Scott Pilgrim contra el mundo - Black Sheep (Brie Larson ft. Metric - 2010)

GÉNEROS MUSICALES

Indie Rock, New Wave, Synth-Pop.

ANÁLISIS

Para celebrar el 10º aniversario de la película Scott Pilgrim contra el mundo (2010) se va a lanzar una edición especial de su B.S.O. (con 12 canciones adicionales) abanderada por el mismo tema que sirvió de promoción para aquella película "BlackSheep" pero no interpretada por sus compositores, los canadienses Metric, como en 2010, sino por la actriz que la interpretó durante la película, la también canadiense Brie Larson, en el rol de Envy Adams, la líder del grupo The Clash at Demonhead y exnovia de Scott (Michael Cera).

La película, que es la adaptación de un cómic homónimo, a pesar de no tener un gran éxito comercial se convirtió en culto de manera inmediata, siendo un referente de la cultura geek.

En la película, Scott y Ramona (Mary Elizabeth Winstead, la chica de sus sueños) van a un concierto de The Clash at Demonhead, el nuevo grupo de su ex-novia que le dejó, a él y a su grupo Sex Bob-omb, en busca de una evolución en su vida personal y profesional. Allí Scott descubre que el bajista del grupo (Brandon Routh), actual novio de su ex y al que el propio Scott considera mejor que él en todo, es el antiguo novio de Ramona y que va a tener que "luchar" contra él para conseguir el amor de ésta.

Porque sí, en esta película, Scott tiene que luchar contra todos los ex de su novia para hacerse valer, que ella pase página y los olvide y pueda tener una relación con él. Pero luchas, luchas, muy locas, de videojuego, cómic y fantasías varias.

El videoclip está íntegramente formado por escenas de la película, principalmente de la actuación de Larson pero a partir de la mitad de la canción empiezan a entremezclarse escenas de la relación de amor de los protagonistas y de las surrealistas luchas a las que va a tener que hacer frente Scott para lograr su objetivo.

Destacar por último el plantel, casi cantera, superheróica de la película porque tenemos a dos capitanes y Vengadores de Marvel: Capitana Marvel (Larson) y Capitán América (Chris Evans, otro ex de Ramona), a Routh que fue Superman en el cine (Superman Returns) y Átomo en la televisión (DC's Legends of Tomorrow), Winstead (Cazadora/Huntress) en la película Aves de Presa y si me apuras hasta Cera, que dio voz a Robin en Batman: La LEGO Película.

VALORACIÓN

El videoclip sirve para su propósito, que es mostrar en tres minutos de qué va la película, cosa que no es fácil porque es una locura, pero se ve la relación entre los protagonistas, las luchas de Scott contra los ex de ella, las onomatopeyas comiqueras, la estética de videojuego, las presentaciones de personajes secundarios, los momentos de ensoñaciones... Además incluye un buen trozo de una escena de la película y una buena interpretación vocal de Larson. Pocas pegas puedo poner.

Whatzupwitu (1993) - Eddie Murphy ft. Michael Jackson

GÉNEROS MUSICALES

Soul, R&B, Psychedelic Pop.

ANÁLISIS

Pocos recordarán que Eddie Murphy tuvo una carrera musical (bueno, mejor dicho, pocos recordarán a Eddie Murphy) y lo cierto es que eso que llevan ganado porque si sus dotes cómicas eran innegables y sus dotes como actor cuestionables, sus dotes como cantante eran... inexistentes.

Y aún así la canción de hoy es el primer sencillo de su, nada más y nada menos que, tercer, y a la postre último, álbum de estudio, Love's Alright (1993). Álbum que, decir que no le fue muy bien a nivel crítica y público sería un eufemismo... y de los gordos.

El caso es que el bueno de Eddie había participado en el videoclip "Remember the Time" de Michael Jackson en 1992, que ya se analizó aquí, y por lo visto quiso cobrarse el favor, porque no me creo que Michael quisiera devolvérselo con esta canción argumentando, como argumentó, que le gustaba porque hablaba de paz, consiguiendo una colaboración para el tema "Whatzupwitu" que es la deformación fonética de What's up with you.

El videoclip, que en 1999 los espectadores de MTV lo consideraron el tercer peor videoclip de la historia es... Ni siquiera encuentro un adjetivo.

Murphy, con una paloma en la mano, ve en un charco a un payaso triste con un hongo nuclear de fondo que le dice que el elefante se está muriendo para ver inmediatamente después en dibujos animados a tres elefantes subidos a una tortuga de mar sosteniendo el planeta Tierra que se termina cayendo, reventando y revelando en su interior un corazón. Estos son los 10 primeros segundos del videoclip. El resto es Eddie, con Michael y luego un coro, bailando en el cielo con animaciones de corazones, símbolos de paz, notas musicales y demás filigranas animadas alrededor de todos ellos.

VALORACIÓN

Quiero pensar que el poder que en aquel entonces tenía Eddie Murphy era tan grande que todo el mundo a todo le decía que sí, porque si no es por ese motivo hay que estar muy fumado para idear un videoclip así, convencer a los productores, convencer a Michael Jackson, a los dibujantes y no sé a quién más de que esta era una buena idea.

Los primeros 10 segundos son tan locos que te dejan descolocado con la boca abierta, pero es que a partir de ahí, todo es asombro, incredulidad y vergüenza ajena. No hay nada salvable. No lo he mirado (todavía) pero si en 1999 éste era el tercer peor videoclip de la historia, miedo me da saber cuáles eran los otros dos.

Tighten Up (2010) - The Black Keys

GÉNEROS MUSICALES

Blues Rock, Garage Rock.

ANÁLISIS

No es la primera vez que aparecen los Black Keys en este blog y uno de los principales motivos es lo bien y mucho que cuidan sus videoclips. Tanto que incluso se atreven a reírse de ellos mismos y del resto del mundo en ellos y hasta a hacer varios videoclips para el mismo tema.

Esto fue lo que pasó para el sencillo "Tighten Up", el primero de su sexto álbum de estudio, Brothers (2010), que tiene dos videoclips. El "oficial", dirigido por Chris Marrs Piliero, que ganó el último premio MTV a video revelación que se entregó en la historia de esos premios, en 2010. Y el original, que salió un poco antes y que es el que motiva esta entrada.

Y es que el videoclip original nos presenta a Frank, una marioneta Funkasaurus Rex que "interpreta" la canción al lado de una planta frente a una cámara fija. Pero no una marioneta de las buenas, no, una de mercadillo de las baratas, al lado de un ficus para que parezca el cretácico. ¿Y cómo sabemos el nombre, la raza, etc.? Por los subtítulos que van apareciendo durante el transcurrir de la canción, que nos incitan a que compremos el disco, que nos presentan a Frank, que nos informan de su disponibilidad para citas, que nos insultan y que, al final, nos piden perdón.

Para los que anden un poco flojos en inglés, esta es la transcripción de los subtítulos: Esta es una canción de The Black Keys. El nombre de la canción es Tighten Up. Procede de un disco titulado Brothers. Esto es una marioneta, no un dinosaurio real. Se llama Frank. Frank es un Funkasaurus Rex. Frank tiene un perfil en eharmony.com, por si a cualquiera de ustedes señoritas solteras le van las marionetas de dinosaurio con simpáticos movimientos de baile. ¿Es cosa mía o es un poco raro que la mayoría de las marionetas requieran que empujes tu puño por su culo para que funcionen? ¿Sólo me lo pregunto yo? Bueno, pues que os jodan. Perdonad por haberos gritado, ha sido un arrebato innecesario. Por favor, perdonadme y aseguraos de comprar el nuevo disco de The Black Keys, Brothers, cuando salga el 18 de mayo. Hacedlo por Frank.

Esto, que pretendía ser una crítica/homenaje a los programas infantiles americanos de los años '50, '60, '70 y hasta '80 en los que actores disfrazados de todo tipo de bichos amables "instruían" las mentes de niños y niñas estadounidenses de aquellos tiempos, tuvo tanto éxito que volvió a aparecer nuevamente en un segundo videoclip en el tercer y último sencillo de aquel álbum, "Next Girl" (2011) que ya se analizó aquí.

Dicho esto, y, en vista de que ganó un premio, qué menos que poner también el videoclip oficial, que también fue dirigido por Piliero y que no por menos cachondo, es menos bueno.

El dúo lleva a sus hijos al parque y mientras ellos se quedan sentados en un banco, los niños se quedan embelesados por una niña y empiezan a "cantar" la canción. La niña juega con los dos así que los niños terminan peleando entre ellos. Cuando los padres deciden intervenir y parar la pelea, el resto de niños del parque se les echa encima y mientras se intentan zafar de ellos aparece la madre de la niña, la no muy conocida actriz española Carlotta Elektra Bosch, que deja embelesados a los padres, que sonríe a ambos y que les hace reaccionar igual que sus hijos con la niña, interpretando la canción y peleando por la atención de la madre, que termina yéndose asqueada.

VALORACIÓN

El videoclip oficial es muy bueno, pero yo me quedo con el cachondeo del primero, su simpleza, su locura y su enésima muestra de que con buenas ideas, no hace falta tener muchos medios ni invertir mucho dinero para hacer algo que merezca la pena de ser visto. Para mi, un videoclip muy bueno... y el otro también, pero que cada uno ordene sus preferencias como mejor le parezca.

We Are Never Ever Getting Back Together (2012) - Taylor Swift

GÉNEROS MUSICALES

Bubblegum Pop, Electropop, Pop Rock, Dance-Pop.

ANÁLISIS

Taylor Swift fue dejando el country inicial de su carrera por el pop más bailable y comercial y haciendo bueno el Grammy a la  mejor canción para medios visuales y la nominación a Globo de Oro que se llevó por su participación en la B.S.O. de la película Los Juegos del Hambre (2012) su cuarto álbum de estudio Red (2012) ya marcó definitivamente el paso de un estilo a otro aunque la mezcla de géneros de las canciones del álbum dejó algo desconcertada a la industria. Tanto es así que hasta recibió nominaciones a mejor álbum country.

Pero la declaración de intenciones del cambio llegó con el primer sencillo de aquel álbum, el tema "We are never ever getting back together" en el que el country ni estaba, ni se le esperaba.

El sencillo se convirtió en uno de los más vendidos de la historia de la música, número 1 en los Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelanda y varios premios y nominaciones más y, en este caso sí que tuvo algo que ver el videoclip.

Grabado en una única toma sin cortes, empieza con la Swift en pijama en la ventana de su casa, rompiendo con el novio y echándole fuera de casa tras lo que se pone a bailar con sus peluches (que ahora son los miembros de su banda disfrazados y que van a aparecer cada vez que se pierda de vista a la cantante en cada momento del videoclip).

