The client list - I'm a woman (Jennifer Love Hewitt - 2013)

The client list empezó siendo una película para televisión que tuvo bastante repercusión y que supuso un cambio de registro para su protagonista Jennifer Love Hewitt, la sufrida pero cándida protagonista de Entre fantasmas, su serie más famosa y que era poco más o menos el mismo tipo de personaje que había estado interpretando durante toda su carrera tanto en cine como en televisión. En aquella película era una mujer fuerte que se ve obligada a pasarse al mundo de los "masajes eróticos" para sacar a su familia adelante.

Aquella película tuvo tanta repercusión que decidieron seguir la historia en una serie homónima que al final, por problemas con la actriz, solo tuvo dos temporadas.

El caso es que para promocionar la segunda temporada, a principios de 2013, Jennifer grabó un videoclip promocional igual que ya había hecho en 2012 con el tema "Big spender", versión del clásico de Peggy Lee en 1966 pero popularizado por Shirley Bassey un año después. Para muchos, estos dos videoclips con canciones interpretados por la propia actriz fueron la primera noticia de que Jennifer Love Hewitt cantaba porque si bien en los inicios de su carrera artística (de niña, de adolescente...) sacó hasta cuatro álbumes de estudio, ninguno de ellos tuvo gran repercusión más allá de su propio país. Bueno, y en su propio país, tampoco mucho. Quizás alguno la recordase haciendo gorgoritos en Sister Act 2: de vuelta al convento, pero de ahí a tener hasta 4 álbumes... como que no.

Siguiendo con la tónica, para la segunda temporada versionó nuevamente a Peggy Lee con el tema "I'm a woman" (1963). En el videoclip, muy al estilo del de la primera temporada, aparece ella con rascacielos de fondo y acompañada de seis bailarines macizorros vestidos, los siete, igual con traje, corbata, gafas y sombrero aunque a ella el traje le termina durando lo que duran dos peces de hielo en un whisky on the rocks. Se queda en ¿lencería? y se pone a bailar apartando a los bailarines que tan pronto la acosan como no le hacen ni caso para seguir con la coreografía. Estas escenas, que dan incluso para un cambio de vestuario de Jennifer, se entremezclan con otras de ella bailando sola en varios escenarios, típicos de cabarets y clubs nocturnos, con mucho neón, mucha silueta, mucho fondo oscuro, mucha agua salpicando... todo muy sexy y dejando ver, bien claro y muchas veces, la palabra woman.

VALORACIÓN

El videoclip empieza mal, ese momento de subir las escaleras, luego dar marcha atrás y luego otra vez marcha adelante, me descolocó por completo y creo que ya no remonté desde entonces. Ya he señalado lo que le dura el traje a Jennifer, que sí, que intenta dar la imagen de ella como trabajadora, pero es que literalmente le dura 5 segundos cronometrados. Vale, que su "trabajo" no es precisamente de traje y corbata, pero ¡¡coño, 5 segundos!! y teniendo en cuenta que han puesto la misma escena tres veces (dos marcha adelante y una marcha atrás) ya me dirás tú lo que le ha durado el trajecito a la amiga. Y luego ya es todo sexy para arriba y sexy para abajo, con más cambios de escenario que de ropa, lo cual también es algo desconcertante.

La idea del videoclip, que por cierto dice que se le ocurrió a ella, era la de promocionar la serie a base de sugerir sensualidad por todos lados y eso lo consigue... pero no con un buen videoclip

Top Gun - Danger Zone (Kenny Loggins - 1986)

En 2021 se cumplen cuarenta y cinco años del estreno de Top Gun, una película de acción sobre un grupo de pilotos en una de las mejores academias del ejército del aire estadounidense y se va a "celebrar" la onomástica con una segunda parte que nadie pedía y que el público no necesitaba. No soy adivino y no sé si tendrá mucho o poco éxito (ni si al menos superará a Hot Shots! (1991), la parodia "oficial") pero aquella película de 1986 fue todo un éxito de taquilla y dejó una importante huella en la sociedad americana de aquellos años.

Pero si la película fue un éxito a nivel cinematográfico, la BSO de la película, Top Gun (1996) lo fue casi tanto como aquella. No solo fue la más vendida de aquel año sino que hoy en día se mantiene como una de las más vendidas de la historia. Se llevó un Brit Award en la difunta categoría de mejor banda sonora original y ganó un Oscar a mejor canción original en la gala de 1987. No fue sin embargo por este "Danger Zone" el primer sencillo promocional del álbum promocional de la película, interpretado por el polifacético Kenny Loggins, que lo mismo te hace un álbum de música infantil como la banda sonora de una película o te gana dos Grammy consecutivos.

El videoclip, promocional de la película en su definición más clásica, fue rodado por Tony Scott, el propio director del film. ¿Por qué digo lo de "definición más clásica"? Porque te cuenta la película de principio a fin. Aparece Kenny en una habitación, tumbado en la cama, con una cámara de fotos (por tener algo en las manos) y con gafas de sol (¿en interior?, pues sí) cantando la canción y se van intercalando esas escenas de él en la habitación con las de la película. Con especial énfasis en las acrobacias aéreas, se ve al protagonista, a su interés amoroso, el giro siendo la instructora de vuelo, la rivalidad con el compañero, el cortejo amoroso, la culminación del acto, el entrenamiento en la academia, la muerte de otro compañero, la mujer del fallecido siendo consolada por el prota y la batalla aérea final. Vamos, todo.

