semanas antes ya nos había regalado con "El cervezo (El árbol de la birra)" con un videoclip bastante simpático en el que mi avatar habría encajado bastante bien con un poco de atrezzo pirata.

Repasar los más de 30 años de historia de los Mägo de Oz no tiene mucho sentido y de hecho, quién no haya pegado botes bailando su mítica "Fiesta pagana" (2000) no tiene perdón de Dios, así que comentar que en este tema les acompañan el grupo La Pegatina, a quienes el tema de las colaboraciones no les pilla precisamente de nuevas.

En el videoclip, el humorista J. J. Vaquero acude a la consulta del también humorista, pero en este caso psicólogo, David Suárez para contarle (mientras come perejil) los "comportamientos extraños" que está sufriendo últimamente y termina recibiendo el diagnóstico de que "tu madre es una cabra". Dicho esto, J.J. vuelve a su casa y continúa con su transformación en hombre-cabra para terminar aullando a la luna llena como un ¿hombre-lobo? Y todo ello intercalado por imágenes de las tropecientas personas que se juntan entre los dos grupos tocando la canción y dando botes por el escenario.

VALORACIÓN

A ver, ¿el videoclip es bueno? Pues hombre, bueno, bueno, lo que se dice bueno, no se puede decir. La actuación de Vaquero... de Goya, ya te digo que no va a ser por lo que se puede decir que el videoclip en general es más bien malo. Pero ¡ojo! que siendo malo, es muy divertido y totalmente disfrutable. Vaquero te saca la sonrisa aunque sea de vergüenza ajena, que ya es mucho, pero es que además no importa porque la canción (tanto la letra como la música) y lo absurdo de la situación ya te lleva al cachondeo y, por lo tanto a ver el videoclip y a disfrutarlo de otra manera.

Los 30 segundazos de créditos con estilo de letra recordando a las pelis de Tarantino le dan su puntito de clase aunque se echa en falta una escena post-créditos, a lo Marvel, para rematar la faena.

Además ver a las dos bandas divertirse (o por lo menos lo parece) en el escenario ya te llena de energía y de buen rollo, que para cómo ha empezado el año, buena falta hace. Y me gusta mucho también el cambio de tono de los momentos "batería y guitarra eléctrica" (seguramente haya mucho más que simple batería y guitarra pero, eh, esto es un blog de videoclips, no de música) con personalidad propia y que además, los primeros te pillan por sorpresa porque no los ves venir (ni tampoco el "Bella Ciao" de La Casa de Papel, ya que estamos, pero claro, son "la resistencia cabrera).

Wannabe (1996) – Spice Girls

Parece que fue ayer pero ya han pasado 25 años desde que las chicas picantes conquistaran el mundo con su Girl Power y sus ritmos machacones. Se dieron a conocer en 1996 con su álbum Spice, y con este tema "Wannabe" y algunos de los que les siguieron se convirtieron en el grupo de chicas más vendido de la Historia y no solo eso sino que sus 6 primeros sencillos fueron números 1 (único grupo en conseguirlo).

Tienen más récords pero al ser su 25 aniversario, ya se encargarán otros medios de bombardearnos con noticias y datos a medida que avance el año así que vamos al lío que es el videoclip:

Se rodó en el St. Pancras Gran Hotel de Londres, de estilo renacentista para más señas, en un único plano secuencia y el argumento es muy sencillo, las cinco llegan, alborotan al personal con sus bailoteos y se van en un autobús. Esto es todo... pero claro, hay chicha soterrada.

Para empezar, Emma le roba la gorra a un mendigo en el minuto 0:15 y enseña las bragas en el 1:53. Victoria se da el lote con un huésped en el 1:06, se refrota con otro en el 1:50 y acosa a un cura en el 2;40. Quizás por ello no tiene ni un solo solo en todo el videoclip. La leyenda cuenta que cuando las otras cuatro compusieron la canción ella estaba de boda... y claro ya cuando volvió pues no quedaba pastel para repartir. Mel B., para no ser menos que la entonces Victoria Adams, también se besa con un fulano en el minuto 1:20. Quizás porque estaba pensando en él, se perdió en la coreografía de las escaleras y está unos segundos yendo por su cuenta del 1:34 al 1:41 y luego mide mal y les da un par de culadas a los paneles colgantes al lado de la mesa en el 2:33. Mel C. aparte de la voltereta totalmente innecesaria en el 2:18, salvo para insistir en que lo suyo es el deporte por si no hubiera quedado claro con el chandal, solo la lía al final cuando ya en el autobús, en vez de despedirse como Geri, hace el gesto de que las sigas, pero luego se da cuenta de que no era eso y ya cambia y te dice adiós con la mano 3:46.

