Terminator 2 : El juicio final – You could be mine (Guns n’ Roses – 1991)

Cuando se dice que segundas partes nunca fueron buenas hay siempre 3 excepciones que no ofrecen discusión: El Padrino 2, El imperio contraataca y Terminator 2.

Y efectivamente nadie duda de que el trabajo de James Cameron en esta última fue mucho mejor que con la primera película de la saga. Lo curioso es que, entre las muchas virtudes que tiene la película, por pura casualidad le salieron en el guión bastantes referencias a pistolas y rosas. Por eso decidió cambiar el sencillo musical promocional de la película del inicialmente pensado “I wanna be sedated” (1978) de The Ramones (que es de suponer se centraría en el internamiento inicial de Sarah Connor (Linda Hamilton) en el psiquiátrico, y que cuyo videoclip analizamos aquí) al “You could be mine” de los Guns n’ Roses que terminaría siendo el primer sencillo de su Use your Illusion II (1991).

El videoclip cuenta con escenas de Arnold Schwarzenegger grabadas expresamente para el videoclip y tiene un argumento propio. Resulta que tras fallar las máquinas 10 años antes en su intento de matar a Sarah Connor, ahora vuelven a mandar a un Terminator al pasado/presente para acabar con los Gn’R.

Con esta introducción, el Terminator llega a un concierto de la banda y escopeta en mano va avanzando hacia el escenario donde están tocando Axel Rose, Slash y compañía. El concierto termina y el Terminator les está esperando a la salida donde les hace un análisis individual hasta llegar a Axel al que califica como desperdicio de munición y les deja marcharse no sin antes intercambiar una media sonrisa con el vocalista.

Y mientras pasa todo esto, se van sucediendo imágenes de la película, sin un orden preciso, en el que se puede ver también a un hoy más que olvidado Edward Furlong y sobre todo a Robert Patrick. Aunque más que a Robert, se ve al T1000 que interpreta enseñando bien los efectos especiales de la película en las distintas transformaciones que lleva a cabo.

VALORACIÓN

No es ni mucho menos el mejor videoclip de la banda, ni tampoco era lo que se buscaba. Se abusa demasiado de las escenas del T1000 en estado líquido pero claro, era parte importante de lo que había que vender de cara a espectadores potenciales.

Pero por lo menos tiene argumento, que ya es algo en estos casos en los que básicamente hay una sucesión de escenas de la película interrumpidas por planos de la banda o del cantante, sin más, como pasaba por ejemplo en el videoclip de Seal para la BSO de Batman Forever con el tema "Kiss from a Rose".

Con cierta nostalgia, a la vista de los efectos especiales punteros de hace más de un cuarto de siglo que hoy sin estar desfasados quedan viejunos, el videoclip se deja ver sin problemas de principio a fin.

Rock DJ (2000) – Robbie Williams

El ex de Take That buscaba llamar la atención con el primer sencillo de su tercer álbum de estudio Sing When you’re Winning (2000) y lo consiguió “con” y “en” este videoclip de la canción "Rock DJ".

¿Por qué “con”? Porque el videoclip estuvo censurado en multitud de países y de canales musicales de TV por lo explícito de su contenido, reconozcámosle un quizás no apto para paladares sensibles y, en algunos casos incluso por ver en él connotaciones de satanismo.

¿Por qué “en”? Porque en el videoclip Robbie aparece en un escenario rodeado de despampanantes mujeres que patinan a su alrededor y él, chulo piscinas, intenta atraer su atención y la de la DJ del piso de arriba (la modelo Lauren Gold) tirando de su repertorio de poses y bailes. Como todas le ignoran, decide empezar a quitarse la ropa hasta quedarse literalmente desnudo. Y como aún así le siguen ignorando, decide seguir quitándose lo que le queda. Y es cuando empieza a arrancarse la piel y los músculos cuando las patinadoras empiezan a “beber por sus huesos” y a “disfrutar de su carne” hasta que ya, sólo esqueleto consigue, bailar con la exigente DJ.