VALORACIÓN

Teniendo en cuenta que la canción - y el videoclip - salieron un mes antes del estreno de la película, hoy en día, si hacen eso a cualquier película, a la productora le da un infarto. Imaginad un videoclip de una peli de Marvel en la que un mes antes te destripa todos los secretos ¡pero todos! de la película.

Eran otros tiempos y ¡ojo! que tampoco me parece mal y de hecho, teniendo en cuenta la taquilla que consiguió la película, desde luego, no fue una mala decisión.

Dicho esto y yendo al videoclip en sí, la verdad es que no tiene nada de dónde rascar. Las imágenes de la película no tienen nada que ver ni con el "personaje" de Kenny en el videoclip, ni tiene mucho sentido que esté en una habitación, con las gafas y la cámara de fotos pero bueno, servía a un propósito y lo cumplió con creces.

Stacy's Mom (2003) - Fountains of Wayne

M.I.L.F. Advertencia: quién no sepa lo que es, que tenga cuidado al buscar en Google. Sin entrar en contenidos para adultos, en la cultura estadounidense nos hay múltiples ejemplos de la obsesión que hay en este país por este concepto: American Pie (madre de Stiffler), Cómo conocí a vuestra madre (madre de Ted), El graduado (Mrs. Robinson)... contrapunto claro del concepto nabokoviano de "lolita" aunque directamente relacionado: obsesión enfermiza, diferencia de edad, aunque al menos el concepto M.I.L.F. no implica la existencia de menores de edad...

Pero dejando a un lado estas consideraciones, el grupo Fountains of Wayne (cuyo componente Adam Schlesinger murió de COVID hace apenas un año) tuvo un único éxito en su carrera y fue el tema "Stacy's Mom", primer sencillo de su tercer álbum de estudio Welcome Interstate Managers (2003) que incluso les proporcionó una nominación al Grammy como mejor interpretación vocal pop y que tuvo bastante relevancia en el mercado anglosajón. Mejor no entrar tampoco en cómo consiguieron la inspiración para la canción (a mi me ha parecido algo sórdido, pero el que quiera que lo busque) y vayamos al videoclip.

Los compañeros de Stacy ven cómo su madre (la modelo neozelandesa Rachel Hunter, exmujer de Rod Stewart) llega en su coche a recogerla en la puerta del colegio y todos se quedan prendados de ella. Por cierto que en la matrícula del coche aparece I love RIC por Ric Ocasek, cantante de The Cars, quién insinuó que habían plagiado parte de una de sus canciones y a cuya mujer, la también modelo Paulina Porizkova, tantearon para el papel de madre en el videoclip antes que a Hunter, pero que ella lo declinó (de hecho, esta no es la única referencia a Ric y a The Cars en el videoclip). Pero sequimos, aparece entonces la banda. De hecho, cada vez que hay un cambio de escena aparece la banda "dibujada" en blanco y negro sobre fondo violeta apareciendo en cuadros, revistas, gafas de sol...

El caso es que Stacy parece estar interesada en uno de sus compañeros y le invita a su piscina. Ella piensa que el chico también está por ella porque, por una serie de coincidencias, cada vez que se queda obnubilado mirando a la madre, Stacy piensa que es por ella. Luego pasan al jardín donde el chico corta el césped mientras Stacy toma el sol. El chico entonces ve a la madre prácticamente desnuda a mientras recibe un masaje y obnubilado de nuevo, se carga un poste para pájaros . De ahí al salón en el que Stacy y el chico ven actuar en la tele a los Fountains sentados en el sofá, pero él gira la cabeza y ve a la madre de Stacy enseñando canalillo y se la empieza a imaginar a ella como una mezcla de rock star y stripper actuando para él.

Luego Stacy le ofrece un poco de agua, el chico va al baño, desde la ventana ve a la madre saliendo de la piscina en un bikini rojo (recreando la escena de la película Picardías estudiantiles en la que Phoebe Cates sale de la piscina en un bañador rojo mientras Judge Reinhold la mira desde la ventana del baño y fantasea con ella -escena en la que, por cierto, sonaba un tema de The Cars). El caso es que el chico empieza a masturbarse y Stacy ignorando el cartel de ocupado abre la puerta para ofrecerle un zumo pillándole en plena faena. Ella cierra escandalizada pero enseguida empieza a sonreír pensando nueva e ingenuamente que es por ella.

VALORACIÓN

Para el argumento que tiene, el videoclip está hecho con cierto buen gusto aunque la sensación no termina de ser del todo agradable. Puede que para un público joven sí, pero... no sé. Supongo que era eso lo que pretendían con el videoclip así que en ese caso, sería un buen videoclip pero... esta vez no termino de estar demasiado a gusto con la calificación que le doy. No obstante, más allá de la temática, los constantes guiños a The Cars, las referencias a películas, las "sutilezas" como la botella en la piscina... me hacen reafirmarme en mi consideración.