Espera, ¿entonces Geri fue la única que no hizo nada raro en el videoclip? No, bastante tenía ella temiendo por su vida como para ponerse a hacer fantasías. Os invito a seguir la teoría de Hansen @cometelasopa en su página de Twitter porque yo, revisionando el vídeo, se la compro de principio a fin.

El videoclip ganó el MTV Award de 1997 al mejor vídeo Dance.

VALORACIÓN

Reconozco que no soy muy fan de este tipo de música y que cuando vi por primera vez el videoclip aparte de ellas y sus bailoteos tampoco me fijé en mucho más pero al volver a verlo 25 años después, reconozco que estoy sorprendido. En primer lugar, ha envejecido bastante bien. Si no fuera por la calidad de la imagen, no desentonaría demasiado en un videoclip de hoy en día, por ejemplo de cualquier K-Pop band.

En segundo lugar, plano secuencia sin cortes. No debió ser fácil, con mucho extra, muchos elementos, recorrido muy largo, con varias coreografías... No tiene pinta de que saliera bien a la primera y de ahí que la teoría de Hansen sobre el pánico de Geri en algunos momentos tenga mucho fundamento.

En tercer lugar, en aquellos tiempos, las dos Mel sin sujetador y marcando pezones, no era nada habitual en el mainstream. Aunque era todo marketing, con su Girl Power estaban dando pasos para el empoderamiento y la libertad de expresión de la mujer, mucho antes de que los movimientos feministas actuales empezasen a actuar.

Y ya por último, reconocer que es un videoclip divertido, que transmite energía sin necesidad de estar tres minutos viendo coreografías imposibles (como por ejemplo éste ya analizado de los Backstreet Boys). Tres o cuatro manoteos en la entrada, en las escaleras y en algún otro hall, y para casa.

Está claro, un buen videoclip.

CADENA

Este videoclip es el quinto y último eslabón de "La Cadena del Plano Secuencia (I)".

La cadena de la locura

Viendo el primer eslabón, el término "locura" del título está totalmente fuera de lugar, por lo peyorativo del término, pero me permito la licencia porque la palabra, sin la connotación negativa, está muy presente a lo largo de toda la cadena.

A través de estos videoclips se va a ir de la enfermedad mental, de la depresión, del intimismo a la ilusión, el cachondeo y a lo público, en cinco eslabones, todos ellos imperdibles aunque cada uno por distintas razones.

Tanto el mundo de la música como el del cine han tocado este tema y aunque según vayamos avanzado en la cadena, las enfermedades metales van a quedar en un segundo plano, el final de la misma debería ser un buen objetivo cuando se hace frente a ellas: ilusión, amor, esperanza...

ESLABÓN 1/5: Fetish (2017) - Selena Gómez ft. Gucci Mane

Empezamos tratando la locura, los problemas mentales, de manera seria y ciertamente desgarradora con un gran videoclip de Selena Gómez, que sabe mucho de ello por experiencia propia, y que ha sabido reflejarlo abriéndoselo al mundo en un gran videoclip, que podría ser perfectamente adaptado a una película, y que no por fascinante, deja de ser realmente duro de lo que él se desprende y la realidad de muchas personas que pueden verse reflejadas de una u otra manera en él.

Ver análisis del videoclip aquí

ESLABÓN 2/5: Basket Case (1994) - Green Day

El mundo del cine también ha tratado en numerosas ocasiones, con mayor o menor fortuna, las enfermedades mentales. Una de las películas que mejor lo retrataron y que más repercusión tuvo -y eso que el protagonista no sufría de ninguna enfermedad mental "real"- fue la mítica Alguien voló sobre el nido del cuco y 5 Óscar, 6 Globos de Oro y otros tantos BAFTA así lo atestiguan.