El videoclip se llevó el MTV Award a mejores efectos especiales de la edición 2001.

VALORACIÓN

Gran videoclip desde el principio hasta el final. Robbie Williams es experto en posturitas y chulerías y va de sobrado siempre… y porque puede. Y en este videoclip se ríe de sí mismo y de su poder de atracción (y no es poco habiendo empezado en Take That) presumiendo primero de lo superficial y terminando siendo deseado “por su interior”. Además, para rematar el tono de guasa del videoclip, llega la frase tras el fundido a negro: el chiste final sobre los mensajes de no maltratos a los animales en las películas que, reconozcámoslo, queda bastante gracioso.

Quizás el regocijo de las patinadoras con los trozos de músculos ensangrentados de Robbie los cuales saborean y con los que se relamen no fuera estrictamente necesario para la trama del videoclip pero cosas peores se llevan viendo en el cine de serie B desde tiempos inmemoriales.

Desde luego yo creo que consigue no pasar desapercibido y, para mí, para bien.

Ma liberté de penser (2003) – Florent Pagny

Hete aquí que un buen día de 2003, el hoy coach de la edición gala de "La Voz", Florent Pagny andaba a malas con el fisco francés que le investigaba por evasión de impuestos pero convencido de su inocencia entabló una cruzada en defensa de su honor en contra de una sociedad francesa en general que ya le había condenado antes de demostrarse nada y contra la Administración Pública Francesa en particular por una investigación que había hecho pública y que el bueno de Florent creía injustificada.

En estas estaba cuando decidió sacar este tema, que a la postre sería el de mayor éxito de su carrera, defendiendo su “libertad de pensar” y señalando con el dedo índice al Fisco galo.Y lo demuestra con un videoclip en el que asiste desde lo alto de una retroexcavadora a cómo un “malévolo” inspector de Hacienda se relame viendo cómo unos trabajadores de mudanzas robotizados le van despojando de todos los enseres de su casa. El videoclip termina con la casa ya vacía y la retro dirigiéndose a derribarla

VALORACIÓN

Videoclip reivindicativo que terminó jugando en su contra porque terminó de dibujar al cantante como alguien que no pagaba sus impuestos. Cosa que no es cierta, porque la investigación se cerró sin cargos para Florent Pagny, quedando demostrado que había pagado lo que le correspondía y cuando le correspondía.

El videoclip empieza bien, con ese “duelo de miradas a lo Sergio Leone” entre Pagny y el inspector e incluso tiene su gracia al principio el movimiento Playmobilesco de los trabajadores pero luego se desaprovecha todo para mostrar cuatro malabarismos por ordenador sin venir a cuento con los muebles y poco más. El inspector (genial el actor que le pone cara) sólo mira. Pagny sólo mira y los de la mudanza sólo se mueven sincronizados igual una y otra vez.

Precisamente por empezar tan bien y terminar tan mal (¿qué sentido tiene derribar la casa? ¿no habría sido más lógico terminar con un cartel de “se vende” o “se subasta”?) no puedo menos que calificarle como muy muy decepcionante.

Como un lobo (2007) – Miguel Bosé ft. Bimba Bosé

Este pasado 23 de enero murió Bimba Bosé, sobrina de Miguel Bosé. Modelo y cantante quizás su mayor éxito profesional, muy por encima de su carrera como vocalista del grupo The Cabriolets,  fue la colaboración con su tío Miguel en la nueva versión de la canción “Como un lobo” que se grabó para el álbum Papito (2007) recopilatorio de canciones de la carrera de Miguel Bosé pero todas ellas cantadas a dúo con otros artistas.

La colaboración entre tío y sobrina supuso el primer sencillo del álbum, si bien la canción fue grabada originalmente para el álbum XXX (1987) con un videoclip bastante más interesante aparecido en 1988 en el que de alguna manera se van narrando distintas historias que suceden dentro de un hotel.