Shrek 2 - I need a hero (Jennifer Saunders - 2004)

Cuando se dice eso de que nunca segundas partes fueron buenas, hay remarcables excepciones (El padrino 2, El imperio contraataca, Capitán América: El soldado de invierno...) y Shrek 2 puede considerarse también para formar parte de ese grupo de secuelas que superan a la película original.

Después de conocer a Shrek y su contexto en la primera película, en la secuela era la hora de conocer el contexto de su mujer Fiona, la princesa del reino Muy muy lejano, y a su familia y la cosa se complica por culpa de los suegros, intrigas políticas, asesinos a sueldo, hadas madrinas y mucho cachondeo.

Lo mejor de la película es, sin duda, su climax final al ritmo de la canción "I need a hero" (2004) interpretada por Jennifer Saunders, la actriz de doblaje del personaje de Hada Madrina, y que no es más (ni menos) que una versión del clásico de Bonnie Tyler "Holding Out for a Hero" (1984) que la artista británica compuso para la película Footloose y cuyo videoclip saldría dos años más tarde, cuando la canción se convirtió en sencillo de su álbum Secret dreams and forbidden fire (1986). Por cierto, que ese videoclip que os dejo aquí, tampoco tiene desperdicio, ¡¡una película del Oeste con estética ochentera!!

Pero vamos al contexto de la escena. Hada Madrina quiere que su hijo Encantador se case con Fiona para pasar a ser el heredero del reino Muy muy lejano. Fiona, que aparentemente ha bebido una poción para enamorarse de la primera persona que la bese, cree que Shrek ha bebido una poción para volverse humano y que es ahora Encantador, pero le encuentra muy cambiado y está con la mosca detrás de la oreja. Viendo esto, Hada Madrina decide "ayudar" a su hijo poniéndose a cantar para que bailen y se besen. Mientras tanto, Shrek, convertido en humano, Asno, convertido en caballo, el ahora aliado y antes asesino a sueldo Gato y el resto de personajes de la primera película, que están al corriente de todo, intentan asaltar el castillo e impedir el beso.

Y aunque muchos crean que lo estoy flipando, aquí arranca una de las mejores escenas del cine de animación... y me quedo corto por acotarlo a la animación y no ir más allá. Para empezar, la referencia a la escena mítica de la película de Los fabulosos Baker Boys con Hada Madrina siendo Michelle Pfeiffer con vestido rojo enseñando pierna encima de un piano de cola y utilizando la varita como micrófono. Después de unas estrofas lentas pasa al ritmo "normal" de la canción al tiempo que aparece la orquesta y el coro y cuando dice por primera vez "Hero", un primerísimo primer plano de los ojos de Shrek que cuando se abre vemos que va en su hombro lleva a Jengi (el muñeco de jengibre) y cuando se abre más vemos que el propio Shrek va subido en el hombro de Mongo, un segundo Muñeco de Jengibre gigante que han horneado específicamente para la ocasión. De hecho, como lo han horneado deprisa y corriendo, al pobre Mongo le falta un hervor y la bolita de fuego que ve acercársele al principio le parece bonita pero cuando le destroza uno de sus botones de caramelo, se enfurece y de una patada lo lanza contra la torre de donde salió reventando la catapulta con la que se la lanzaron.

Se lanzan entonces los tres a bajar el puente levadizo y los soldados contraatacan lanzándole leche caliente para reblandecerle dejándole primero una peluca blanca de nata que es del mismo estilo de una que robaron Shrek, Gato y Asno a un "pobre" aristócrata de aires amanerados cuando buscaban ropa para Shrek. Pero después del chiste, el desastre. Los brazos de Mongo se rompen cayendo al foso con Jengi llorando sobre él mientras éste se hunde y muere. Porque sí, muere. Luego le ponen cantando en la canción del final de la peli... pero desde el fondo del foso y una galleta mojada, no se recupera nunca así que, una muerte heroica más en una película de dibujos animados para la colección. Y mientras pasa todo esto, Encantador -con juego de lengua con rosa en la boca incluidos- bailando tango (con sus connotaciones emocionales y sexuales) con Fiona.

Pero Shrek logra superar la muralla, cargarse a los guardias, bajar el puente levadizo, montar a Asno y con Gato e internarse al galope en el castillo. Pero los guardias les persiguen y Gato decide sacrificarse, pagar su deuda con Shrek al dejarle vivo cuando él intentó matarle, y enfrentarse a los guardias utilizando su "tierna mirada de gato" para que se confíen y atacarles desprevenidos. Y gracias a ello, Shrek irrumpe en el patio del castillo a tiempo para evitar el beso entre Encantador y Fiona

VALORACIÓN

Planos, contraplanos, muertes heroicas, refuerzos positivos, refuerzos negativos, referencias a la propia película, referencias a otras películas, tensión sexual, acción, contraste de secuencias más largas con sucesión de secuencias cortas, sacrificios, redenciones... y todo ello al ritmo de la música que subía y bajaba de intensidad en función de la necesidad de la escena. El que no sepa apreciar todo eso, condensado en tres minutos, necesita ver más cine, del bueno y del malo, para poder apreciar mejor todo lo que nos ofrece esta escena.

20 de abril (1991) - Celtas Cortos

Ayer fue 20 de abril y si en tu cabeza no está resonando ahora mismo "del 90", o eres muy joven o has vivido aislado del panorama musical español en estos últimos 30 años.