Esta película de Milos Forman sirvió de inspiración a al grupo estadounidense Green Day en el videoclip de su tema "Basket Case" y en él, aparte de desarrollarse en un manicomio real abandonado, se hacen varias referencias directas a la película.

Ver análisis del videoclip aquí

ESLABÓN 3/5: La madre de José (2003) - El Canto del Loco

Dicen que el videoclip se grabó en un hospital infantil real y que eso les ayudó a meterse en situación. O sea, la banda tocando desde dentro de un manicomio, con enfermeros vigilando, rodado en un hospital real… ¿alguien dijo "Basket Case" de los Green Day?

Pasamos del duro relato del Fetish de Selena Gomez al homenaje en forma de parodia de El Canto del Loco. En "Basket Case", los Green Day eran más creíbles en su papel de "locos" (me permito la palabra por lo paródico del videoclip) pero las interpretaciones de nuestros amigos de este lado de los Pirineos... se van un poco de madre.

Ver análisis del videoclip aquí

ESLABÓN 4/5: La mamá de José (2008) - Los Mojinos Escozíos

"La madre de José" vs. "La mamá de José". Lo cierto es que los títulos de las dos canciones no dejan mucho a la imaginación pero pero por si no ha quedado claro, Mi amigo Dani (Martín) me presentó a la madre de su amigo José. Así empieza la canción. El “Martín” entre paréntesis es para los despitados.

Los Mojinos en este tema han querido hacer, con su estilo, una "segunda" parte de la canción de El canto del Loco, ahondando en el que la susodicha parece seguir interesada por los jovenzuelos más que por sus coetáneos.

¿Y cómo lo hacen? Con un videoclip que es un claro homenaje a una escena musical de una mítica película ambientada en los años '50, imitando, de aquella manera, hasta las coreografías.

Ver análisis del videoclip aquí.

ESLABÓN 5/5: Grease - Summer Nights (John Travolta ft. Olivia Newton John - 1978)

Como se podía deducir del eslabón anterior el final de la cadena, en el que Los Mojinos Escozíos reproducían de manera "bastante fiel" esta escena con El Sevilla en el doble papel de Danny (John Travolta) y Sandy (Olivia Newton-John), incluso copiando el final en el que El Sevilla Danny mira al infinito recordando a su amada (el Sevilla Sandy) mientras aparece la cara de ella sobreimpresionada en el cielo en marca de agua haciendo lo mismo y en ese mismo momento.

Pero lo que era cachondeo y parodia en el videoclip de los Mojinos es aquí, diversión, sí, pero también amistad, amor, ilusión, melancolía en positivo, y si continuamos viendo la película Cero problemas, happy ending y todo puede suceder, incluso cruzar los cielos con tu pareja en tu coche volador que es como termina la película de Grease.

Ver análisis del videoclip aquí.

Fell in love with a girl (2002) – The White Stripes

La historia de este videoclip es curiosa. En 2002, el director Michel Gondry les puso encima de la mesa de un restaurante una cabeza del cantante hecha con bloques de Lego, diciéndoles a Jack y Meg White que quería grabar con ellos todo el videoclip del que sería el segundo sencillo de su álbum White Blood Cells (2001) y la idea gustó tanto que se pusieron manos a la obra. Los Withe Stripes se pusieron entonces en contacto con la compañía Lego para proponerles utilizar sus bloques y a lo mejor sacar un pack con figuras de los White, pero la empresa danesa rechazó amablemente su propuesta alegando que ellos solo enfocaban sus productos para menores de 12 años.

Con el rechazo de Lego, tuvieron entonces que comprar por si mismos todas las cajas de bloques necesarias para la realización del video y mediante animación por stop-motion, grabaron los casi dos minutos de la canción con los bloques sin que figurase la marca "Lego" por ninguna parte.

La canción fue un éxito y ha sido ampliamente reconocida a lo largo de los años por la crítica (comparándolos con The Ramones), con la prensa especializada como las revistas Rolling Stone o Entertainment Weekly, o incluso la prensa en general (The Times). El videoclip perdió el MTV Award a mejor videoclip de la edición 2002 frente a "Without me" de Eminem, pero se llevó tres premios, el de mejor edición, mejores efectos visuales y al vídeo revelación.