El videoclip de 2007 es mucho más simple, jugando con la dicotomía blanco y negro, con una pasarela de moda que pronto pierde todo sentido en la trama del videoclip en el que Miguel y Bimba se olvidan de toda inhibición y se dedican a bailar a su aire y a pasárselo en grande el uno con el otro.

VALORACIÓN

Este videoclip pretende ser un pequeño homenaje a la figura de Bimba Bosé y como ya he mencionado antes, este trabajo supuso el punto álgido de su carrera como artista que le llevó a ella y a Miguel a actuar en la gala de los Grammy de 2007 con este tema.

Por eso no voy a calificarle como malo ni a recomendar vivamente el visionado de la versión original del tema que, por cierto, es mucho más lenta.

Regreso al futuro – Johnny B. Goode (Chuck Berry – 1958)

Película icónica de la Ciencia Ficción que marcó a más de una generación desde 1985 y que después de presentar al protagonista como cantante de un grupo de rock, tiene la oportunidad de demostrar su valía en sus aventuras en el pasado.

Michael J. Fox, alias Marty McFly, debe sustituir a uno de los miembros de la banda Marvin Berry & The Starlighters al que ha roto la mano para que puedan actuar en el baile del “Encantamiento bajo el mar” y sus padres (Crispin Glover y Lea Thompson) puedan enamorarse evitando así borrarse a él y a sus hermanos de la existencia.

Lo hace tan bien con la canción “Earth Angel (Will you be mine)” de The Penguins que le piden que interprete una canción y se marca el "Johnny B. Goode", dando a entender que Marvin es el primo de Chuck Berry y que haciéndole escuchar esa “novedosa” canción le inspiraría para componer ese tema ycon él instaurar las bases del Rock and Roll a partir de 1958.

Podía pensarse que la relevancia para la trama de la película estaba solo en el tema de "Earth Angel (Will you be mine)" que es donde se enamoran sus padres y que esta escena es de puro lucimiento para Michael J. Fox. Pero no es así ya que sirve para cerrar una de las subtramas menores que es la de ganar la confianza suficiente para actuar y brillar delante del público. De hecho gana tanta que se viene demasiado arriba y termina desvariando con acordes metaleros al final de la canción.

Además, juegan con esta escena en Regreso al futuro II, con lo que pasa detrás del escenario con Marty de otra vez de vuelta en 1955 y los amigos de su némesis Biff Tannen (Thomas F. Wilson).

VALORACIÓN:

Escena mítica de película mítica infinidad de veces parodiada (como hicieron los de Padre de Familia cambiando a Chuck Berry por Rick Ashley y su Never gonna give you up de 1987).

La canción es la 7ª mejor de todos los tiempos para la revista Rolling Stone y una de las precursoras del R&R. Tanto es así que numerosísimos de los mejores artistas de la historia han tocado o versionado en uno u otro momento esta canción desde John Lennon a AC/DC pasando por Celine Dion, The Who, Jimmy Hendrix o Meat Loaf, aunque destaca la versión que les dedicaron los Judas Priest en 1988 y que sirvió de BSO de la película Johnny Be Good protagonizada entre otros por Robert Downey Jr., Anthony Michael Hall y Uma Thurman).

Dicho esto, se puede afirmar que el homenaje que se le hace en esta película está a la altura de las circunstancias. Y el chiste sobre que los espectadores no están preparados para este tipo de "desvarío musical" del final de la canción pero que a sus hijos les encantará, también.

Side to side (2016) – Ariana Grande ft. Nicki Minaj

Tercer sencillo del álbum Dangerous Woman (2016) en el que Ariana Grande busca la colaboración de Nicki Minaj, una de las artistas del momento en los Estados Unidos, para potenciar un álbum que no ha sido demasiado bien recibido por crítica y público.

Pero el resultado de esta colaboración entre las dos artistas, que a priori parecía tener potencial y prometía ser muy interesante se termina resumiendo en una canción sin chispa dentro de un clip totalmente absurdo con Ariana y sus amigas en una clase de spinning y luego con Nicki y sus amigos boxeadores (que tienen que parecer muñecos de juguete por algún motivo) en una especie de sauna de lo que supuestamente es el gimnasio.