La banda vallisoletana publicó en 1991 su tercer álbum de estudio Cuéntame un cuento y, entre los sencillos, aparecía uno de los textos epistolares más famosos de los últimos tiempos, una carta llena de nostalgia que contagió a toda una generación... y a unas cuantas de las que vinieron después, el tema con el que la banda sería recordada a partir de entonces, a pesar de pasarse casi toda la década de los 90 sacando hits: "20 de abril". Miles de personas sin ponerse de acuerdo en si era la cabaña del Turbo, del Turco, del turno, o del Turmo (por cierto, en Benasque, Huesca), y sabiendo que hoy no queda casi nadie de los de antes y los que hay, han cambiado.

Y fue un éxito a base de directos, boca a boca y radio, porque el videoclip de la canción se estrenó el 20 de abril... de 2019, ¡¡28 años después de estrenarse la canción!!

Meses después, salió una nueva versión de la canción con Fito & Fitipaldis e IZAL colaborando con los Celtas para el álbum 30 aniversario de la banda Solo recuerdo lo bueno (2019). También hubo videoclip de aquella versión que os dejo aquí.

Pero antes de entrar en el videoclip oficial, la canción es tan mítica, que un apenas unos meses después de esa segunda versión de la canción, y ya en plena pandemia COVID, cuanto todavía no se sabía nada (o casi) del virus y el personal de los centros sanitarios era aplaudido sin falta a las 20:00 horas todos los días, los Celtas Cortos llamaron a un grupo de amigos (M-Clan, el Gran Wyoming, Despistaos, Amaral, La Pegatina, Mojinos Escozíos y más) para grabar una tercera versión y destinar todo lo que recaudasen con ella a la ONG Médicos sin fronteras bajo el lema "No nos podrán parar" otro de sus temas más míticos.

Aquí lo dejo porque también merece la pena

Pero el videoclip para el análisis es el otro, el oficial, en el que  la "Chata" recibe 29 años después, la carta que le escribió Cifu (el cantante de los Celtas) aquel 20 de abril del 90 y ella se puso a recordar. Recordar cuando eran chavales, recordar la cabaña del Turmo y todo lo demás para terminar encontrando una brújula en el sobre, para seguir su camino.

VALORACIÓN

Nostalgia. No hay más. El videoclip en sí son unos chavales haciendo cosas de chavales en un ambiente rural. Todo lo demás, no importa. ¿Es un buen videoclip? Si te ha transmitido nostalgia, sí. Si no lo ha hecho, pensarás que es aburrido, eterno y simplón. Así que en este caso, no voy a ser yo el que decida. Que cada uno le ponga el calificativo que quiera.

Sin documentos (1993) - Los Rodríguez

Para los que hoy en día conocen a Los Rodríguez puede parecer difícil de creer porque entre 1993 y 1996 se convirtieron en HISTORIA del rock en español, pero en 1992, año en el que se gestó el álbum Sin documentos (1993), el grupo estaba al borde de la desaparición, casi arruinados y sin ninguna discográfica que confiara en ellos. El primer disco Buena suerte (1991) había pasado desapercibido en España por la quiebra de la productora al poco de salir el álbum al mercado y en 1992 publicaron un disco en directo, Disco Pirata, que les permitió mantenerse un poco activos. Lo suficiente para volver a intentarlo pero no como para que les contratase nadie. Y, como en las películas, fue en el último momento en el que apareció una discográfica que confió en ellos y les llevó al estrellato.

Este artículo de la edición argentina de la revista Rolling Stone que recoge el también argentino diario La Nación, recoge con amplio detalle aquellos momentos de la vida de Andrés Calamaro, los ex Tequila Julián Infante y Ariel Rot y Germán Viella y se lo recomiendo a cualquiera que tenga curiosidad por el grupo.

De ahí se entiende el porqué del videoclip que acompañó a la canción "Sin documentos". El grupo subido en lo alto de un cerro del municipio madrileño de Colmenar Viejo toca la canción mientras se van sucediendo imágenes de un chaval montando a caballo a pecho palomo con el torso descubierto que luego se da el lote con la chica que le sostiene el caballo cuando están en una especie de finca.

VALORACIÓN

¿Dónde se enchufan los instrumentos? ¿Funcionan con energía solar o los enchufan en las piedras para la energía geotérmica?

Vale, esto mismo se puede decir de mil millones de videoclips de todo tipo de artistas pero es que en este caso, hay poco más que decir. De hecho, normalmente hay una historia y, entre medias, aparece el cantante o la banda interpretando la canción. En este videoclip es al revés, el leitmotiv es la banda tocando y lo que aparece entre medias es la historia de la pareja. Y digo "historia" por llamarlo de alguna manera porque ni tiene sentido con la letra de la canción (porque si ahí hay tensión romántica, que venga dios y lo vea) ni con el resto del videoclip, ni con nada. Ni hay argumento ni se le espera. Ni tampoco se espera una explicación de por qué a veces son cuatro y a veces son cinco en el cerro. ¿Qué pasa, que uno llegó tarde?

Si alguien ha llegado a leer el artículo de Rolling Stone, sabrá que se grabó en un solo día porque no había dinero y demás problemas pero, con todo mi pesar por lo bueno y mítico que es el tema, el videoclip es una puta mierda. Eh, y aún así, les dio popularidad en España y Latinoamérica. El que tenga la clave del éxito, que la publique.