Y claro, con la canción siendo ya un éxito, Lego contactó con la banda para decirles que se lo habían pensado mejor y que podrían llegar a un acuerdo para vender packs del grupo pero la banda, amablemente, rechazó su propuesta.

VALORACIÓN

No he hablado del videoclip pero son los dos componentes tocando, cantando, y, eventualmente, corriendo por la ciudad, básicamente en tres colores: rojo, blanco y negro, con apoyo del azul y el amarillo. Blanco y negro dándole un cierto aire retro y el rojo que casa perfectamente con la "agresividad" de la canción. Además cuando utilizan el azul de fondo para los primeros planos, parecen imágenes sacadas de algún cuadro de Andy Warhol.

Canción muy buena y videoclip de lo más original, que no puedes dejar de ver.

CADENA

Este videoclip es el tercer eslabón de "La Cadena de Lego".

Moi… Lolità (2000) – Alizée

 

En 1955 Vladimir Nabokov publicó "Lolita", un libro que recogía la historia de un profesor de literatura francesa que se termina casando con una mujer para estar cerca de la hija de ella.... de 12 años... con quien termina teniendo una relación de pareja a la muerte de la madre, secreta a ojos del mundo. Ella finalmente le deja y se escapa con otro más joven y años después el profesor la vuelve a encontrar, embarazada y pobre a los 17 años y le vuelve a ofrecer su "amor", cosa que ella rechaza. El libro continúa  pero con lo ya dicho, se pueden establecer claramente cuáles son las características del personaje.

El libro es considerado como una obra maestra de la literatura universal y el personaje de Lolita se convirtió en un referente cultural, sirviendo para representar a niñas adolescentes seductoras y provocadoras en su forma de vestir y de actuar principalmente con hombres mayores.

Varias veces adaptada al cine de manera directa, el personaje como tal se ha visto reflejado tanto en el cine y la televisión como en la música de manera indirecta en innumerables ocasiones. En el 2000 fue la cantante y productora Mylène Farmer quién encontró en Alizée, de entonces 16 años, a la artista ideal para cantar el tema "Moi... Lolità", primer sencillo del álbum Gourmandises, que se traduce como "gominolas".

En el videoclip, Lo, con problemas con su madre y con, aparentemente, el padre ausente, se aprovecha del enamoramiento que tiene un chico mayor con ella para conseguir dinero que tras ir a casa y llevarse a su hermana pequeña, irse a la discoteca a bailar. Maquillada como mujeres adultas, lo da todo en la pista de baile mientras su hermana la ve y se divierte, y el chico del que consiguió el dinero la observa en la distancia.

El tema lo petó a nivel mundial, consiguiendo un disco de diamante al vender más de un millón de copias y llegando al número 1 en países como España o Italia.

VALORACIÓN

El libro tiene muchas lecturas, incluso para algunos la romántica, pero no nos llevemos a engaño, el protagonista de la novela es un pedófilo, obsesivo, violento hasta el asesinato y con la moral y éticas suficientes como para cometer incesto, aunque por el devenir de la historia solo sea desde un punto de vista puramente "legal".

No es justificable bajo ninguna circunstancia el hecho de que que "se vea seducido por Lo" (el apelativo que utiliza con ella) por mucho que la actitud de ella sea precisamente esa, la de provocarle y seducirle.

Dicho esto, y yendo al videoclip, ¿es éticamente reprobable la actitud de Lolita aprovechándose del "enamoramiento" que tiene el chaval mayor para sacarle dinero, para escaparse con su hermana pequeña a la discoteca, maquillarse como mujeres mayores y convertirse en un objeto sexual para los hombres allí presentes? Algunas de las frases del estribillo de la canción son "c'est pas ma faute (...) je vois les autres tout prêts à se jeter sur moi" que se traducen como "no es culpa mía (...) veo a los otros preparados para abalanzarse sobre mí" por lo que, aparentemente y a pesar de ser menor, ella es consciente de lo que está provocando con su comportamiento.