Escenas de bicicletas, duchas, vestuarios y poco más que añadir.

VALORACIÓN

Ni sexy, ni sensual, ni divertido, ni sentido ninguno más que el de enseñar toda la carne que permita el censor.

Si de verdad querían jugar con el erotismo, deberían de haber tomado nota sin ir más lejos del videoclip Can't remember to forget you de Shakira y Rihanna, puro erotismo conseguido de manera sencilla y elegante sin bailarines de relleno, ni imposibles coreografías pseudosexys en vestuarios.

En éste no hay nada de eso pero lo que sí que hay es un product placement de libro para que se vea bien la marca que debió de dejarse sus buenos dólares en la producción del videoclip. ¿No hace falta decir cuál es, verdad? ¡Pero si aparece ya en el primer fotograma!

En fin, más allá de que la canción sea una birria, el videoclip es un auténtico despropósito.

Stan (2000) – Eminem ft. Dido

Eminem se salió un poco de su registro habitual en el tercer sencillo de su álbum The Marshall Mathers LP (2000) para cantar un tema con Dido, la cantante británica más prometedora de aquel momento y gracias a esta colaboración, consiguió uno de los mayores éxitos de su carrera, tanto a nivel crítico como comercial. El álbum es el de mayores ventas de la historia de la música rap y la canción “Stan” está en el ranking de las 500 mejores canciones de la historia de la revista Rolling Stone y es uno de los grandes temas de la década de los 2000.

En el videoclip Devon Sawa es Stan, un fan obsesionado con Eminem que descuida a su novia embarazada (Dido) mientras busca parecerse a su ídolo y le escribe constantes cartas en su sótano que ha convertido en un altar al rapero. Con tendencias suicidas, su obsesión y locura van creciendo paulatinamente a la no respuesta a sus cartas hasta desembocar en un suicidio lanzando su coche por un puente y con su mujer en el maletero. Cuando finalmente Eminem recibe las cartas y le está respondiendo, se da cuenta de que su carta llega demasiado tarde porque semanas atrás ya vio la muerte de la pareja en las noticias. Además, deja como epílogo la también obsesión del hermano pequeño de Stan por el rapero amenazando con repetir la historia.

VALORACIÓN:

El tema de la obsesión es bastante recurrente en la música en general y entre los videoclips en particular. Aquí ya se han analizado algunos ejemplos con resultados dispares como el Beautiful Dangerous de Slash y Fergie y el Hands to myself de Selena Gomez, pero el de Eminem es bastante diferente a aquellos dos.

El ambiente es oscuro y opresivo y desde el principio va creciendo la angustia del espectador que se convence a pasos agigantados de que la historia no va a acabar bien. El paulatino descenso a la locura de Stan está muy bien logrado y la actuación de Devon Sawa (con gran parecido físico con el propio Eminem) es bastante buena.

Hay detalles, claro, la carta que se pierde, las justificaciones del artista para no haber saludado a la salida del concierto, o no haber respondido antes, y que el hermano pequeño “herede” la misma obsesión. Todo ello, sin ser malo, queda bastante forzado pero en general el resultado de conjunto es muy bueno.

Godzilla – Deeper underground (Jamiroquai – 1998)

La película comercialmente no fue muy bien y en general no fue muy buena pero si Mathew Broderick no estuvo a la altura como protagonista de blockbuster, la BSO de Godzilla (1998) sí que tuvo muy buen nivel.

Uno de los sencillos promocionales fue este "Deeper Underground" del rapero británico Jamiroquai que alcanzó un gran éxito gracias a su espectacular videoclip.

Un montón de personas están viendo la película en 3D en un cine cuando Godzilla rompe la pantalla y traslada a la sala de cine toda la destrucción que va creando en la película. En una sala inundada, con los espectadores luchando por alcanzar la salida entre escombros y helicópteros estrellados y esquivando coches que caen del cielo, aparece Jamiroquai bailando y moviéndose entre los respaldos de las butacas.