Perdemos de vista a Taylor unos segundos hasta que sus músicos dejan ver de fondo una televisión en la que están con ella interpretando la canción y de repente la pared con la televisión incluida se abren para ver el comedor y a ella, con el primer cambio de vestuario, comentándole la historia a un amigo.

En estas que el ex la llama al teléfono mientras está de juerga en un bar sin hacer caso a una chica que le muestra "afecto". La llamada termina en discusión y la cámara se va hacia el bar en el que se pierde de vista a los dos protagonistas que aparecen de nuevo en un coche, con el segundo cambio de vestuario de ella y en el que siguen discutiendo.

Nueva desaparición de ambos y reaparición paseando en un parque, con el tercer cambio de vestuario de ella, en el que parece que va a haber reconciliación pero no, porque ella le vuelve a decir que no, y lo confirma al llegar a casa, meterse en la cama y comentar la jugada por teléfono.

Se levanta entonces de la cama y hay una fiesta en su casa a la que llega con el cuarto cambio de vestuario y a la que intenta acceder su ex pero ella le da con la puerta en las narices y se va a la ventana donde empezó todo.

VALORACIÓN

El videoclip está muy bien hecho, en una sola toma real y con mucho mérito por los continuos cambios de vestuario. Lástima que en comparación el chaval parezca un pordiosero por llevar siempre la misma ropa, menos al final, que digo yo que a lo mejor se debieron de dar cuenta de que si solo cambiaban la ropa de uno de los dos quedaba raro. Eso o ella realmente le dejó por guarro, por no cambiarse de camisa en una semana.

El caso es que el resultado es bueno. Creo que abusan un poco de los músicos disfrazados para rellenar en las transiciones, pero mentiría si no dijera que me parece un buen videoclip.

Walk This Way (1986) - Run-DMC ft. Aerosmith

GÉNEROS MUSICALES

Rap Rock, Hard Rock.

ANÁLISIS

Si bien es verdad que esta canción no fue la primera en su género su relevancia fue tal que consiguió crear el género al que pertenecía. Me explico, los estudiosos de esto dicen que la primera mezcla de Hip Hop y Rock fue en 1981 con el tema "Rapture" de Blondie en colaboración con Fab Five Freddy pero no fue hasta la llegada de este "Walk this way" y su rotundo éxito en el que el género tomaría forma como tal e influiría en temas posteriores.

Todo empezó en 1975 cuando los Aerosmith sacaron el álbum Toys in the Attic, el tercero de su amplia discografía, en el que el tema "Walk this way" fue su segundo sencillo que alcanzaría el Top 10 en las listas de Estados Unidos y Canadá.

Durante la primera mitad de la década de los '80 la popularidad del grupo había decaído bastante y de ahí que cuando los Run-DMC utilizaban los ritmos de los primeros segundos de la canción para realizar sus improvisaciones de rap en sus conciertos, los integrantes del grupo no tenían ni idea de dónde habían salido y ni siquiera que formaban parte de todo un tema completo. El que sí lo sabía, porque era él quién les había proporcionado esos ritmos, era su productor y les convenció de grabar un cover de la canción para el que contaron con la participación de Steve Tyler y Joe Perry y que fue el segundo sencillo de su álbum Raising Hell (1986).

¿El resultado? Un Soul Train Music Award en 1987 al mejor single de rap, Top 10 en una decena de países, consideración como una de las mejores canciones de hip hop de la historia, considerada como una de las canciones que marcaron la historia del Rock and Roll, considerada como una de las 500 mejores canciones de la historia de la música y forma parte del salón de la fama de los Grammy.

Parte de todo ese éxito es achacable también al videoclip que empieza con los Run-DMC no pudiendo ensayar por culpa de sus "vecinos" de ensayo de la sala contigua, que son los Aerosmith. Cuando a los pocos segundos, el tema termina y los Aerosmith vuelven a empezar la canción, los Run-DMC les pegan los amplificadores a la pared para boicotearles el ensayo cantando su propia versión de la canción, a su manera (cambiando el "funk rock" original por el "rap rock"). Tyler entonces se vuelve loco y termina abriendo un agujero en la pared interrumpiéndoles a su vez y dando paso ahí a una actuación conjunta en el escenario ante el público entregado.

Este videoclip, también considerado icónico, junto con el propio tema, tuvo su réplica en 2007 en un estilo "dance rock" en la colaboración entre las anglo-irlandesas de Girls Aloud y las británicas Sugababes, en un sencillo publicado para un evento de caridad británico llegando a ser número 1 en Reino Unido.

VALORACIÓN

Ya he comentado que el videoclip es icónico pero para mi creo que ha envejecido mal. Y me duele un poco decir que no es un buen videoclip y más cuando ha sido reconocido en la época y posteriormente, imitado hasta la saciedad en su temática y en su formato, y ahí está el videoclip de las Girls Aloud y las Sugababes que lo demuestran pero si lo analizo sin todo ese bagaje, es todo tan exagerado que no puedo con ello. Aunque eso sí, salvo el momento de Joe Perry asomando la cabeza por el agujero de la pared sin dejar de tocar la guitarra. Ese momento es buenísimo.

We Don't Talk Anymore (2015) - Charlie Puth ft. Selena Gomez

GÉNEROS MUSICALES

Pop.

ANÁLISIS

Hubo un tiempo en el que Charlie Puth estuvo en boca de todos y, a poco que se busque en este blog, se puede encontrar fácilmente el porqué. El chico lo reventó en 2015 y lo consolidó en 2016, año en el que publicó su primer álbum de estudio Nine Track Mind, que se desenvolvió bastante bien a nivel comercial.

Ya se había publicado el álbum cuando sacó su tercer sencillo "We don't talk anymore" una colaboración con Selena Gomez que trata sobre el desamor y sobre estar con alguien pero pensar en otra persona.

El caso es que el videoclip de esta canción me parece muy curioso. En primer lugar porque no aparece Selena Gomez, Charlie es el protagonista masculino pero el papel de prota femenino no recae en la colaboradora de la canción. Y en segundo lugar porque hay un video co-oficial de este tema, publicado antes incluso que el oficial, y que es un directo maqueado de una actuación de los dos artistas juntos interpretando la canción. Por lo tanto, si alguien lo que quería era ver a Selena Gomez, puede ver esa segunda versión del videoclip aquí.

Pero como el que nos ocupa es el oficial cuento que la pantalla aparece dividida durante todo el videoclip mostrando a la izquierda un día en la vida del chico y a la derecha el mismo día en la vida de la chica, que se sobreentiende han dejado de ser pareja y han rehecho sus vidas pero que les cuesta cortar lazos porque siguen en contacto. De hecho ese contacto es lo primero que hacen por la mañana y lo último que hacen antes de acostarse lo cual ya va significando cosas. Su día discurre bastante en paralelo, caminando por la ciudad, el trabajo, los amigos, los ligues... pero al final terminan en la cama solos y acordándose el uno del otro.

VALORACIÓN

El videoclip me ganó con la ventana partida y, como ya he mencionado en el análisis, tiene cosas muy interesantes. Que empiecen y terminen el día pensando en el otro, los paralelismos de su día a día, con los flashes de las cámaras incluidas, la sucesión de fotos juntos al final, pero lo que me terminó de ganar fue la escena de ambos enrollándose con otros pero que gracias a la doble ventana parece y al mismo tiempo no parece que se estén enrollando entre ellos. Videoclip original y bastante bueno.

The Ballad of Chasey Lain (1999) - The Bloodhound Gang

GÉNEROS MUSICALES

Nu Metal, Comedy Rock.

ANÁLISIS

Hace un par de semanas se lió una buena en el mundo youtuber español porque un pimpollo tuvo la idea de poner un especie de sorteo en su canal para conocer a la actriz porno que más les gustase a sus seguidores. Llegó entonces una pimpolla youtuber, influencer y demás sufijos "er" diciendo que los 300.000 que habían votado "blanqueaban la explotación sexual" y que los 40.000 que habían comentado eran unos "puteros". Y luego ya empezaron a llegar pimpollos y pimpollas youtuber, influencer y demás sufijos "er" a favor, en contra, pero como la pimpolla inicial estaba embarazada le dio ansiedad y, y, y... el mundo de las redes se vino abajo un par de días, que es lo que duran todas estas mierdas hoy en día.

Aunque no soy ajeno a las corrientes de Internet de hoy en día, ya tengo algunos años (¡por favor, si tengo un blog! ¡¡quién cojones hace blogs hoy en día!!) que me dan una cierta perspectiva y conocimiento para ver las cosas de otra manera. Y una de las cosas que veo es la falta total y absoluta de respeto a los demás que tienen una buena parte de los (para mí) mal llamados influencers, que algunos hasta se lo llaman a sí mismos (porque digo yo, hay casi más influencers que espectadores así que como no se influyan los unos a los otros, no sé qué coño de influencia van a ejercer) fruto, probablemente, de un ego desmesurado y puede que un ansia de popularidad poco disimulada.

Líbreme el señor de posicionarme en favor de tal o cual postura en ese debate pero que una persona que, supuestamente, con sus opiniones influye a las de los que la siguen (porque eso es ser un influencer) se crea con la autoridad moral de insultar en público hasta a 340.000 personas a las que no conoce de nada, por un simple vistazo a un canal de Youtube, de Twitch, de Twitter o de lo que sea es bastante vergonzoso. Y no es que les haya llamado "tontos" sino que lo que les ha llamado es algo bastante grave como para que si no hubiese generalizado y hubiese dirigido esas mismas palabras con nombre y apellidos, podría haberse ganado alguna querella judicial.

Por eso, como hoy todo el mundo se ofende con todo y eviscera sus críticas contra aquello que no le gusta, se me ocurrió echar la vista atrás y recordar el tercer sencillo de Hooray for Boobies (1999) tercer álbum de estudio del grupo The Bloodhound Gang, que tuvieron a bien dedicárselo a la actriz pornográfica Chasey Lain.

21 años antes (porque el sencillo se lanzó en el año 2000) de esta discusión que tambaleó los cimientos de las redes sociales españolas, resulta que ya existía la pornografía y que en este caso un grupo musical de tono cómico lanzó "The ballad of Chasey Lain" con unas letras bastante explícitas y un videoclip (en la versión no censurada, que mostraba a la actriz que da título a la canción, actuando). Y cada uno pudo pensar lo que quiso tanto del grupo, como de la actriz a la que se hace referencia como al videoclip pero eso no llevó a nadie a insultar gravemente a los espectadores y fans del grupo, de la actriz a la que se hace referencia o al videoclip. Por supuesto que este argumento de respeto a los demás no va a convencer a nadie que blanda por bandera el derecho de expresión para creerse con el derecho a decir lo que le de la gana pero quizás por eso, en vez de ir a mejor, vamos a peor. Y si no que alguien me explique cómo el programa ese de los tronistas lleva 13 años en antena en varios países, los más que isla, archipiélagos de las tentaciones tienen picos de audiencia de casi 5.000.000 de espectadores o los Shore (ya sean de Gandía, de Geordie o de Villablino) ganan premios de televisión.