Al igual que el libro, el videoclip tiene muchos puntos de vista. El de la adolescente que es buena con su hermana pequeña porque la saca de casa donde solo ve "abusos" por parte de la madre y la lleva a bailar y a divertirse juntas. El de la adolescente que empieza a pervertir a su hermana pequeña introduciéndola a demasiada temprana edad en el mundo de las discotecas. El de la adolescente siendo ella misma a pesar de lo que le dice su madre. El de la adolescente que se aprovecha de los chicos mayores para conseguir lo que quiere sin aportar nada a cambio (¿o sí lo aporta, permitiendo que el chico que está enamorada de ella la "persiga" en la distancia?). Por todo esto y por más, no soy capaz de determinar si el videoclip es bueno o malo así que lo voy a catalogar como ambos y que cada uno decida.

Eso sí, dejo un último apunte y es que, guste o no guste, esta canción y este videoclip salieron publicados hace más de 20 años y tuvieron repercusión mundial. Me pregunto si hoy en día, un videoclip como éste y una canción como ésta podrían salir y estar disponibles para el público en general sin generar escándalo ni que plataformas de todo tipo buscaran su censura y su condena. Mucho me temo que la sociedad, en lugar de evolucionar, está involucionando.

Moves like Jagger (2011) – Maroon 5 ft. Christina Aguilera

 

Los Rolling Stones y, por extensión, su cantante Mick Jagger son una leyenda viva de la música de los Siglos XX y XXI. Entre muchas, muchísimas cosas, por los bailes que se marcaba Jagger en sus actuaciones. Sus brazos, sus hombros, sus piernas que se cruzan por delante, que tiemblan y que se cruzan por detrás, sus deditos índices estirados, el meneo de trasero, los pasitos y saltitos de Chiquito de la Calzada, el meneo de caderas... y así desde los años '50.

Adam Levine quiso homenajearle con un tema y, contando con el beneplácito del homenajeado, compuso esta canción que Maroon 5 cantó con Christina Aguilera, en aquellos días en los que los artistas podían colaborar con otros artistas sin necesidad de que fueran raperos que cambiaran el tempo de la canción con unas estrofas rapeadas sin venir a cuento.

Este homenaje le sirvió para relanzar su álbum de 2009 Hands All Over, dos años después incluyendo como novedad únicamente este nuevo tema que fue número uno en medio mundo.

En el videoclip, Adam Levine primero, Christina Aguilera después y los dos, confeti mediante, al final cantan la canción en el mismo escenario en el que se estaba realizando un casting de imitadores de Mick Jagger, intercalándose alguna imagen del propio Jagger entre imitador e imitador. Ni más, ni menos.

VALORACIÓN

Nadie se mueve como Jagger. Y precisamente en eso se basa el videoclip, en una audición para imitadores del cantante de los Rolling Stones en la que se ve de todo, buenos, malos, histriónicos, graciosos... 

El videoclip es sencillo en su composición y respetuoso con la figura de Mick Jagger, que aparece de vez en cuando entre las imitaciones con sus míticos movimientos, además de al principio y al final del vídeo, lo que se agradece enormemente. ¿Otra cosa que se agradece? La bandera de Reino Unido durante el casting. No porque guste o deje de gustar ese país sino porque es referencia permanente a Jagger y teniendo en cuenta que el casting es en un teatro de Los Angeles, pues tiene su puntito.

¿Hay cositas? Pues claro. ¿Por qué la bandera americana de fondo cuando al final cantan Levine y Aguilera? No se sabe, puede que necesitaran reafirmarse en su nacionalidad después de tanta aparición de la Union-Jack ¿Por qué empieza y acaba en blanco y negro cuando la acción se desarrolla en el presente (2011, que fue cuando se grabó? Quizás porque las imágenes de Jagger hablando son en blanco y negro pero... no tiene mucho sentido. No obstante, esos detallitos no llegan a deslucir el conjunto de un videoclip muy disfrutable.

Fetish (2017) – Selena Gómez ft. Gucci Mane

Probablemente este tema de Selena Gómez en colaboración del rapero (¡cómo no iba a tener una parte rapeada!) Gucci Mane pasase desapercibida para aquellos que no fueran fanáticos de la artista, teniendo en cuenta que el tema no pasó del puesto 23 en las listas americanas, del 25 en la de España e incluso peor en otras listas europeas más potentes que la española.