VALORACIÓN:

Vale que los efectos especiales han envejecido un poquito mal vistos casi 20 años después pero el videoclip sigue siendo a día de hoy simplemente espectacular. No se necesitaron apenas escenas de la película ni tirar de los protagonistas (el ya citado Broderick, Jean Reno, Hank Azaria) y ni siquiera del propio Godzilla al que sólo se le ve una pata y la cola para mostrar de qué iba a ir la peli: destrucción a cascoporro.

Lo que no podía faltar, ni siquiera en el videoclip es la figura del héroe desinteresado que arriesga su vida para salvar a los demás sólo porque hay que hacerlo. En este caso es un policía que pasaba por allí, que para hacerle más del pueblo llano (mentalidad americana) es negro, que es el que se queda para ayudar a todos a salir.

Pero a pesar de esta muestra gratuita y pastelosa de patriotismo americano, el videoclip es realmente disfrutable.

El alma al aire (2001) – Alejandro Sanz

 

Alejandro Sanz demostró su poderío como el cantante latino más importante de aquellos entonces en el videoclip del que sería el tercer sencillo de su sexto álbum de estudio titulado igual que ésta tema El alma al aire (2000).

Y demostró su poderío tirando de famosos de peso y homenajeando al cine en general y a las películas de Los inmortales, la cual por cierto, tenía una increíble BSO interpretada por Queen, y de Entrevista con el vampiro, en ese mano a mano entre Christian Slater y Brad Pitt, en particular.

Alejandro Sanz está en la cárcel y recibe la visita de un periodista (Santiago Segura) que quiere escribir su historia (la referencia a Entrevista con el vampiro). Sanz le cuenta que es originario de la Edad Media y que murió en un combate a espada con un caballero (José Coronado) después de que le pillara acostándose con su mujer (Marian Aguilera). Un hechicero le resucitó allí mismo y desde entonces es inmortal (ahí empieza la referencia a Los Inmortales que se mantiene hasta el final).

Le cuenta dos historias más al periodista, la primera en el S. XVIII donde después de dar un recital de piano en el palacio de un noble (Gabino Diego) seduce a su esposa (Noelia Pérez), les vuelven a pillar y el Gabino reta a Sanz a un duelo a muerte con pistolas. Como Sanz estaba borracho, Gabino gana con facilidad pero termina desquiciado al ver levantarse a Sanz una y otra vez.

La tercera historia surge cuando Segura le muestra una foto de la que supuestamente ha sido su última conquista y que le lleva a recordar la vez en la que siendo Alejandro un trompetista de jazz en los años 20 y nuevamente borracho seduce a Martha Lucía Pereira, la novia de un mafioso (Miguel Bosé) vacilándole en su cara, y de cómo Bosé manda a sus secuaces a dar una paliza de muerte a Sanz.

El colofón llega con Segura sugiriendo a Sanz un “corte por lo sano” para evitar meterse en más líos por culpa de las mujeres.

VALORACIÓN

Un pedazo de videoclip. No ya por los actores archiconocidos, que también, o por la participación de una entidad como Miguel Bosé, “rival” en lo que a ventas se refiere, sino porque se demuestra que en España se pueden hacer cosas tan buenas como en cualquier otro país si el presupuesto lo permite.

Videoclip (o corto cinematográfico) muy original, incluso a pesar del hecho de estar basado en películas, que cuenta con sentido y linealidad una historia de principio a fin y que te deja con ganas de más. ¿Qué más se puede pedir? Muy bueno.

Batman Forever – Kiss from a rose (Seal – 1995)

Segundo sencillo promocional para la B.S.O. de Batman Forever (1995), reeditado un año después de su estreno para la ocasión. La canción en sí, escrita en el 87, publicada en el 94 y reeditada para esta película en 1995, fue número 1 en varios países y ganó tres premios Grammy en la ceremonia de 1996 y un premio MTV a mejor canción para película en la edición de ese mismo año.