The invisible man (1989) – Queen

En 1989 Queen tenía mucha presión encima. Habían pasado tres años de su último álbum, el megaexitoso A kind of magic (1896), se habían separado y vuelto a juntar y May, Taylor y Deacon ya sabían que Freddie Mercury tenía SIDA y que había empezado su cuenta atrás para que la enfermedad acabara con él. Estaban buscando inspiración en por todas partes para el que sería The Miracle (1989) el decimotercer álbum de estudio de la banda y cuenta la leyenda que a Roger Taylor se le ocurrió la línea de bajo que se mantiene en la canción de principio a fin mientras leía el libro de H.G. Wells El Hombre Invisible. Las malas lenguas, sin embargo, dicen que la inspiración no podía provenir de otro sitio que de la canción de Ray Parker Jr. "Ghostbusters" de 1984, que ya se analizó aquí y en la que no solo se menciona ya a un "invisible man" sino que la melodía de las estrofas parece tener bastante que ver con la de Queen.

Pero viniera de donde viniera la inspiración, el caso es que este "The Invisible Man", que fue el tercer sencillo de aquel álbum, fue una nueva apuesta por evitar el encasillamiento en ningún género de la banda acercándose a la música electrónica, tan de actualidad en aquella época. 

Y si la canción fue un éxito, mucho tuvo que ver el videoclip en el que, en la habitación de un niño, mientras él come con su familia en la planta baja, el videojuego "Invisible Man" se conecta solo al ordenador, dando acceso al videojuego a los cuatro miembros de la banda que andaban interpretando la canción en una especie de "mundo paralelo futurista". Cuando el niño sube a su cuarto a ver qué pasa, empieza a jugar al ordenador disparando a los miembros de la banda y cuando dispara a Freddie en el videojuego, éste que ya andada pululando por la casa, se hace visible en la habitación. Le empieza a disparar lásers con el joystick como en el videojuego hasta que le acierta y desaparece... solo para aparecer después con los otros tres en el armario (el mundo paralelo futurista no estaba tan lejos, después de todo) y ahí ya se descontrola todo, Brian May lanza lásers con su guitarra en el solo, se ponen todos a bailar, festival de luces y... antes de irse, May le lanza su sombrero vaquero al niño que, al ponérselo, se hace un nuevo personaje del videojuego marcando el "Game Over" de la canción

VALORACIÓN

Los que no conozcan bien al grupo podrán asombrarse de que Queen tuviera música electrónica entre su repertorio pero tenían eso y mucho más. La canción es pegadiza y el ritmo machacón para bien, el escuchar el nombre de cada miembro de la banda escondido entre la letra tiene su puntito y el videoclip redondea el todo. Porque el videoclip es muy chulo. Por supuesto, ha envejecido mal, porque lo que se ve de un videojuego de entonces nada tiene que ver con lo que son los videojuegos de ahora, pero a finales de los ochenta aquello era una pasada. Disparar lásers con la guitarra era una pasada, si me apuras, los videojuegos en color eran una pasada y el juego de luces, el convertirse en sombras, el formar parte de un videojuego, que el niño al final entre dentro del videojuego (mucho antes de que Jumanji apareciese en nuestras vidas) y esas gafas de Freddie con la chupa de cuero... Sin duda un videoclip de los buenos.

Mayores (2017) – Becky G ft. Bad Bunny

Recientemente, el "bueno" de Bad Bunny, ha salido en las noticias no por su faceta musical sino por participar en un combate por parejas de lucha libre de la WWE tras el que se convirtió, nada más y nada menos, que en campeón de la categoría. Sin entrar a comentar la noticia y aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid, me ha parecido un buen momento de recordar la colaboración que hizo el puertorriqueño con la mejicano-estadounidense Becky G.

En 2017 y con apenas 20 primaveras, Becky G, ya había saboreado las mieles del éxito siendo la primera superhéroina latina en el cine con su participación en la película de los Power Rangers y con colaboraciones en canciones en inglés pero, según cuenta la leyenda, inspirada por los comentarios que le llegaban al hacerse público que salía con Sebastián Lletget, un jugador de fútbol estadounidense 5 años mayor que ella, medio en broma medio en serio compuso la canción "Mayores", cuyo estribillo comienza por el verso A mí me gustan mayores (...) y cuya letra al completo está llena de provocaciones y dobles sentidos.

Fue número 1 en las listas especializadas de varios países, casi dos mil millones de reproducciones en Youtube en menos de 4 años... y que terminaría convirtiéndose en el primer sencillo del álbum debut de la cantante Mala Santa (2019). Pero el éxito y la polémica llegaron de la mano y esos versos de "a mi me gustan más grandes; que no me quepan en la boca (...)" fueron censurados en varios programas de televisión, incluido Operación Triunfo. La canción generó también un intenso debate, en el que no pienso entrar, en si es una canción machista (por el tipo de hombre que se describe entre las preferencias de la mujer de la canción) o si es feminista (por el empoderamiento de la mujer para expresar libremente lo que quiere y sus gustos sexuales) y todo ello no hizo más que acrecentar el éxito de la canción.