No obstante, fue una canción y, sobre todo, un videoclip importante para la artista ya que habla de un tema bastante tabú en nuestra sociedad como son los problemas mentales. Ella misma ha reconocido en 2020 sufrir de un trastorno bipolar, que, entre otras cosas, conlleva cambios bruscos de humor sin motivo aparente. También ha tenido procesos de depresión y ansiedad, originados por una mala gestión de la fama en su etapa adolescente y que le llevaron al consumo de, dejémoslo en, "sustancias". Es precisamente el desconocimiento del padecimiento de esta enfermedad mental, o dicho de otra manera, el "no saber qué te pasa" o "por qué haces lo que haces", y más en la adolescencia, lo que lleva, a ella y a otras personas que sufren de enfermedades mentales, a depresiones y/o comportamientos destructivos (quién dijo drogas), que al no tener tratamiento, pueden tener gravísimas consecuencias.

En este contexto y siendo productora del drama de Netflix Por trece razones que trata sobre el suicidio de un estudiante de instituto, sacó el sencillo "Bad Liar" en 2017, que tuvo una buena aceptación y cuyo videoclip daría para otro análisis independiente, y en cuyos segundos finales se "avanza" el videoclip de "Fetish", aunque ambos no guarden, en principio, relación.

La letra de "Fetish" habla de una mujer que tiene una relación intermitente con un hombre, aparentemente por culpa de ella, porque él está "enganchado" (que podría ser una buena traducción de "fetish" ya que en este caso no hay necesariamente connotaciones sexuales) a su amor y no deja de intentar volver con ella y ella, pues, se deja.

El videoclip va más allá y profundiza en por qué ella le saca de su vida y le vuelve a dejar entrar una y otra vez, y es por los problemas mentales de ella y, se deduce, sus constantes recaídas. Empieza con Selena en un estado como de ensoñación, totalmente fuera de la realidad, llega a su casa "con el automático puesto", sin saber muy bien cómo y allí se suceden distintas escenas de autodestrucción con cristales, rizador de pestañas en la lengua, autolesiones, claras referencias sexuales que evocan la idea de utilizar el sexo como vía de escape (y el consecuente daño que le pueden hacer el tipo de relaciones que surgen fruto de eso al convertirse en un mero objeto sexual).

Podríamos analizar un poco más pero el hecho de que ella misma, con cara de loca, se regocije al final del videoclip de estar "encerrada" en un congelador industrial creo que habla por sí solo.

Este tema, terminó de bonus track del álbum de la artista Rare, publicado en 2020.

VALORACIÓN

Solo por mostrar al público lo que pueden ser las enfermedades mentales ya merece la pena. Pero además el videoclip está muy bien hecho. La escena de Selena volviendo a casa con las bolsas de la compra, en una calle desierta, con un coche del que sale humo, un triciclo abandonado, los aspersores funcionando aparentemente sin control con una luz brillante del sol pero enfrente una capa de humo que no permite ver lo que hay delante  no puede ser más desgarradora.

El detalle de cómo le cambia el vestuario a medida en que profundiza en su ataque de locura también es muy interesante, pasando de ser un sencillo y recatado vestido a cuasi lencería llena de transparencias mostrando la ropa interior, pasando por la "degradación" del vestido cuando se moja, se arruga, se lo mancha...

Para mí, un muy buen videoclip.

CADENA

Este videoclip es el primer eslabón de "La cadena de la Locura".

Olvidé respirar (2014) – India Martínez ft. David Bisbal

Es curioso cómo hoy en día los artistas del mundo de la música parecen incapaces de sacar un álbum sin que otro artista les haga algún tipo de colaboración en algún tema. Si se echa la vista atrás, en las décadas anteriores y salvo honrosas excepciones ningún grupo o cantante buscaba el apoyo en otros para sacar algún tema y ni mucho menos sacaba un álbum sin cantar una sola canción en solitario. Pero el mundo de la música ha cambiado, y hoy en día con la caída de las ventas de álbumes fruto del streaming, la piratería, las aplicaciones de música... se necesita ampliar el espectro de potenciales "oyentes" y buscar que los fans de la "estrella invitada" se hagan también fans tuyos. Y esto ni siquiera tiene que ver con la calidad del artista, sino con el cambio de paradigma de la industria musical.