Y después de todo este rollo, vamos al videoclip. El grupo está rodando el videoclip en el estudio donde todo el cuerpo técnico son mujeres desnudas despampanantes. Los miembros de la banda se pasan todo el videoclip tan "obnubilados" con las distracciones que eso les provoca que alguno hasta llega a caerse del escenario. Sin embargo, en un giro argumental que nadie vio venir, Jimmy Pop, el líder y vocalista del grupo se queja al final de la distracción que le produce el ver al único hombre del cuerpo técnico, comiendo de manera sucia y asquerosa.

VALORACIÓN

El videoclip me parece divertido así que solo por eso lo catalogo como bueno. Guarda cierta relación con la letra, tiene giro final inesperado y divertido a la par que desagradable y, la versión censurada, no enseña absolutamente nada. De hecho, la saga de películas de Austin Powers han hecho un gag cómico recurrente con este mismo "estilo" de no enseñar nada.

Eso sí, mis respetos a quién no le guste o le parezca [ponga aquí el descalificativo que más le guste]. Los mismos que espero tengan hacia mí o hacia quienes no piensen de su misma forma.

Ha nacido un gitanito (2009) - Nacho Cano ft. Malú

GÉNEROS MUSICALES

Pop.

ANÁLISIS

Hay canciones de broma que están hechas para la chufla, con letras divertidas para momentos festivos y no discuto que en ocasiones alcoholizados. Un claro ejemplo son los Mojínos escozíos, que ya se han dejado caer por el blog aquí.

Pero luego están las canciones que parece que son una broma pero no, que van en serio y que cuando las escuchas por primera vez, te hacen pasar de la incredulidad, al estado de shock y a la vergüenza ajena y que si eres capaz de escucharlas por segunda vez... bueno no, esto no pasa.

Una de esas canciones es este "Ha nacido un gitanito" compuesta por Nacho Cano. O más que compuesta "recompuesta" por obra y gracia de un reto lanzado desde un programa de radio. A finales de 2009, un programa de radio le lanzó a Nacho Cano, que por aquellos entonces estaba con su musical "A" intentando sin conseguirlo repetir con sus composiciones en solitario el éxito del anterior musical que había hecho con canciones de Mecano (el exitoso "Hoy no me puedo levantar"). El reto consistía en que grabara una nueva canción y lo que hizo Nacho fue pasar por chapa y pintura uno de los temas de su musical, pedirle a Malú que lo interpretara y lanzarlo como sencillo, con videoclip incluido.

Esa es la historia de "Ha nacido un gitanito" porque no hay más. La canción, llena de tópicos sobre los gitanos que harían sonrojar hasta a Juan Muñoz, el ex-Cruz y Raya que tenía como bandera sus imitaciones de personajes del mundo calé, no interesó a nadie y pasó con pena y sin gloria por el mundo de la música.

Este blog no va de críticas musicales así que no voy a ensañarme con la letra pero es que el videoclip es igual de penoso. Nacho Cano vestido penosamente de "queli", limpiando el aforo de butacas desde el teatro asustándose con efectos retardados porque le dan un foco para ver lo que supuestamente es un parto en el escenario, que le provoca una reacción de volver a ponerse los cascos y seguir limpiando y bailando como si nada. Ese es el nivel.

Tras esta escena aparece Malú de negro sobre fondo negro con un coro de bailarines y bailarinas detrás con trajes blancos haciendo coreografías mientras se entremezclan algunas imágenes de Nacho a los teclados haciendo sus gestitos característicos y muchas imágenes del musical "A" al que de paso se buscaba promocionar y en el que se ve a algunos de los oyentes del programa de radio que lanzó el "reto" al artista.

VALORACIÓN

En el análisis ha salido la expresión "vergüenza" ajena y estoy convencido de que en este caso, su uso no es gratuito. Es imposible separar la letra tan infame de las imágenes que se están viendo en el videoclip, que si ya de por sí no eran buenas, el conjunto las hace parecer aún peores.

La interpretación de Nacho al inicio del videoclip, que imagino ¡¡espero!! quisiera parecer graciosa es tan penosa que ejerce justo el efecto contrario y la cohorte gitana que acompaña al niño que lleva Malú que a su vez se lo pasa a, digo yo que sería la madre del niño, para ponerlo en una cuna hecha con una rueda es patética. De hecho, el supuesto gitano de la izquierda -y digo "supuesto" porque puestos a tirar de tópicos, podrían haber puesto a algún gitano de verdad ya que ninguno lo parece- lleva una estrella fugaz de las de Navidad y una cizalla. Ojalá alguien que haya visto el musical "A" pueda confirmarme si es por alguna escena del musical y eso tiene sentido porque todo lo que se me ocurre para justificar esa cizalla es estereotipo negativo de los gordos.

Puede que este Belén chusco, con estrella fugaz portada por el falso gitano en el que se muestra a un pobre bebé cuasi como el mesías quisiera terminar de convertir la canción en un villancico, cosa que creo que no consigue en ningún momento ni con la letra ni con el videoclip.

Por cierto, releyéndome, me doy cuenta de que no he dicho si el videoclip me parece bueno o malo. ¿Hace falta?

Gru 3: Mi villano favorito - Yo contigo, tú conmigo (The Gong Gong Song) (Morat ft. Álvaro Soler - 2017)

GÉNEROS MUSICALES

Pop Rock Latino.

ANÁLISIS

Este es un claro ejemplo de canción puramente promocional, creada para (valga la redundancia) promocionar la tercera película de la franquicia de Gru: Mi villano favorito entre el público hispanohablante. De hecho, combinan a un español, Álvaro Soler, con un grupo colombiano, Morat, para que tanto españoles como sudamericanos se vean "representados" en la canción. Canción que no aparece en la película y que tampoco se utilizó en países de habla hispana, en los que ni siquiera les valía una versión en inglés de este "Yo contigo, tú conmigo (The Gong Gong Song)" a pesar de ese subtítulo en inglés que, por cierto, nada tiene que ver con el otro gong gong song, el de las Ikettes de Ike & Tina Turner de 1961 "I'm Blue (The Gong Gong Song)" que luego versionaron los japoneses The 5, 6, 7,8's en la película Kill Bill Volumen 1 (en 2003) y que, por supuesto, nada tiene que ver con el "Blue (Da Ba Dee)" de los Eiffel 65 de 1999 que ya se analizó recientemente aquí.

Pero dejando a un lado los parecidos en los nombres de las canciones y volviendo al tema que nos ocupa (nunca mejor dicho) este tema de Morat con Álvaro Soler ni siquiera se utilizó en la BSO de la película por lo que se lanzó como sencillo, con un gran éxito comercial y llevándose un Los40 Award en 2017 como canción del año.

¿Y de qué va el videoclip? Pues poca cosa, Morat y Álvaro tocando en un plató completamente blanco y con escenas de las película intercaladas aquí y allá y de vez en cuando interactuando con algunos de los personajes de la película.

VALORACIÓN

En el análisis he dicho del argumento del videoclip que "poca cosa" y sin embargo funciona y se hace llevadero de ver dejándole el absoluto protagonismo a los dibujos y, por encima de todos, a los Minions que son robaescenas en el cine y robaescenas en los videoclips. Las interactuaciones con los personajes de la película, sin ser nada del otro mundo, funcionan y le dan ese aire divertido que pretende transmitir la película y la canción. De ahí que para mi gusto, estemos ante un buen videoclip.

Close (2016) - Nick Jonas ft. Tove Lo

GÉNEROS MUSICALES

Pop.

ANÁLISIS

En 2016, en el sencillo "Close", el primero de su tercer álbum de estudio en solitario Last Year Was Complicated (2016), Nick Jonas se marca una colaboración con la sueca Tove Lo, para cantar acerca de lo difícil que se hace abrirse a los demás.

Tanto el tema como el álbum tuvieron buenas críticas buen arranque... pero lo siguiente que hizo el amigo Nick fue volver con sus hermanos a grabar un nuevo álbum de los Jonas Brothers así que hay quién sugiere que no tuvo todo el éxito esperado.

El mismo día del estreno de la canción se estrenó también el videoclip que nos muestra frente a frente a Nick y a Tove sentados sillas frente a frente que, cuando quieren acercarse el uno al otro les mandan de atrás adelante mientras sus ropas se van deshaciendo hasta que un un momento se levantan, las sillas desaparecen, caen al suelo a cámara lenta como en Matrix y empiezan a rebozarse de mierda por el suelo en un "que sí, que no" hasta que se levantan otra vez y ya es un "que sí".

VALORACIÓN

A mi no me ha gustado. Para empezar, se ven mucho antes los pezones (0:37) que la cara de Tove Lo, que de hecho no aparece hasta casi un minuto después 1:25. Es más, más allá de su solo inicial, en cuanto empieza la silla a ir de un lado para otro, lo único que se ve claramente de su figura son los pezones porque la cara casi siempre está medio tapada con el pelo.

Que en el video veamos en el minuto 1:04 como Nick se tiene que recolocar la chaqueta para que no se le caiga del hombro es entre gracioso y patético. Y también lo es que cuando a Tove se le desgarra la chaqueta y podemos ver el top, el ancho del tirante (2:29) es mucho más fino que el que tiene luego la camiseta interior en la que se queda (2:39). Camiseta interior que, mientras iba vestida, a veces parece llevar y a veces no. Eso sí, reconozco que está interesante el efecto de ver la ropa deshacerse. Lástima que el de mover las sillas te haga parecer que estamos viendo Scary Movie o una película de terror de serie B cualquiera. 

Al principio, lo de que no se llegasen a tocar me recordó al videoclip de "Olvidé respirar" de India Martínez con David Bisbal, que ya se analizó aquí pero evidentemente, cuando empiezan con el frotis frotis guarreras -de la mierda que tiene el suelo-, se acabaron las comparaciones. Ahí está un poco la diferencia entre hacer algo más cuidado más poético a algo más chabacano de vamos a revolcarnos por el suelo como los animales (y luego habrá quién piense que yo soy tal por hablar de si el director del videoclip ha pretendido dar protagonismo a los pezones de las chica). Por lo menos, aquel videoclip era solo aburrido. Este es directamente malo.

Wayne's World ¡Qué desparrame! - Bohemian Rhapsody (Queen ft. cast - 1975/92)

GÉNEROS MUSICALES

Progressive Rock, Progressive Pop, Hard Rock.

ANÁLISIS

Guste o no guste la película y su humor típicamente americano, esta escena es uno de los momentos musicales más icónicos de la historia del cine.