Pero por muy buena que sea la cancion el videoclip es insustancial y aburrido y la comparación con el anterior sencillo de la película "Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me" de U2 (y que ya se analizó aquí) le deja en muy mal lugar.

Básicamente es un negro descamisado (Seal) cantando delante de la bat-señal intercalando de tanto en tanto imágenes de la película pero como las buenas las habían utilizado en el clip anterior, las que incluyeron en éste son de todo menos interesantes.

Como curiosidad, comentar tanto la película como éste videoclip fueron dirigidos por la misma persona, el inefable Joel Schumacher.

VALORACIÓN

La película fue un truñaco y el videoclip está a la altura de la calidad de la película si no por debajo.

Fue un claro intento de promocionar la parte romántica de la película para tener un mayor target de público potencial mostrando el ¡¿triángulo amoroso?! entre Val Kilmer, Nicole Kidman (pre-operaciones) y Jim Carrey con los besos y las miradas y todo eso. A Tommy Lee Jones se le intuye en una escena y a Chris O’Donnell se le ve en un par de ellas para que la gente se acuerde de que también están en la película.

No puede decirse que la canción sea mala pero en lo que al videoclip se refiere, y a la película en general, les salió claramente el tiro por la culata.

Abierto hasta el amanecer – After dark (Tito & Tarantula – 1996)

Robert Rodríguez había trabajado con los Tito &Tarantula en la película "Desperado" y no dudó en hacerlo de nuevo en su siguiente  trabajo, estrenada en España como  “Abierto hasta el amanecer”. Y no sólo aportaron un par de canciones a la BSO From dusk till down (1996) sino que también participaron activamente siendo los músicos de “La Teta Enroscada” el local donde se desarrollan las dos terceras partes del metraje de la película, y formando parte de una de las actuaciones musicales más inolvidables de la historia del cine.

Quentin Tarantino, que es el guionista y fetichista de pies reconocido, se regaló una escena totalmente gratuita en lo que a continuidad narrativa se refiere pero que marcó para siempre a la protagonista femenina como un icono sexual a éste y al otro lado del charco.

Se abre el telón y aparece Salma Hayek en bikini, con capa y una corona de plumas y después de unos pases la capa cae y aparece una enorme serpiente enroscada a su cuerpo mientras baila de manera sensual. Al poco le quitan la serpiente para acercarse a la mesa de los protagonistas, hacer que Tarantino beba tequila de su pie primero y de su boca después, y terminar su exótico baile quitándose las plumas, moviendo cabellera y caderas y regocijándose con los aplausos de los espectadores.

VALORACIÓN

Escena de baile mítica donde las haya que eleva al rango de culto a una película que sin ella habría sido probablemente una más dentro de su género.

Tarantino (guionista) le roba el protagonismo de ésta escena a George Clooney, que es el verdadero protagonista de la peli, al que sólo permiten aplaudir y ver a Salma Hayek de espaldas. De hecho incluso Harvey Keitel, que hace de pastor y que es cautivo junto con sus dos hijos de los hermanos Gecko (George y Quentin) ambos menores y viendo un espectáculo como ese, no puede quitar los ojos de la Hayek mientras se contonea delante de él.

Mención especial merece Juliette Lewis , incómoda al principio pero curiosa más adelante viendo el poder que tiene la bailarina sobre los hombres y tomando buena nota de ello (como intenta hacer al final de la película con el propio George).

Para ver una y otra vez.

I want to break free - Queen (1984)

La canción, que fue escrita por Deacon, fue el segundo sencillo del álbum The Works (1984) y se convirtió por méritos propios en uno de los himnos más icónicos de la banda por las múltiples interpretaciones que se le podían dar a ese grito de "quiero ser libre" (inlcuida la bisexualidad de Freddie), aunque siendo estrictos, sólo va de un marido que se ha enamorado de otra que no es su mujer.

El videoclip comienza (y termina) como una parodia a la telenovela británica más famosa por aquellos entonces, Coronation Street, para pasar a ver a la banda entre una multitud, ya con su vestimenta habitual, en la pose en rombo de Bohemian Rapsody de la que se escapa Freddie Mercury para meterse en una caja que explota "liberándole" y convirtiéndole en el protagonista de un ballet con los miembros del Royal Ballet de Londres, interpretando L'après midi d'un faune.