También ayudo el videoclip, en el que Becky, restregándose sensualmente por lo que parece el sofá de una sala VIP de un local nocturno, va cantando la canción y se van entreviendo escenas de la parte del argumento del videoclip en la que Becky es camarera de un bar, con Bad Bunny detrás de la barra, en el que entra partiendo la pana un desconocido de mediana edad interpretado por el actor americano Casper Smart y que ¡oh sorpresa! se "fija" en ella y rosa y maneras de caballero mediante, parece que la conquista. Ahí Becky deja el sofá y aparece en el techo del que podría ser el mismo local nocturno pero no porque en el letrero pone "Hotel" (guiño, guiño) junto con Bad Bunny que empieza la (no podía faltar) parte rapeada de la canción en la que dice que él también es un macho alfa y todas esas mierdas. El caso es que mientras cantan y bailan, en la parte argumental del videoclip, el desconocido de mediana edad se lleva en su Rolls Royce clásico a Becky a su mansión. Llegan, cómo no, a la cama y ella le ata las manos al cabecero y le empieza a quitar sensualmente que si la corbata, que si el reloj... hasta que se descubre que ella en realidad le ha atado para poder robarle y cuando sale de la casa con el botín, ahí le está esperando Bad Bunny, que es más de su edad, para irse juntos en el Rolls del desconocido de mediana edad.

VALORACIÓN

El videoclip cuenta una historia y eso ya es mucho más de lo que hacen la mayoría de los videoclips de este tipo de música. No sé por qué me da que el giro final es un intento de "blanquear" la letra de la canción que, por mucho que busques, solo habla de lo que habla y de lo que prefiere la protagonista de la misma, con una seducción a un hombre mayor solo para robarle porque a ella no le gustan mayores ni más grandes sino que se queda con los de su edad y poco más o menos de su "misma altura" (guiño, guiño).

Pero reconozco que, aún si fuera ese el motivo, el videoclip me parece bastante bueno. Hay dinerito ahí metido en producción (el coche, la mansión, distintos decorados...), como ya he dicho antes, cuenta una historia, juegan con la iluminación en los distintos escenarios en los que se desarrolla todo... no le encuentro ninguna pega.

Learn to fly (1999) – Foo Fighters

El primer sencillo de There is nothing left to loose (1999), el tercer álbum de estudio de los Foo Fighters, no es que fuese un megaéxito internacional y sin embargo los 1.000 (sí, mil) integrantes italianos de Rocking' 1000, los autodenominados "The Biggest Rock Band on Earth" les homenajearon en 2015 tocando en vivo todos juntos esta canción para convencer al grupo de ir a tocar a su ciudad Cesena. Y desde entonces, ahí siguen dando caña y llenando estadios.

El caso es que esta canción sin llegar a número 1 en ningún país, ni necesidad que tuvo de ello, no solo ha sido homenajeada, sino que ganó un Grammy al mejor videoclip musical corto en la gala del año 2000. Videoclip que es a su vez un homenaje a la película Aterriza como puedas, que es una parodia de las películas Aeropuerto 75 y Aeropuerto 77 y que cuenta con el grupo Tenacious D (compuesto por Kayle Gass y nada más y nada menos que Jack Black) como cameos en el videoclip.

En él, los encargados de la limpieza del avión (Kayle y Jack) que intentaban pasar una droga llamada World Domination "Erotic" Sleeping Powder en el avión, tienen que esconder rápidamente sus "narcóticos en forma de polvo" para evitar ser descubiertos por un auxiliar de vuelo y sin encontrar un sitio mejor terminan en la máquina de café, que al final termina intoxicando a todo el avión. Los miembros de la banda, que se interpretan a sí mismos, también van en el avión y son los únicos que no se intoxican por lo que, cuando todos terminan dormidos por efectos de las drogas, son ellos, los que tienen que hacerse cargo de la situación y hacer aterrizar el avión, cosa que consiguen con éxito y al final, los encargados de la limpieza que han provocado todo, terminan siendo detenidos por el F.B.I.

VALORACIÓN

Es cierto que Jack Black está bastante desaprovechado porque apenas tiene no ya minutos sino segundos de metraje pero el videoclip es lo suficientemente divertido como para no echar de menos mayor participación de Black. 

Los tres miembros de la banda interpretando a múltiples personajes no era tampoco algo nuevo en aquella época y, sin embargo, funcionaba entonces y sigue funcionando ahora más de 20 años después. Gracioso el bebé con cara de hombre adulto, graciosa la fan salidorra de la banda relamiéndose mientras le firman el CD, gracioso el auxiliar de vuelo, del que se insinúa mantiene una relación homosexual con el piloto, volando fuera del avión y gracioso que mientras en la película de Aterriza como puedas, para entretener al pasaje durante el vuelo les ponían películas de accidentes de avión, en este en el que viajan los Foo Fighters, les ponen conciertos de los Foo Fighters... como excusa para luego intercalar con la acción escenas del grupo interpretando la canción en un concierto.

Creo que el Grammy de aquel año, estuvo bien merecido.