Todo empezó en el no menos mítico programa cómico americano Saturday Night Live donde los cómicos Mike Myers y Dana Carvey interpretaban a base de sketches semanales a un par de jóvenes melómanos del Heavy Metal que tienen su propia banda y un programa marginal de música en la televisión local llamado Wayne's World. Tanto éxito tuvieron entre el público americano que en 1992 dieron el salto a la gran pantalla y mal no les fue a tenor de que hubo una secuela e incluso terminaron siendo personajes recurrentes en la serie animada que hicieron sobre la película La máscara (1994) un año después de su estreno.

A nivel de escenas esta película y su secuela dan para alguna entrada más en este blog pero, como ya he dicho, ante todo hay que hablar de la más mítica de todas, que es justo el inicio de la película Wayne's World ¡Qué desparrame!.

Wayne y su banda van en el coche e inmediatamente pone un casete de Queen con la canción "Bohemian Rhapsody" (ya empezada) que inmediatamente empiezan a cantar por encima de la canción. Por el camino recogen a su amigo Phill que, digamos, no se encuentra bien, pero le suben al coche y se suma a la canción. Hay un nuevo parón cuando pasan por delante de una tienda de música y Wayne se baja del coche para admirar una guitarra Fender Stratocaster, que es su sueño, pero enseguida se vuelve a subir al coche y siguen hasta su destino mientras acaba la canción.

Dato curioso nº 1: aunque la película se estrenó en 1992, un año antes, Mike Myers le envió al grupo Queen una videocasete con la escena y Brian May dijo que se la puso a Freddie Mercury, poco antes de que éste muriera y que le gustó y se rio mucho con ella, algo de lo que Myers no se enteró hasta el año 2000 por boca del propio May.

Dato curioso nº 2: aunque algunos artistas, Queen incluido, ya habían grabado algún videoclip para acompañar sus canciones, no fue hasta que llegó el de "Bohemian Rhapsody" y su éxito hizo que la práctica del videoclip se extendiera y generalizara en el mundo de la música. Es decir, no fue el primero, pero fue el que hizo que el videoclip fuese lo que es hoy en día. Y ese videoclip es éste:

Dato curioso nº 3: la banda sonora original de la película Wayne's World: Music from the Motion Picture (1992) fue número 1 y doble disco de platino en los Estado Unidos.

Dato curioso nº 4: esta escena ganó el MTV Award en 1992 en la desaparecida categoría de mejor video (o escena) de una película.

Dato curioso nº 5: el tema "Bohemian Rhapsody", además de en otros países fue número uno en Reino Unido en su estreno en 1975 y volvió a ser número uno en ese país en 1991 tras la muerte de Freddie.

VALORACIÓN

El head banging cuando entra la parte rock de la canción es lo que llevó al estatus de mítica esta escena, pero hay muchos detalles más: el doble sentido del "let me go" de Phill cuando parece que necesita bajarse del coche para vomitar pero que inmediatamente sigue la canción para unirse a los demás, Wayne rompiendo la 4ª pared, la minúscula bolsa para vomitar, la larga imagen del "pincho moruno" de coches cuando baja el tempo de la canción como metáfora de algo que nunca sabremos, el coche AMC Parcer ridículamente diminuto y ridículamente decorado en el que van apretujados ridículamente cinco personas.

En cuanto a la canción, como dirían en la película, "no soy digno" para hablar de ella pero solo el video oficial colgado en Youtube tiene más de 1.300 millones de reproducciones y eso que la canción es de mediados de los '70, además de ganar un Grammy del salón de la fama por su relevancia en la historia de la música, así que, por algo será.

The Last Video (2004) - ABBA

GÉNEROS MUSICALES

Pop, Europop, Disco

ANÁLISIS

Ahora que todavía estamos con la resaca de Erovisión, desde aquí todo el ánimo a Blas Cantó a pesar de ser la crónica de una muerte anunciada y que todavía hay quién piensa que el que cantante de los italianos Måneskin, supongo que por tocar glam metal, es capaz de meterse una raya en medio del certamen y con todas las cámaras enfocándole, es momento de recordar a otros ganadores del certamen, hace la friolera de 47 años. Ni más ni menos que los míticos suecos ABBA.

La historia (y la intrahistoria) del grupo da para páginas y páginas pero con resaltar que se han hecho películas y musicales con sus canciones y que entre ellos no se pueden ni ver, creo que es más que suficiente. De hecho, que no se pudieran ni ver fue uno de los condicionantes para grabar "The Last Video" (también conocido como "Our last video ever") un videoclip homenaje que les hicieron en 2004 para conmemorar su victoria en el certamen eurovisivo del año 1974. ¿Y qué hicieron entonces? Los sustituyeron por muñecos al más puro estilo de la, quizás no tan curiosamente coincidente en fecha, película Equipo América: Policía mundial que se estrenó ese mismo año.

En el video, de vuelta a 1974, quién sabe si audicionando para representar a Suecia en Eurovisión, varios artistas esperan turno para ser evaluados por el jefe de una discográfica de lo más... rocambolesca (por decir algo) hasta que llega un artista, algo mayor, que sorprende al directivo sacando de una caja cuatro muñecos representando a los integrantes del grupo que empiezan a interpretar sus canciones más míticas. Poco impresionado al principio, les da una segunda oportunidad mientras los muñecos ahondan en los éxitos del grupo, encandilando a todos excepto al productor que les acusa de, traduciéndolo e interpretándolo, de no estar a la altura. Abatidos, los muñecos entran en el ascensor donde se encuentran los ABBA verdaderos (con imágenes sacadas del grupo de aquella época) que van a hacer la misma audición y a los que los muñecos les desean "suerte".

Son 3 canciones las que interpretan los muñecos:

• "Take a chance on me"
• "Dancing Queen"
• "Waterloo" (con la que ganaron Eurovisión)

Y una, "The winner takes it all" la que suena al final cuando se marchan, pero hay fragmentos y referencias a un buen puñado de canciones más:

• "Mamma Mia"
• "Watch Out"
• "I Have A Dream"
• "Rock Me"
• "I Do, I Do, I Do, I Do, I Do"
• "Money, Money, Money"
• "Ring Ring"
• "Two For The Price Of One"
• "Dream World"
• "That's Me"
• "Voulez-Vous"
• "Soldiers"
• "Thank You For The Music"
• "Hasta mañana"

VALORACIÓN

El videoclip es una locura: los muñecos, el ayudante chupándole el dedo o riéndose con la boca abierta y el plátano a medio comer, el cameo de Eddie de los Iron Maiden, el cameo de Cher, el cameo de los integrantes del grupo, el resto de actores y comediantes suecos que intervienen en el videoclip, el catalejo para "flipar" con la imágenes psicodélicas, el titiritero sujetando las bolas de espejo o asfixiándolos con el humo... Locura, pero también nostalgia, con grandes canciones que han acompañado a varias generaciones y que seguirán perdurando pese al paso de los años.

Una delicia de videoclip, sin paliativos.

Freestyler (1999/2019) - Bomfunk MC's

GÉNEROS MUSICALES

Breakbet, Hip hop, Electrónica

ANÁLISIS

"Freestyler" es posiblemente uno de los grandes hitos de la música electrónica y sin duda, uno de los más reconocibles. Publicado inicialmente en su Finlandia natal en 1999 por la banda Bomfunk MC's y lanzando a nivel internacional en el 2000, este tercer sencillo de su álbum debut In Stereo, llegó a ser número uno en Australia, Bélgica, Alemania... y así hasta en una buena decena de países en Europa y Oceanía.

Y si mítico es el tema, no menos mítico es el videoclip, partiendo de la premisa tan conocida como la del poder de controlar el tiempo. Un chico con rastas rubias espera el metro escuchando música en su reproductor de Mini-Disc en la estación de Hakaniemi de Helsinki. Allí, un borracho entra tambaleándose pero bailando en la cara de los que esperan el metro incluido nuestro protagonista, que le mira con la expresión que todos ponemos cuando vemos a un borracho haciendo el ridículo en el metro hasta que llega el tren. Una vez subido, el chico se sienta frente a B.O. Dubb, el cantante del grupo, que le mira con cara de suficiencia porque está haciendo aspavientos mientras canta la canción y entonces, el mando del mini-disc le da una descarga y ¡tachán! con él puede controlar el tiempo de las personas. Mientras el chaval se da cuenta de que B.O. ha desaparecido y se le ve fuera del tren caminando por la estación, empieza a descubrir el "poder" que tiene en sus manos, rebobinando adelante y atrás a las personas, y acelerando, ralentizando y pausándolas a voluntad. Así se pasea por toda la estación (el cómo se ha bajado del tren nunca lo sabremos) mientras les hace perrerías bailongas a todos con los que se cruza por delante hasta que intenta hacérselo a la banda y se da de bruces con B.O. al que intenta paralizar sin conseguirlo, y éste, con cara de suficiencia, le rebobina entero hasta el momento inicial de esperar el tren en la estación.

Coincidiendo con el 20 aniversario de la publicación del tema, en 2019 una compañía belga de telecomunicaciones financió una nueva versión del videoclip, sustituyendo las rastas rubias del modelo Marlo Snellman por las de la también modelo Milica Bajčetić y la estación de Hakaniemi por la de Vukov Spomenic de Belgrado. Conservando algunos de los actores del videoclip inicial, lo que sí se han actualizado han sido los bailes y las tecnologías, siendo ahora un móvil (de la compañía de telecomunicaciones), el que tiene el poder de controlar el tiempo.

VALORACIÓN

Colores rojo, blanco y negro, acompañados del algún gris, durante todo el videoclip, algo que ya se ha visto en no pocos videoclips, incluso de los analizados en este blog.

Dicho esto, el videoclip es mítico y si hoy en día el tono (bailes, definición de la imagen, etc.) parece algo anticuado, está la nueva versión que ofrece lo mismo pero más actual. Lo curioso es que la canción, de tan conocida como es, no parece que hayan pasado los años por ella. Lo cual, dice mucho de la canción.

Vale que no vemos cómo baja el chico del tren y que a la estación se ve como llega el tren 178 pero se va en el 136 pero no cabe duda de que estamos ante un buen videoclip.

Sweet Lady (1998) - Tyrese Gibson

Al menos a este lado del charco, antes de entrar en la franquicia de Fast & Furious a partir de la segunda película, al bueno de Tyrese Gibson no le conocía prácticamente nadie. Era uno más de tantos y tantos productos musicales que tienen cierto éxito en los Estados Unidos pero que fuera de allí, no tienen la más mínima relevancia. No es por tirar de clichés, pero antes de dedicarse a la actuación, era uno de tantos afroamericanos raperos que surgen en aquel país como setas y que son básicamente intercambiables, tanto ellos, como su música, como sus fichas policiales.