En este caso, la artistaza India Martínez, sacó en 2014 el álbum Dual, con 15 canciones todas ellas en colaboración con otros tantos artistas, desde Enrique Iglesias hasta Estopa, pasando por Pitingo o Maldita Nerea, no precisamente sacados todos del mismo palo que digamos. El primer sencillo del que llegó a ser Disco de Platino fue "Olvidé respirar", una balada a dúo con David Bisbal con un videoclip que... mejor me lo dejo para la valoración.

En blanco y negro, los dos cantantes no llegan a tocarse durante "casi" todo el videoclip, claramente anticipando el devenir de sus alter ego, una pareja de jovenzuelos que se conocen chapoteando en el agua, que viven una bonita historia de amor porque se acarician en silencio con miradas profundas, pero que se masca la tragedia cuando él conduce una furgoneta con ella de copiloto con claras muestras de sentirse mal hasta que llegan al mar y él en brazos la deposita en el agua para despedirse para siempre de ella porque era ¡¡una sirena!! y mientras mira el horizonte Martínez y Bisbal se abrazan por fin bajo el agua. Amor trágico, amor imposible que solo se hace realidad en la fantasía y la ensoñación de los enamorados.

VALORACIÓN

Empecemos por el "viaje en furgoneta" que empieza al cuando todavía ni ha anochecido, que aparentemente continúa conduciendo toda la noche y que llega al mar al amanecer del día siguiente. ¿De cuántas horas podemos estar hablando? ¿Ocho, diez? Estando en España en ese tiempo te has recorrido el país casi de punta a punta. No, en serio, ¿no había una playa más cerca? ¡Aunque no fuese la suya! Para que chapotease un rato la sirena, se recuperase un poco y siguiera camino a su playa mágica especial que tenía que ser esa porque no podía ser otra. Que sí, que es una metáfora, que el atardecer y la noche representan el ocaso de su relación, el amanecer un renacimiento y...blá, blá, blá, blá, blá blá.

Segundo punto. Hombre que se enamora de una sirena. ¿Dónde he oído yo esto antes? La sirenita, Un dos tres... Splash con Tom Hanks y Daryl Hannah, la de Piratas del Caribe, en Mareas Misteriosas... y mejor no seguir rascando. Además, ¿sirenas? ¿por qué no tritones (sirenas macho, para los de la L.O.G.S.E - grande Goyo Jiménez). ¿No sería más original? La mujer tiene que salvar al hombre y sacrifica su amor para que él pueda chapotear con Sebastián y Flounder. Pues no.

El blanco y negro, ¿qué le aporta al videoclip? Absolutamente nada. Si me apuras, como es una historia rancia, de esta manera el vídeo parece antiguo y lo "justifica" en parte. Pero vamos, que no.

En definitiva, dos grandes artistas, balada olvidable que llegó al nº 2 en las listas pero que le duró una semana,  y videoclip aburrido al que ni siquiera salva el fantasioso giro final.

Arma Joven 2 – Blaze of Glory (Jon Bon Jovi – 1990)

 

Sencillo promocional de la B.S.O. de Arma Joven 2, compuesta íntegramente por Jon Bon Jovi en solitario. La canción (que forma parte del título de la película en inglés) obtuvo el globo de oro a la mejor canción original y fue nominada al óscar en la misma categoría, estatuilla que perdió frente a Madonna interpretando "Sooner or later (I always get my man)" de la película Dick Tracy. En cuanto al clip, tras una primera parte con Jon en solitario en medio del desierto, se entremezclan imágenes de la película con imágenes de la película desde un cine en medio del desierto…(que digo yo que qué pintará un autocine en medio del desierto, con coches roñosos pero con la pantalla impoluta).

El entonces espectacular reparto protagonista de la película que aparece durante el clip (Emilio Estévez, Christian Slater, Lou Diamond Phillips) ha quedado hoy prácticamente olvidado, exceptuando quizás a Kiefer Sutherland y al no visible en el clip pero presente en la película Viggo Mortensen.

VALORACIÓN

Brutal power ballad inspirada en el "Wanted Dead or Alive" de Bon Jovi para un clip que podría ser un perfecto tráiler musical de la película, con un montón de escenas de acción y explosiones a todo trapo y primeros planos de Bon Jovi y de los guaperas de los protagonistas. De los que gustan a tíos y tías por igual pero por distintos motivos (o, por lo menos, a los de hace 20 o 30 añitos).