¿En qué piensan las mujeres? – I won’t dance (Frank Sinatra – 1957)

En el año 2000 se estrenó la película ¿En qué piensan las mujeres? protagonizada por Mel Gibson y Helen Hunt, una de tantas comedias románticas americanas de hombres contra mujeres, o roles masculinos contra roles femeninos, en los que al final el hombre aprende a ser menos hombre y la mujer termina cediendo al ver que sí hay sentimientos debajo de tanta fachada. Me imagino que si hoy en día alguna feminista le da por escribir la crítica de esta película, se lo iba a pasar pipa...

Previa a la electrocución de Mel Gibson en la bañera que le otorga el poder de escuchar los pensamientos de todas las mujeres, su nueva jefa Helen Hunt, que le ha "quitado" el puesto al que él aspiraba, después de decirle que su aproximación machista a la publicidad está desfasada, le ha obligado a probar y buscar ideas de publicidad para un lote de productos de belleza. Y Gibson, para "armarse de valor" se sirve una copa de vino mientras pone en el tocadiscos un vinilo del prototipo de hombre por excelencia en los Estados Unidos, Frank Sinatra, interpretando la canción "I won't dance", de su álbum A swingin' affair! (1957).

Esta canción es un cover de un tema originalmente compuesto para el musical Three Sisters (1934) pero que sin embargo se convirtió en todo un éxito en 1935 cuando Fred Astaire y Ginger Rogers lo interpretaron un año después en la película musical Roberta.

VALORACIÓN

Desde luego, la escena de Fred Astaire "negándose" a bailar con Ginger Rogers es infinitamente mejor que ver a Mel Gibson bailando con un perchero, por muchos malabares que haga con el sombrero "sinatrero" que luce en la escena.

Recuerdo ver esta película por primera vez y pensar que esta escena era totalmente innecesaria y que si estaba en la película era más para lucimiento y pompa del actor, que por necesidades de guion porque ya había quedado claramente establecido lo machista y playboy sin sentimientos que era el personaje antes de llegar a esa escena. No obstante, habrá quién disfrute viéndole contonearse al ritmo de Sinatra. De hecho, si la película llegó a recaudar 374 millones de dólares en todo el mundo, será porque hubo bastantes que pensaron que la escena no era tan ridícula como me pareció a mí.

Por cierto, dato no relacionado, los marvelitas y fans de MCU seguro que disfrutan de esta película en la que hasta tres personajes secundarios aparecen en las películas de Marvel: Marisa Tomei (saga Spiderman), Judy Greer (saga Ant-Man) y Ashley Johnson (Los Vengadores). Y si ya termina entrando Mel Gibson en el MCU como se ha rumoreado desde hace mucho tiempo, estaríamos llegando a un nivel similar del de la película El sueño de mi vida, como ya vimos aquí.

Eloise (1987) – Tino Casal

Tino Casal murió en un accidente de tráfico en 1991 a la edad de 41 años. A su funeral asistieron, más allá de artistas del panorama musical español, David Bowie, George Michael y Boy George. ¿Dónde habría llegado de no ser por aquel accidente? Nunca lo sabremos pero solo viendo lo que hizo con la canción de "Eloise", es fácil soñar con lo que habría podido conseguir.

En 1985, en la inauguración de la discoteca Pachá Valencia, Tino se hizo un esguince de tobillo, para el que se automedicó a saco porque no quiso que eso le cortase la gira de conciertos. Mala idea, porque que terminó necrosándole las dos piernas, lo que le obligó a muchos meses de baja en silla de ruedas en su casa de Oviedo. Allí, casi sin comer, pero bebiendo mucho, deprimido y buscando algo que le ayudase a salir del pozo, decidió hacer una versión del tema "Eloise".

Porque sí, efectivamente, el tema de Tino es un cover de la canción "Eloise" (1968) del británico Barry Ryan que fue nº 2 en Reino Unido pero nº 1 en hasta 17 países  y que llegó a vender más de tres millones de copias en todo el mundo. Y tampoco fue la de Tino la primera versión de aquella canción, el francés Claude François (1969), la italiana Mina (1985) o los británicos The Damned (1986) sacaron sus propias versiones antes que la del asturiano, y otros muchos las sacaron después pero ninguna se acercó a lo que hizo Tino Casal con el que sería el primer sencillo de su cuarto álbum de estudio Lágrimas de cocodrilo (1987).

90 músicos y 8 días de grabación en Abby Road hasta conseguir la tonalidad vocal perfecta fue en lo que se gastaron los 12.000€ de presupuesto que tuvieron para grabar aquella canción, que en aquellos tiempos, eso era mucho dinero. Y claro, si se gastaron eso en la canción, para el videoclip no quedaría gran cosa y en realidad, eso se ve reflejado en el resultado. Hay poco que decir en cuanto a la temática del mismo, con Tino y parte de la banda en un pequeño escenario, interpretando la canción, pero se le van añadiendo todos los "trucos visuales" habidos y por haber en aquella época, incluido un recorrido en primer plano de las piernas de una chica ¿de la banda?

VALORACIÓN

El videoclip es pobre, por muchos efectos visuales "chulos" que le intentasen poner y que hoy en día han quedado tan desfasados que es imposible que no te aparezca una media sonrisa al verlos. A parte de eso, poco más hay que decir, ni para bien, ni para mal, pero estamos ante una canción tan mítica, con tantos matices, tantos registros vocales que se disfruta casi más con un videoclip malo, que con uno bueno, porque en este caso, lo único que cuenta es la música y la voz.