Comenzó en anuncios de publicidad de Coca-Cola y Tommy Hilfiger, sacó un sencillo con algo de repercusión y la MTV americana empezó a promocionarle en la cadena hasta que sacó un segundo sencillo y de ahí, el álbum debut titulado Tyrese (1998) con su nombre, para que la gente lo encontrase fácilmente no se fuese a equivocar de afroamericano rapero en la tienda de discos, y sacar un tercer sencillo "Sweet Lady" que terminó siendo el más exitoso del álbum y que le proporcionó una nominación a los Grammy como Mejor actuación vocal masculina R&B.

Para el videoclip promocional de este tema, Tyrese jugó sobre seguro y tiró de famoso (famosa, en este caso) para asegurar el tiro. En cuanto al argumento... no tiene mucho misterio. Tyrese va en un autobús cuando se sube una chica guapa, la sweet lady de la canción, la actriz Maia Campbell, que atrae las miradas de los babosos que van en el autobús entre los que se incluye el propio Tyrese, y éste, que cruza una fugaz mirada con ella, empieza a fantasear sobándola en una moto y sobándola en su piso, hasta que empieza a cantar en voz alta. Él se da cuenta y se ríe, el resto de pasajeros se ríe, ella también se ríe. Fin.

VALORACIÓN

¿¡Por dónde empezar!? Puede que sea parte de la fantasía de Tyrese pero a Maia se le mueve el pelo en el autobús y encima de la moto que ni llevando un ventilador en la cara. Tyrese sentado en un sillón en penumbra sin camiseta ¿Por qué? Tyrese en camiseta interior en una especie de almacén en penumbra cayéndole agua por encima. ¿Por qué? Además es que el agua solo cae donde está él, que digo yo, ¡apártate medio metro para cualquier lado y así no te mojas! Pues no. Tyrese en medio de un callejón en penumbra con sombrero. ¿Por qué? Porque no estás peinado no puede ser porque estás calvo (o rapado, me da igual) y porque estás calvo tampoco puede ser porque en el resto del video luces calva.

En cuanto a las fantasías, vale que son finales de los 90 pero, chica pasiva dejándose sobar (moto y piso) e incluso confortando al hombre cuando ya está cansado (piso) chirrían un puñado.

Que todo el videoclip esté en tonos verdosos oscuros, por supuesto tiene su significado. Supongo que la idea era simbolizar un amor naciente aunque hay tantas connotaciones y matices en el significado cromático del verde que mejor no intentar ahondar demasiado.

En definitiva, una mierda de videoclip.

La Pantera Rosa - Meglio stasera (Fran Jeffries - 1963)

No es la primera vez que digo que hubo un tiempo en el que las películas -especialmente las comedias- incluían sí o sí, viniera a cuento o no, un número musical. Y por supuesto, el clásico entre los clásicos de Blake Edwards, La Pantera Rosa (1963) no iba a ser una excepción. 

En este caso no nos vamos a referir a la mítica sintonía (The Pink Panther Theme) que ha acompañado a todas las películas de la saga -serie de dibujos animados incluida- que se puede escuchar aquí, sino a la canción "Meglio stasera" también conocida en inglés como "It had better be Tonight", compuesta expresamente para la película e interpretada magistralmente por la americana Fran Jeffries a la mitad de la película.

El inspector Jacques Clouseau (Peter Sellers), acompañado de su mujer, sigue la pista del ladrón de joyas conocido como "El Fantasma" hasta un hotel de los Dolomitas donde se encuentra refugiada Dala, una princesa India, que lleva consigo la "Pantera Rosa" el diamante más grande del mundo.

Y en una fiesta nocturna, en la que todos los protagonistas de la película se encuentran participando, aparece Fran Jeffries para animar el cotarro interpretando la canción, bailando sola al principio, pero sacando a todo el mundo a bailar a la mitad de la canción.

Una versión instrumental de este tema, fue incluido en la BSO de la película, el álbum The Pink Panther: Music from the Film Score Composed and Conducted by Henry Mancini (1964), que por cierto ganó un Grammy Salón de la Fama en 2005 por su calidad y su repercusión histórica, pero ya antes de esa fecha, la canción ya había sido versionada por Ennio Morricone e interpretada por Miranda Martino en 1963, el mismo año de estreno de la película. Desde entonces se han sucedido las versiones en distintas lenguas, la última la del canadiense Michael Bublé.

VALORACIÓN

No voy a entrar en si la escena musical tiene sentido dentro de la trama de la película -porque no lo tiene- pero lo que es innegable, lo que la hace mítica más allá de la música, que también, y de la letra, que también, es la entrada en escena del grandísimo Peter Sellers. Un actor que era tan bueno que con nada, era capaz de sacar sonrisas a aquellos a los que no había conseguido sacar carcajadas.

Al principio del número, aparece de refilón, sin hacer caso a Fran y casi hasta estorbándola en la coreografía, pero ya al final, cuando ella vuelve y se deja llevar es hilarante, pero qué se puede esperar de alguien ¡que se pierde en una conga!

Imperdible.

I'll be there for you (1994) - The Rembrandts

Es difícil imaginar a alguien al que no le suene esta canción porque no ha dejado de sonar desde 1994. Hay críticos que la consideran como uno de los peores temas de la historia de la música y hay publicaciones que la consideran como una de las mejores sintonías de la historia de la televisión. Puede que ambas partes tengan razón, que no la tengan ninguna o que solo la tenga una de ellas pero lo que es indudable es que muy pocas canciones han conseguido grabarse a fuego en el recuerdo de generación tras generación como ha hecho el "I'll be there for you" de los americanos The Rembrandts gracias, sin duda, a ser la sintonía y B.S.O. de la mítica serie Friends.

¡Y eso que ésta no iba a ser la primera opción! La productora de la serie quería el tema "Shiny Happy People" (1991) de los también americanos R.E.M. en colaboración con Kate Pierson y su banda The B-52's, pero los R.E.M. se negaron y el estudio encargó a The Rembrandts hacer una canción del mismo estilo.

Ahí surgió la sintonía de apenas un minuto de duración que un año después se alargó hasta los tres para convertirse en el primer sencillo del tercer álbum de la banda LP (1995) y siendo número uno en los Estados Unidos durante varias semanas y en el buque insignia de la posterior B.S.O. de la serie, el álbum Friends (Music from the TV Series) (1995) en la que se alargó nuevamente la canción hasta los 5 minutos.

En el videoclip, al igual que en la icónica cabecera de la serie los 6 amigos se dedicaban a hacer el tonto en el sofá en medio del parque con la fuente, se dedican a hacer el tonto en medio de la actuación de la banda mientras ésta interpreta la canción. Mezclando aleatoriamente imágenes en blanco y negro y en color y en un escenario en blanco y negro, referencia a cómo iban vestidos los actores en la cabecera de la serie, se puede ver a los actores interpretando a sus personajes interactuando con la banda con las mismas personalidades que lo habrían hecho en un capítulo cualquiera de la serie. Phoebe (Lisa Kudrow) a la guitarra, Rachel (Jennifer Anniston) buscando cualquier oportunidad para cuidar su imagen aunque sea una pandereta, Monica (Courtney Cox) perdiendo los nervios y utilizando la violencia para hacerse con la batería, Chandler (Matthew Perry) siendo un flojo haciéndose daño al golpearse él mismo con la pandereta, Joey (Matt LeBlanc) haciendo el tonto y Ross (David Schwimmer) al piano con "su música".

VALORACIÓN

Consiguieron que el videoclip fuese casi una parte más de cualquier capítulo de la serie por lo que si la serie era buena, que lo era, y te gustaba, el videoclip te gustará. De hecho, aunque no hayas visto nunca la serie y no conozcas a los personajes, que mira que es difícil, el videoclip es entretenido por sí solo y eso ya es mucho mérito.

Como ya he dicho en el análisis, los personajes y la personalidad de cada uno está bastante bien reflejada por lo que, a parte de que lo que menos importa de todo en el videoclip es la banda -pero si ellos decidieron grabarlo así, ellos sabrán- pocas pegas se le puede poner.

Historia de un amor (2009) - Luz Casal

"Historia de un amor" es un bolero compuesto por el panameño Carlos Eleta Almarán en 1955 dedicado a su hermano por la muerte de su mujer. El éxito de esta canción es difícilmente cuantificable. Hay docenas de artistas que lo han versionado desde entonces y traducido a un buen puñado de idiomas y hoy en día se le puede considerar como uno de los grandes exponentes de la música latina en general y mexicana en particular en la Historia de la Música.

Luz Casal, hizo una versión en 2009 que sirvió de segundo sencillo de su duodécimo álbum titulado La pasión, un álbum de boleros que ha terminado siendo su mayor éxito en el S. XXI, al menos, a nivel de ventas, especialmente en Francia.

Y en el videoclip, un estilo clásico, al hilo de la canción pero reinterpretando la pérdida por el amor no correspondido. Interpretado por la entonces pareja, hoy "ex", de bailaores Sara Baras y José "Pepín" Serrano, Luz Casal ensaya la canción en un escenario con el resto de la banda a un lado y Sara al otro bailándola, mientras los que supuestamente son los miembros del equipo técnico del espectáculo asisten al ensayo. Mientras tanto Pepín, llega tarde, solo en un taxi en la inmensidad de Madrid, al ensayo y observa desde la distancia a Sara, dando a entender su amor por ella. Se le acerca entonces y comienzan a ensayar juntos dejando clara su complicidad y su química pero al terminar la canción, ella se va al camerino con "su amor" el director del show y él vuelve a añorarla en la oscuridad.

VALORACIÓN

Es una historia de amor y desamor muy bien dibujada, mostrando un ensayo pero que no se nota que es un ensayo salvo por los bailarines, porque en la interpretación de la canción por parte de Luz y de la banda no hay ningún corte que nos haga pensar en eso. De hecho, su presencia en el escenario junto a los bailarines podría incluso no ser real y que todo fuera exclusivamente un ensayo de un número de baile de Sara y Pepín, y no de todo el conjunto.

Bien reflejada también la soledad y el amor de Pepín, tonos oscuros de inicio a fin y sin calidad de imagen HD lo que le da el aire clásico que tiene tanto el tema, como el amor no correspondido, el argumento del videoclip.

Para mí, un buen videoclip.

Lucifer - Creep (Tom Ellis - 2019)

Tema icónico de principios de los 90, depresivo como no podía ser menos un tema grunge que seguía la estela de Nirvana y al que la propia banda, los Radiohead, terminó odiando y sacando de su repertorio durante años por culpa del éxito y todas esas mierdas que hacían las bandas de aquel estilo de rock alternativo que tenían que demostrar su inconformismo y su autenticidad y incomprensión y las chorradas esas cara a la galería.

El tema, cuyos "autores" perdieron un juicio por plagio, fue el primer sencillo de su álbum debut Pablo Honey (1992) pasando totalmente desapercibido hasta un relanzamiento en 1993 que les encumbró a nivel mundial. En esta ocasión el videoclip no ayudó necesariamente a ello porque aquí se puede ver que todo lo fucking special que tiene la canción, no lo tiene el videoclip.