En el concierto homenaje de Wembley de 1992, la canción fue interpretada por Lisa Stansfield vestida igual que Freddie en este videoclip y partes del rodaje de éste mismo, se incluyeron en el del tema "The show must go on" (1991) que era un homenaje en sí mismo al propio Mercury.

VALORACIÓN

Es sin duda uno de los videoclips más icónicos de la banda que dejó para la posteridad la imagen de Freddie Mercury con la aspiradora, la peluca y el bigote y sólo por eso ya merce ser catalogado como un buen videoclip, pero es que, a parte del travestismo de todos los componentes y la simbología de la canción, el videoclip tiene mucho más.

La parodia, las cabezas en rombo del Bohemian Rapsody (el director es el mismo, David Mallet), el ballet, la bacanal simulada, las linternas (mejor que los mecheros) en la oscuridad mientras suena la canción, el bigote que está cuando va travestido pero no cuando está con el ballet... el videoclip lo tiene todo y lo tiene bien puesto y con clase y por eso, opine lo que opine cada uno, ha pasado a la posteridad.

La LEGO película – Everything is awesome!!! (Tegan and Sarah ft. The Lonely Island– 2014)

Se acercan los Reyes Magos y qué mejor homenaje que una escena de una película de juguetes. En este caso la canción empieza cuando el protagonista de la peli, el obrero de la construcción Emmet Brickowski (Chris Pratt) se dirige al trabajo en coche atravesando la ciudad y continúa durante todo el día, una y otra vez haciendo las delicias de todos en la cuidad.

Fue nominada al Oscar a canción original perdiendo con “Glory” de Common ft. John Legend de la película Selma y al Grammy a mejor canción para medios audiovisuales perdiendo con "Let it go" de Idina Menzel (aunque luego la cantó Demi Lovato) de la película Frozen.

VALORACIÓN:

La canción (que tuvo videoclip promocional y fue el sencillo de la BSO de la película) sirve para mostrar la standarización del mundo LEGO y sentar las bases del argumento de la peli: todos escuchan la misma canción, a todos les gusta y, en definitiva, todo se mantienen dentro de un mismo orden (¿alguien dijo fascismo?). Y contra ese orden, representado en la figura de Megamalo (Will Ferrell) y Poli bueno / Poli malo (Liam Neeson) es a lo que se van a tener que enfrentar Emmet y sus amigos (Elizabeth Banks, Morgan Freeman, Will Arnett y los demás).

Más necesaria de lo que pueda parecer para la trama de la peli y que incluye el gag del precio del café, que los niños no van a entender, pero que los padres van a reír pensando en Starbucks y tiendas similares.

CADENA

Este videoclip es el segundo eslabón de "La Cadena de Lego".

Jenny from the Block (2002) – Jennifer Lopez ft. Jadakiss & Styles P.

Este sencillo sirvió de lanzamiento del tercer álbum de estudio de Jennifer Lopez, This is me… then (2002) y alcanzó un gran éxito comercial y muchas críticas y burlas tanto para la cantante/actriz como para su novio/actor Ben Affleck.

La canción habla de que Jenny sigue siendo la misma chica sencilla que era antes de hacerse famosa y el videoclip sigue esa línea incidiendo además en el acoso al que se ve sometida por los paparazzi en su vida privada.

Empieza y termina con imágenes de la cámara de seguridad de su casa y va intercalando escenas de J-Lo bailando con escenas de pareja con Ben Affleck supuestamente captadas por los fotógrafos de la prensa rosa, incluyendo un falso desnudo en la cubierta de un yate de la cantante y las amigas.

VALORACIÓN

El videoclip no es que sea "malo", pero es absurdo. Critica la falta de intimidad y el acoso de los paparazzi y lo hace acentuando su lado más sugerente, enseñando casi todo y mostrando a los cuatro vientos la relación del novio que supuestamente quiere proteger.