Torn (1997) – Natalie Imbruglia

La historia de la canción "Torn" es muy curiosa porque tuvo un cover... ¡¡antes incluso de que se publicara la canción original!!

El tema fue compuesto en 1993 por los que en 1995 se convertirían en Ednaswap, un grupo estadounidense de rock alternativo conocido en su casa a la hora de comer que se disolvió en 1999. El caso es que si bien este tema terminaría siendo el segundo sencillo de su álbum debut Ednaswap (1995) la canción fue compuesta en 1993 y ese año, la cantante danesa Lis Sørensen, conocida en su casa a la hora de merendar, la tradujo al danés y publicó la primera versión de la canción... sin haberse dado a conocer al público la versión original.

Varios artistas han versionado o interpretado este tema desde entonces pero fue la australiana Natalie Imbruglia quién la aupó a los altares de las canciones de desamor con su versión, convirtiéndose en su carta de presentación en la música en 1997, llegando a número 1 en varios países, incluido España, y consiguiéndole una nominación a los Grammy como mejor interpretación vocal pop femenina. Nunca volvió a repetir aquel éxito de su debut (pero ni de lejos) ni en el panorama musical ni en la actuación en la que ha tenido varios acercamientos en forma de papeles en series, películas, publicidad...

El videoclip nos presenta a Natalie, con su aire grunge noventero ante una cámara fija, que no se mueve en ningún momento del videoclip, grabando el propio videoclip, con el actor Jeremy Sheffield, conocido en su casa a la hora de cenar, y con numerosos miembros del equipo técnico entrando y saliendo de plano, corrigiendo posiciones de los actores, decorado, peluquería, etc. mezclado con imágenes de ella bailando y cantando mirando fijamente a la cámara.

VALORACIÓN

El videoclip me gusta. La cámara no está fija del todo, porque entre corte y corte se pueden apreciar ligeras diferencias en el encuadre que solo pueden ser debidos a movimientos en la cámara, pero en general la sensación es de un único punto fijo de visión sobre el que pasan cosas que se ven y que no se ven, como los miembros del equipo de producción que aparecen cuando desmontan el decorado o cuando entran y salen del plano.

Por otro lado, ver la parte que no se ve, de la grabación del videoclip es siempre llamativo y original y capta la atención del espectador casi más que los propios "protagonistas" del videoclip. La escena del beso... la canción trata sobre amor y desamor, el videoclip representa eso más o menos, el que ella mire al director justo después del beso con cierta cara de incomodidad le da un matiz a la escena y aunque parece que todo eso tiene sentido, en realidad es lo que menos me ha convencido del videoclip. Una vez visto, no parece necesario cuando todas las demás escenas eran, por así decirlo, tomas falsas, y ésta se ha visto entera.

Pero bueno, aún con eso, aceptamos barco como animal acuático.

Livin’ on a Prayer (1986) – Bon Jovi

Para la cadena de música VH1, "Livin' on a Prayer" es la mejor canción de la década de los '80 por lo que ya de entrada, el tema del videoclip de hoy no es cualquier cosa. De hecho, si Bon Jovi cierra todos sus conciertos con este tema, por algo será. No por nada, fue el álbum más vendido en los Estados Unidos en 1987.

El caso es que este fue el segundo sencillo del álbum Slippery when wet (1986) el tercer álbum de estudio de la banda y la confirmación como uno de los grupos de Rock más exitosos de la historia, tras el éxito de "Runaway" de su primer álbum Bon Jovi (1983) que no terminó de despegar con el siguiente álbum 7800º Fahrenheit (1985).

El tema está coescrito con el productor Desmond Child, que introdujo su propia historia personal en la letra de la canción. Tanto es así que los Tommy y Gina protagonistas de la historia eran él y su novia de entonces. Johnny era su nombre real (pero como no podía utilizarlo porque parecería que se referían al propio Jon Bon Jovi, buscaron el fonéticamente más parecido) y Gina, el nombre de camarera/cantante de su novia en el restaurante/espectáculo "Once upon a Stove" (la canción empieza con un "Once upon a Time..."). Por cierto que Tommy y Gina aparecerían después en varios temas de la banda.

No obstante, el videoclip no trata la historia de esta pareja. De hecho, en sí, no trata prácticamente de nada. Son ensayos y pruebas de sonido de este tema previos al concierto mientras terminan de montar el escenario, en blanco y negro, y luego ya a todo color, la actuación durante el concierto. Sin más pero sin ni menos.

VALORACIÓN

A veces menos es más y, aunque en ocasiones, los artistas se quedan cortos, esta no es una de esas veces. El videoclip está hecho para los fans y refleja el buen rollo que hay entre los miembros de la banda, lo bien que se lo pasan con su vida de estrellas de rock y que todo lo que ensayan lo hacen para poder dar lo mejor de sí mismos a los fans a la hora del concierto. Puede ser real o no, que cada uno piense y se crea lo que quiera pero, desde luego, los fans quedaron encantados con el resultado. Y los no fans, también, porque sabe transmitir bien las emociones tanto en el blanco y negro con ellos solos como en color con todos los fans. Por supuesto ayuda el carisma de Jon Bon Jovi y de Richie Sambora, pero en términos generales, estamos ante un gran videoclip.