Versionado en multitud de ocasiones y por artistas de toda índole, lo que no es sino una muestra de la repercusión del tema a nivel cultural, una de las últimas fue la que realizó el actor Tom Ellis en la serie de televisión Lucifer.

Lucifer cuenta la historia del Diablo, el Ángel Caído, que se aburre de estar en el Infierno y se va a la Tierra a divertirse, como dueño de un club nocturno de la ciudad de Los Angeles, hasta que se enamora de una detective de policía y empieza a ayudarla en sus casos con sus habilidades especiales. Al final de la tercera temporada ella se entera de que realmente es el Diablo y se larga, dejando a Lucifer compuesto y sin novia y ciertamente deprimido.

Y en la primera escena de la cuarta temporada, se ve a Lucifer, interpretando una y otra vez una versión a piano de la canción "Creep", cada vez más deprimido, en consonancia con la letra de la canción y dando cierta relevancia a palabras que en el tema son metáforas pero que en la serie tienen más significado (creep, angel, etc.). La escena termina con una pistola apuntándole a la cabeza al terminar la canción, que da pie a uno de los chascarrillos típicos del personaje ("Os habéis hartado de escucharla, ¿verdad? La canto muchas veces") y que se pierde en el corte que he encontrado para esta entrada.

VALORACIÓN

Lucifer es una serie con bastante contenido musical que ha sabido aprovechar bastante bien las dotes de canto de su protagonista principal y una o dos veces por temporada termina incluyendo algún número musical en algún capítulo.

En este caso, el tema encaja bastante bien con la situación por la que está pasando el personaje, la de un hombre, alcoholizado, enamorado de una mujer a la que no se atrevía a decirle nada. Solo que en la serie sí que se lo dijo y ella le abandonó precisamente por todo lo que se dice en la canción (creep, weirdo, I don't belong here...).

Resaltar también lo bien hecho que está el paso del tiempo en el videoclip, cambiando no solo el fondo, las personas que están en el club viendo la (las) actuaciones, sino también el vestuario del protagonista, huyendo del típico paso del tiempo de fondo mientras lo que pasa en primer plano no se mueve, tan manido en estos casos.

Bastante bien traída, y bastante bien interpretada.

El perdón (2016) - Diana Navarro

En 2016, la malagueña Diana Navarro publica Resiliencia, una palabra muy de moda últimamente, un álbum en el que la artista remueve sus entrañas para liberar dolor fruto de un bache vital que pasó, a base de catarsis musical.

"El perdón", canción que reconoce no es autobiográfica, fue el segundo sencillo de aquel álbum y representa un canto duro, pero duro, desde el rencor, al amor malo, a la traición y a las relaciones abusivas.

Y si dura es la letra, más duro es si cabe el videoclip. Rodado en un único plano secuencia con cámara fija con un primer plano de Diana Navarro que se agranda y achica en función de las emociones que expresa el rostro de la artista. Y no son pocas.

Empezando en blanco y negro, con rostro de resignación, pasa enseguida a la tristeza dejando escapar una lágrima en el primer Te lo da... que empieza a conmover y a incomodar (por la situación que está contando) si no lo había hecho ya. Sube el tono y muestra seguidamente el sentimiento de impotencia que rápidamente pasa a rencor y de ahí a la liberación a través del reproche, que coincide con un cambio del blanco y negro representativo de la depresión y de la deprimente relación que había llevado hasta entonces al color de la liberación de saber que el sufrimiento por esa relación ha terminado. Es en esos momentos en los que la Diana empoderada y libre arranca nuevos sentimientos al espectador con sus dotes vocales y los acompañamientos de la música (los coros, la percusión) justo antes del giro final de la canción en el que empiezan a sonar los bips del monitor de constantes vitales al tiempo que su voz se quiebra y comienza un lento fundido a negro que termina con el bip indicativo de la muerte. ¿De él? No. De ella.

¿Y todo ello por qué? Porque la historia de este videoclip es de un marido pidiéndole perdón a su mujer en el lecho de muerte y ésta encontrando el valor suficiente para negárselo con su último suspiro.

VALORACIÓN

Uno de los ejemplos de lo grande que es la música y de cómo un videoclip puede encumbrar todavía más algo que ya de por sí es una obra de arte.

Si este videoclip no te emociona en algún momento es que estás vacío por dentro. De hecho, hay docenas de vídeos de Youtube en el que se ve a gente reaccionando a este videoclip, muchos de ellos sin siquiera entender la letra por no hablar español, y no hace falta rascar mucho para ver sus caras y detectar las emociones que en uno u otro momento les han hecho aflorar. Eso tiene mucho mérito.

La lágrima, los zoom, el paso del blanco y negro al color, el fundido a negro... todo eso son recursos que acompañan a un rostro que lo dice todo y sin apenas moverse. El playback (evidentemente no se han grabado voz e imagen juntas) es casi perfecto y de primeras, apenas perceptible y eso que la boca es visible en todo momento.

Podría decir más cosas pero es que realmente no hace falta. Si tengo que definir la categoría de videoclips buenos con un ejemplo, desde luego, sería con éste.

Blue (Da Ba Dee) (1999) - Eiffel 65

Cuenta la leyenda que "Eiffel" fue elegido de manera aleatoria por un programa de ordenador y que "65" eran los dos primeros dígitos del número de su discográfica que fueron los que quedaron visibles en una hoja donde estaban haciendo garabatos con sus nombres. Esta es la, para mi penosa, historia del nombre de Eiffel 65, una banda dance italiana que tuvo sus momentos de gloria entre 1999 y 2000, años en los que promocionaban su primer álbum Europop (1999) cuyo primer sencillo "Blue (Da Ba Dee)" fue un éxito mundial que llegó a número 1 hasta en 19 países.

Algunos dirán que la canción es una mierda y otros verán una profundidad de la letra en un intento de salir de la depresión. Todo depende del prisma con el que se mire, o de la traducción que se le quiera dar a la palabra "blue".  Lo que es innegable es que algo tiene para haber conseguido ese éxito internacional, haber sido versionada en numerosas ocasiones y haber aparecido en películas y series. De hecho, Iron Man 3 empieza con esa canción que deja sonando un buen rato (1:12 minutos contando el tiempo sonando en primer y segundo plano), dando el relevo en música del personaje ni más ni menos que a AC/DC así que si Marvel la ha considerado tan digna, no seré yo quién menosprecie la canción.

Pero el videoclip, es harina de otro costal. Unos alienígenas humanoides azules chiquitos están viendo al grupo Eiffel 65 interpretando la canción y, como les gusta mucho, mandan una nave a la Tierra para raptar al cantante y que les alegre la fiesta. Pero como solo raptan al cantante, los otros dos de la banda se suben a una nave y les persiguen hasta su planeta, donde comienzan una matanza de "azules" a base de ondas vitales, rayos y patadas, hasta que logran liberar a su compañero y huir. Sin embargo, cuando se alejan del planeta, ven un mensaje pidiéndoles por favor que vuelvan y ellos ceden y continúan el concierto.

VALORACIÓN

Que el videoclip ha envejecido muy mal es innegable. Esos gráficos vistos hoy en día son de vergüencita ajena, pero si fuera solo por eso, no sería justo decir que el videoclip es malo. Si lo es, porque lo es, no es ni más ni menos que por ser una puñetera locura sin sentido.

Me creo incluso que sea una crítica a la tendencia de hacer caso solo al cantante y no prestar, o prestar menos, atención al resto de miembros de la banda, que es lo que hacen los aliens azules raptando solo al cantante y no al grupo entero. Pero a partir de ahí empieza la cosa a desbarrar. Vale que la banda, casualmente, tenía una nave biplaza para perseguirles. Estamos en un videoclip de ciencia ficción y estas cosas pasan. Pero, que en plena persecución les adelanten y les hagan burla desde la ventanilla, es patético. Y luego, a los aliens les están persiguiendo ¿y no "atacan al enemigo"? Si me vendes que son pacíficos, todavía pero luego en el planeta intentan acabar con los otros dos de la banda a base de pistolas laser que parecen secadores de pelo, con lo que no es ya que desde la nave no ataquen a sus perseguidores sino que les dejan aterrizar como si tal cosa.

Luego ya en el planeta, y dejando a un lado que el cantante tarda la vida en darse cuenta de que "le han cambiado al público" y que cuando lo hace (no sé cómo no le nominaron al Oscar por su actuación), le da un poco igual, los otros dos hacen una auténtica carnicería con los aliens azules, viéndose la muerte de unos 25... y los que no se haya visto. Tela. Por cierto, igual que no entro en lo de la nave para la persecución, no voy a entrar en de dónde han sacado sus poderes los de la banda. Es ciencia ficción así que adelante con todo.

Pero lo que no tiene perdón de dios es que después de esa carnicería les piden que vuelvan y el grupo, que ha sufrido un secuestro y se ha abierto paso a base de sangre, vuelve y termina el concierto.

"Joyita" de videoclip.

Scatman (Ski-Ba-Bop-Ba-Dop-Bop) (1994) - Scatman John

Para muchos Scatman John, nombre artístico de Jonh Paul Larkin - fallecido de cáncer de pulmón en 1999, no era más que un tipo que hablaba rápido y sin sentido. Pero lo que hacía John era una actualización a su época dance del scat, el jazz improvisado a base de introducir vocablos imposibles y sinsentido para acompañar a la música, que tan populares hicieron mitos como Louis Armstrong, Ella Fitzgerald o Cab Calloway en la primera mitad del S. XX.

Tartamudo y pianista de jazz, terminó grabando su primer álbum de estudio, John Larkin, sin mucho éxito en 1986 y en 1990 se fue a Berlín donde decidió romper con los cánones clásicos y mezclar el scat de su jazz con los movimientos musicales de la época, el dance y el hip-hop. Y con 53 años, y después de cambiarse el nombre por el de Scatman John, tras el éxito de "Scatman (Ski-Ba-Bop-Ba-Dop-Bop)", John Paul Larkin publicó Scatman's World (1995) su segundo álbum de estudio y se hizo una estrella mundial. Su segundo álbum en 1996 fue un relativo fracaso en Europa pero le encumbró aún más en Japón. A partir de ahí no volvería a saborear el éxito hasta su fallecimiento en 1999.

El videoclip con el que dio a conocer su famoso "Scatman (Ski-Ba-Bop-Ba-Dop-Bop)" está íntegramente grabado en blanco y negro, en homenaje a esos míticos precursores del scat de principios del S. XX mostrando, en una imagen siempre dividida en distintas pantallas cuyas imágenes no están sincronizadas ni para repetir todas la misma imagen ni para formar todas una única imagen, van apareciendo aparte de John, distintos personajes bailando y cantando la canción de distintas razas y tipos. Asiáticos, afro-americanos, mujeres, hombres, bailarinas clásicas, más trajeados, más "casual" y los miembros de la banda con estilo jazz tocando la batería, la trompeta o el contrabajo y termina con John riéndose al terminar la grabación.