No voy a afirmar categóricamente que quisiera sacar tajada de la fama de su novio para promocionar el álbum aunque si podría afirmar que a Ben Affleck le pasó factura su “interpretación” en este videoclip sólo por darle el capricho a su novia (reconocido por él mismo años después).

Curiosamente los dos miembros de The L.O.X. que participan en la canción (Jadakiss y Styles P.) brillan por su ausencia en el videoclip. Un “colabora conmigo pero escóndete que no se te vea” en toda regla.

Iron Man 2 – Shoot to thrill (AC/DC – 1980)

Jonh Favreau, director de las dos primeras entregas de Iron Man es un gran fan de AC/DC y después de utilizar un par de canciones de la banda australiana en la primera película, consiguió que la BSO de Iron Man 2 (2010) fuera enteramente compuesta de canciones de este grupo.

El disco es recopilatorio y varias canciones se utilizaron en distintas promociones de la película. Para el sencillo, "Shoot to thrill" originaria del Back in Black (1980), se grabó un videoclip utilizando imágenes de un concierto en Buenos Aires en 2009 intercaladas con escenas de la película.

Pero además del videoclip, la canción sirve de inicio de la película, después de un pequeño prólogo, en el que Tony Stark / Iron Man hace su entrada triunfal en la Expo Stark volando y quitándose su armadura delante de un grupo de bailarinas ataviadas como él al son de Shoot to thrill con miles de personas jaleándole cual estrella de rock.

VALORACIÓN:

La música de AC/DC está tan ligada al Iron Man del cine casi tanto como el propio Robert Downey Jr. Desde el primer instante del metraje de la primera película, en el que se escuchan los primeros acordes del "Back in Black" (1980). Y lo cierto es que le va de maravilla al personaje.

Claro reflejo de esa simbiosis es esta escena en el que con toda la chulería propia de este tipo de grupos y del personaje de Tony Stark, se presenta ante todos con una imagen de poderío con la canción a todo volumen, las chicas en bikini, la bandera americana, los fuegos artificiales y el baño de multitudes.

Acertadísima escena que resume a la perfección al personaje para el que no hubiera visto la primera película y que a posteriori es difícil de imaginar con otra canción que no fuera de AC/DC.

Freeek! (2001) – George Michael

El día de Navidad nos dejó George Michael y no podía empezar el año sin dejar pasar la ocasión de homenajearle a mi modo, valorando uno de sus videoclips. El elegido es "Freeek!", sencillo lanzado en 2001 que sería el primero del tardío (en salir) álbum Patience (2004) y con el que George alcanzó en número uno en las listas de éxitos de varios países europeos, incluido España.

En el videoclip George Michael es una especie de ciborg en un mundo futurista plagado de sexo virtual de lo más bizarro. Y mejor no contar nada más, el que quiera más que lo vea a su discreción.

La canción (y el álbum) tiene muestras de canciones de otros artistas como Aaliyah (del tema "Try again"), Q-Tip ("Breathe and Stop") y Kool & The Gang ("NT").

VALORACIÓN

Nunca he sido especialmente fan de George Michael (o de Wham! como Deadpool en la película de Ryan Reynolds) pero ha sido un referente en la música y quién sabe lo que podría haber llegado a ser si hubiese aceptado sustituir a Freddie Mercury como vocalista de Queen cuando se lo propusieron.

En cuanto al videoclip en sí, para George era una liberación después de su definitiva salida del armario y quiso reivindicar la libertad sexual con este videoclip lleno de fantasmas sexuales de lo más bizarros mientras él se guarda para sí mismo el rol del rey del mambo BDSM con cuatro dóberman que se terminan convirtiendo en bailarinas/esclavas.

Joya visual, de alto contenido sexual, lleno de excesos y grandes efectos especiales (para aquellos entonces y para hoy día), no apto para todos los públicos ni para todos los estómagos pero claro reflejo de la personalidad y la reivindicación sexual de un genio.