VALORACIÓN

El videoclip es sencillo pero engancha y los personajes que aparecen son divertidos sin caer en lo ridículo, quizás porque justo un segundo antes de parecerlo, hay un cambio a otro personaje y todo vuelve a empezar. El blanco y negro y los look de músicos de jazz de la banda parecen bonito homenaje, quizás por el miedo que tenía el artista a ofender a los más puristas y seguramente más de uno se sintió ofendido por sacar el scat del jazz para mezclarlo con música moderna pero el éxito internacional del tema ensordeció todas las críticas al respecto que le pudieran llegar.

¿Es un videoclip que pasará a los anales de la historia? No, pero se deja ver, que no es poco.

ZZ Top (1983) - Gimme All Your Lovin'

Hablar de ZZ Top son palabras mayores. Uno de los grupos más icónicos de la historia del Rock por su música, su estilo, sus señas de identidad en sus vídeos y su influencia en grupos y artistas posteriores que les han versionado innumerables temas.

En 1983 publicaron Eliminator, su octavo álbum de estudio y ganaron un premio MTV al Mejor videoclip por uno de sus temas, "Legs" que quizás veamos en otra ocasión. Pero lo que toca hoy es ver el primer sencillo de aquel álbum titulado "Gimme all your lovin'", que además de ser uno de sus temas más famosos, tiene un videoclip que introduce la gran mayoría de las señas de identidad por las que se reconoce a la banda.

La primera, el Eliminator, portada del álbum y también del siguiente Afterburner (1985), un Ford Hot Rod de 1933 propiedad de Billy Gibbons y modificado a su medida que es historia viva de la música y que entra y sale del salón de la fama del Rock & Roll cuando le da la gana. Teniendo el coche, no podían faltar las llaves, con el llavero en forma del no menos icónico logotipo de la banda, que recorre de lado a lado el Eliminator, Y teniendo el coche, y más si hacemos caso al videoclip, no podían faltar las chicas ZZ, las tres chicas que veremos en no pocos videoclips de la banda. Todo eso sumado a las infinitas barbas de Gibbons y Dusty Hill y al bigotazo de Frank Beard y su look tejano.

El Eliminator llega a una estación de servicio en medio de la nada del que se bajan tres sofisticadas y despampanantes mujeres que hacen fantasear al chico, que atiende el servicio. Cual fantasmas se aparecen los tres integrantes de la banda y le entregan al chico las llaves del Eliminator, que le sirven para que las tres chicas se le lleven con ellas usándole de chófer. Después de una vuelta en la que se intuye el chico ha podido pasar los mejores momentos de su vida (y no hablo necesariamente de sexo), las chicas le dejan tirado literalmente en su gasolinera y se marchan. Se ve entonces que todo ha sido un sueño calenturiento del chico que se despierta debajo del coche que estaba arreglando hasta que encuentra el llavero del Eliminator, momento en el que ve el coche pasando por delante de la carretera sin detenerse en la estación de servicio. Entonces, con las llaves en la mano, se sube a una camioneta y parte en busca del Eliminator y sus ocupantes sin mirar atrás.

VALORACIÓN

El videoclip ha envejecido mal. Es una historia mil veces vista y típicamente americana. El rol de las mujeres que aparecen en el videoclip es denigrante para los tiempos de hoy en día. Eso y muchas cosas más se pueden decir de este videoclip y serán todas ciertas pero, aún así, por su iconografía mi conciencia no puede sino decir que estamos ante un buen videoclip.

El mismo sol / Under the same sun (2015) - Álvaro Soler ft. Jennifer Lopez

Álvaro Soler no pudo tener mayor éxito en su debut en solitario cuando publicó su primer sencillo "El mismo sol", avance del que sería su primer álbum de estudio en solitario Eterno agosto (2015). Sobre todo en Italia donde fue fue número uno y canción del verano aquel año. También alcanzó lo más alto de las listas de ventas en Suiza y Polonia. No tan alto llegó en España, tercero "solamente", pero lo suficiente como para ser "profeta en su tierra", a pesar de residir en Alemania.

La canción se podría haber quedado ahí si no fuera porque meses después grabó una nueva versión con Jennifer Lopez. Bueno, en realidad grabó dos versiones, una en español para el mercado hispano y otra en spanglish para el mercado internacional.

De esa segunda versión en spanglish fue de la que hicieron el videoclip, pero es que ya había un videoclip de la primera versión de la canción con Álvaro en solitario. En aquel videoclip que se puede ver aquí, Álvaro se "viste" de mochilero, se sube a la moto y va recorriendo varios pueblos de Andalucía conociendo a la gente y viviendo experiencias y "picoteando de flor en flor".

Pero no es ese videoclip el que nos ocupa sino el que grabó con J-Lo en el que se muestra la experiencia americana de Álvaro previa a la grabación del videoclip. Comienza literalmente el aterrizaje en Nueva York del muchacho, algunos bolos en solitario que promociona Jennifer por las calles (real como la vida misma), el rodaje en exteriores (puente de Brooklin) y en interiores (con la Lopez) de algunas escenas y varios megabolos ya a dúo con y con toda la parafernalia americana, terminando con unas palabras de agradecimiento del cantante a familia, equipo y fans.

VALORACIÓN

En este caso, lo bueno es que se puede comparar para ver cuál gusta más tanto de videoclip como de la propia canción.

En cuanto al videoclip original, es sencillo, va con la letra de la canción y aunque es todo muy happyflower, lo cierto es que se deja ver. Lo mismo pasa con el videoclip que nos ocupa, que mantiene el mismo tono happyflower pero cambiando la moto por el avión. Ya se ha visto antes, por ejemplo en el ya analizado "Torn" de Natalie Imbruglia, pero sigue siendo relativamente original lo de que el videoclip sea la grabación del videoclip y queda bien.

No obstante, y aunque me parece un buen videoclip, no dejo de tener la sensación de que le da a Álvaro un aire de "pardillo", estilo Paco Martínez Soria en la película La ciudad no es para mí, o por buscar otro símil, estilo Cenicienta, en la que el sin perder la sonrisa, parece que le llevan de aquí para allá para que haga lo suyo y luego soltarle "vuélvete a tu casa". De hecho el final es él volviendo en el avión y después de eso los agradecimientos. No sé si será o no intencionado pero me deja un regusto de "no merecerlo" que creo que no se corresponde con la realidad, excepto en un único momento, cuando dice lo de qué pasa J-Lo y sin embargo, parece tan coreografiado que no termino de creérmelo.

Dando la nota: Aún más alto - Winter Wonderland / Here Comes Santa Claus (Snoop Dogg ft. Anna Kendrick - 2015)

Hubo una época, afortunadamente creo que ya superada, en la que se pusieron de moda los mashup, conocida a este lado del charco como bootleg. Aunque en mucha menor medida es algo que lleva ocurriendo toda la vida, se puso de moda a finales de los 90 y durante casi dos décadas ha estado en la cresta de la ola gracias, sobre todo, a las series y películas musicales para adolescentes en el cine y la televisión.

Y qué es exactamente el mashup, pues básicamente, mezclar dos canciones. Pueden yuxtaponerse, superponerse, sucederse... el límite está en la creatividad del artista. La del caso que nos ocupa es una superposición de canciones que se da en la película Dando la nota: Aún más alto de 2015, secuela de Dando la nota de 2012, películas musicales de cine para adolescentes sobre un coro universitario femenino que canta canciones a capella, esto es, sin instrumentos.

En esta escena, la protagonista, Anna Kendrick, que trabaja en una productora, tiene una idea para mejorar el "plano" villancico "Winter Wonderland" que estaba grabando en el estudio el rapero Snoop Dogg. Con su decisión pero al mismo tiempo timidez habitual, convence a su jefe para que le deje probar una cosa, y con una base electrónica interpreta el villancido "Here comes Santa Claus" por encima (porque realmente le dan más importancia a la voz de Anna que a la de Snoop Dog) del rapero y transformando, según la película, el villancico resultante, en algo muy superior. Y todo eso sin que el pobre de Snoop se enterase de qué iba la fiesta.

Por descontado siendo una película musical, este tema formó parte de la BSO de la película Pitch Perfect 2 (2015).

VALORACIÓN

El mashup es un género que no me gusta. Si una canción es buena, no necesita de mejoras y si es mala lo suyo es pasar de ella y centrarse en otra que sea mejor o que merezca más la pena. Pero es mi opinión, de alguien que no tiene ni idea de música y que simplemente disfruta de ella y de los videoclips.

Dicho esto, la escena está bien. Se ve algo del proceso de grabación de un tema, al artista en la sala de grabación y al equipo técnico valorando formas de potenciar la voz o el instrumento que se está grabando. Luego está, cómo no, el último mono (última mona) en este caso que sin tener la experiencia de los profesionales, triunfa con una idea supe original, algo típicamente americano que hemos visto cien mil veces pero que, no deja de ser lo que espera la gente en una película de este tipo.

No vamos a tener siempre finales como el de Rocky, que después de pasarse toda la película forjando un campeón y llevándole al combate que le va a dar la gloria, llega su momento y pierde. Esta es otro tipo de película.

Sin ti no soy nada (2002) - Amaral

Censurada por el gobierno de Navarra por sexista, utilizada por el PSOE en el Congreso, premio Ondas a la mejor canción, tildada de machista por compañeros del gremio, traducida a varios idiomas, primer número 1 en las listas para Amaral en toda su carrera... Este "Sin ti no soy nada", primer sencillo del tercer álbum de estudio de del grupo Estrella de mar (2002) no dejó indiferente a nadie. Trataba, y trata, sobre una relación de profunda dependencia emocional o dicho de otra manera, una relación tóxica con todas las de la ley.

Se justificaba Juan Aguirre, diciendo que por muy tóxica que sea la relación de la que escribe, no deja de ser, lamentablemente, una situación real y cierto es que quién más quién menos, ha llegado al menos, a pensarlo alguna vez en su vida.

Y el videoclip va precisamente de eso. El dúo convertido en una pareja de figuritas en una tienda de regalos al que un día compran solo a uno, el representado por Juan, dejando a la figurita de Eva Amaral sola en la tienda. Llevada por la desesperación, cuando la tienda cierra la figura de Eva se hace carne y empieza a recorrerse la ciudad en busca de su pareja perdida hasta encontrarle en un local en plena actuación y uniéndose de nuevo a él, ya sintiéndose de nuevo completa. Sin embargo, el concierto termina y ella vuelve irremediablemente a la tienda estando de nuevo sola.

VALORACIÓN

Polémicas aparte, creo que es un buen videoclip. Sigue totalmente el fondo de la canción, la parte de las "figuritas" está bastante bien hecha, la "desesperación" y búsqueda de su otra mitad bastante bien representada y el girito final de, sí, sí, concierto guay y tal pero la realidad es que vuelves a estar sola, bastante bien traído.

Que en una tienda de antigüedades orientales, la figura de Juan sea menos oriental que el escudo del Capitán América, pues sí, chirría un poco. Que Eva vaya directamente al local donde está tocando Juan, también está un poco cogido por los pelos. Que el rencuentro entre los dos sea ella ponerse a cantar y él seguir tocando, sin mirarse siquiera después de todas las emociones que han querido reflejar en la búsqueda de la una al otro, pues raro es.

Luces y sombras aunque en este caso, me quedo con las luces.

The client list - I'm a woman (Jennifer Love Hewitt - 2013)

The client list empezó siendo una película para televisión que tuvo bastante repercusión y que supuso un cambio de registro para su protagonista Jennifer Love Hewitt, la sufrida pero cándida protagonista de Entre fantasmas, su serie más famosa y que era poco más o menos el mismo tipo de personaje que había estado interpretando durante toda su carrera tanto en cine como en televisión. En aquella película era una mujer fuerte que se ve obligada a pasarse al mundo de los "masajes eróticos" para sacar a su familia adelante.

Aquella película tuvo tanta repercusión que decidieron seguir la historia en una serie homónima que al final, por problemas con la actriz, solo tuvo dos temporadas.

El caso es que para promocionar la segunda temporada, a principios de 2013, Jennifer grabó un videoclip promocional igual que ya había hecho en 2012 con el tema "Big spender", versión del clásico de Peggy Lee en 1966 pero popularizado por Shirley Bassey un año después. Para muchos, estos dos videoclips con canciones interpretados por la propia actriz fueron la primera noticia de que Jennifer Love Hewitt cantaba porque si bien en los inicios de su carrera artística (de niña, de adolescente...) sacó hasta cuatro álbumes de estudio, ninguno de ellos tuvo gran repercusión más allá de su propio país. Bueno, y en su propio país, tampoco mucho. Quizás alguno la recordase haciendo gorgoritos en Sister Act 2: de vuelta al convento, pero de ahí a tener hasta 4 álbumes... como que no.

Siguiendo con la tónica, para la segunda temporada versionó nuevamente a Peggy Lee con el tema "I'm a woman" (1963). En el videoclip, muy al estilo del de la primera temporada, aparece ella con rascacielos de fondo y acompañada de seis bailarines macizorros vestidos, los siete, igual con traje, corbata, gafas y sombrero aunque a ella el traje le termina durando lo que duran dos peces de hielo en un whisky on the rocks. Se queda en ¿lencería? y se pone a bailar apartando a los bailarines que tan pronto la acosan como no le hacen ni caso para seguir con la coreografía. Estas escenas, que dan incluso para un cambio de vestuario de Jennifer, se entremezclan con otras de ella bailando sola en varios escenarios, típicos de cabarets y clubs nocturnos, con mucho neón, mucha silueta, mucho fondo oscuro, mucha agua salpicando... todo muy sexy y dejando ver, bien claro y muchas veces, la palabra woman.

VALORACIÓN

El videoclip empieza mal, ese momento de subir las escaleras, luego dar marcha atrás y luego otra vez marcha adelante, me descolocó por completo y creo que ya no remonté desde entonces. Ya he señalado lo que le dura el traje a Jennifer, que sí, que intenta dar la imagen de ella como trabajadora, pero es que literalmente le dura 5 segundos cronometrados. Vale, que su "trabajo" no es precisamente de traje y corbata, pero ¡¡coño, 5 segundos!! y teniendo en cuenta que han puesto la misma escena tres veces (dos marcha adelante y una marcha atrás) ya me dirás tú lo que le ha durado el trajecito a la amiga. Y luego ya es todo sexy para arriba y sexy para abajo, con más cambios de escenario que de ropa, lo cual también es algo desconcertante.

La idea del videoclip, que por cierto dice que se le ocurrió a ella, era la de promocionar la serie a base de sugerir sensualidad por todos lados y eso lo consigue... pero no con un buen videoclip

Top Gun - Danger Zone (Kenny Loggins - 1986)

En 2021 se cumplen cuarenta y cinco años del estreno de Top Gun, una película de acción sobre un grupo de pilotos en una de las mejores academias del ejército del aire estadounidense y se va a "celebrar" la onomástica con una segunda parte que nadie pedía y que el público no necesitaba. No soy adivino y no sé si tendrá mucho o poco éxito (ni si al menos superará a Hot Shots! (1991), la parodia "oficial") pero aquella película de 1986 fue todo un éxito de taquilla y dejó una importante huella en la sociedad americana de aquellos años.

Pero si la película fue un éxito a nivel cinematográfico, la BSO de la película, Top Gun (1996) lo fue casi tanto como aquella. No solo fue la más vendida de aquel año sino que hoy en día se mantiene como una de las más vendidas de la historia. Se llevó un Brit Award en la difunta categoría de mejor banda sonora original y ganó un Oscar a mejor canción original en la gala de 1987. No fue sin embargo por este "Danger Zone" el primer sencillo promocional del álbum promocional de la película, interpretado por el polifacético Kenny Loggins, que lo mismo te hace un álbum de música infantil como la banda sonora de una película o te gana dos Grammy consecutivos.

El videoclip, promocional de la película en su definición más clásica, fue rodado por Tony Scott, el propio director del film. ¿Por qué digo lo de "definición más clásica"? Porque te cuenta la película de principio a fin. Aparece Kenny en una habitación, tumbado en la cama, con una cámara de fotos (por tener algo en las manos) y con gafas de sol (¿en interior?, pues sí) cantando la canción y se van intercalando esas escenas de él en la habitación con las de la película. Con especial énfasis en las acrobacias aéreas, se ve al protagonista, a su interés amoroso, el giro siendo la instructora de vuelo, la rivalidad con el compañero, el cortejo amoroso, la culminación del acto, el entrenamiento en la academia, la muerte de otro compañero, la mujer del fallecido siendo consolada por el prota y la batalla aérea final. Vamos, todo.

VALORACIÓN

Teniendo en cuenta que la canción - y el videoclip - salieron un mes antes del estreno de la película, hoy en día, si hacen eso a cualquier película, a la productora le da un infarto. Imaginad un videoclip de una peli de Marvel en la que un mes antes te destripa todos los secretos ¡pero todos! de la película.

Eran otros tiempos y ¡ojo! que tampoco me parece mal y de hecho, teniendo en cuenta la taquilla que consiguió la película, desde luego, no fue una mala decisión.

Dicho esto y yendo al videoclip en sí, la verdad es que no tiene nada de dónde rascar. Las imágenes de la película no tienen nada que ver ni con el "personaje" de Kenny en el videoclip, ni tiene mucho sentido que esté en una habitación, con las gafas y la cámara de fotos pero bueno, servía a un propósito y lo cumplió con creces.

Stacy's Mom (2003) - Fountains of Wayne

M.I.L.F. Advertencia: quién no sepa lo que es, que tenga cuidado al buscar en Google. Sin entrar en contenidos para adultos, en la cultura estadounidense nos hay múltiples ejemplos de la obsesión que hay en este país por este concepto: American Pie (madre de Stiffler), Cómo conocí a vuestra madre (madre de Ted), El graduado (Mrs. Robinson)... contrapunto claro del concepto nabokoviano de "lolita" aunque directamente relacionado: obsesión enfermiza, diferencia de edad, aunque al menos el concepto M.I.L.F. no implica la existencia de menores de edad...

Pero dejando a un lado estas consideraciones, el grupo Fountains of Wayne (cuyo componente Adam Schlesinger murió de COVID hace apenas un año) tuvo un único éxito en su carrera y fue el tema "Stacy's Mom", primer sencillo de su tercer álbum de estudio Welcome Interstate Managers (2003) que incluso les proporcionó una nominación al Grammy como mejor interpretación vocal pop y que tuvo bastante relevancia en el mercado anglosajón. Mejor no entrar tampoco en cómo consiguieron la inspiración para la canción (a mi me ha parecido algo sórdido, pero el que quiera que lo busque) y vayamos al videoclip.

Los compañeros de Stacy ven cómo su madre (la modelo neozelandesa Rachel Hunter, exmujer de Rod Stewart) llega en su coche a recogerla en la puerta del colegio y todos se quedan prendados de ella. Por cierto que en la matrícula del coche aparece I love RIC por Ric Ocasek, cantante de The Cars, quién insinuó que habían plagiado parte de una de sus canciones y a cuya mujer, la también modelo Paulina Porizkova, tantearon para el papel de madre en el videoclip antes que a Hunter, pero que ella lo declinó (de hecho, esta no es la única referencia a Ric y a The Cars en el videoclip). Pero sequimos, aparece entonces la banda. De hecho, cada vez que hay un cambio de escena aparece la banda "dibujada" en blanco y negro sobre fondo violeta apareciendo en cuadros, revistas, gafas de sol...

El caso es que Stacy parece estar interesada en uno de sus compañeros y le invita a su piscina. Ella piensa que el chico también está por ella porque, por una serie de coincidencias, cada vez que se queda obnubilado mirando a la madre, Stacy piensa que es por ella. Luego pasan al jardín donde el chico corta el césped mientras Stacy toma el sol. El chico entonces ve a la madre prácticamente desnuda a mientras recibe un masaje y obnubilado de nuevo, se carga un poste para pájaros . De ahí al salón en el que Stacy y el chico ven actuar en la tele a los Fountains sentados en el sofá, pero él gira la cabeza y ve a la madre de Stacy enseñando canalillo y se la empieza a imaginar a ella como una mezcla de rock star y stripper actuando para él.

Luego Stacy le ofrece un poco de agua, el chico va al baño, desde la ventana ve a la madre saliendo de la piscina en un bikini rojo (recreando la escena de la película Picardías estudiantiles en la que Phoebe Cates sale de la piscina en un bañador rojo mientras Judge Reinhold la mira desde la ventana del baño y fantasea con ella -escena en la que, por cierto, sonaba un tema de The Cars). El caso es que el chico empieza a masturbarse y Stacy ignorando el cartel de ocupado abre la puerta para ofrecerle un zumo pillándole en plena faena. Ella cierra escandalizada pero enseguida empieza a sonreír pensando nueva e ingenuamente que es por ella.

VALORACIÓN

Para el argumento que tiene, el videoclip está hecho con cierto buen gusto aunque la sensación no termina de ser del todo agradable. Puede que para un público joven sí, pero... no sé. Supongo que era eso lo que pretendían con el videoclip así que en ese caso, sería un buen videoclip pero... esta vez no termino de estar demasiado a gusto con la calificación que le doy. No obstante, más allá de la temática, los constantes guiños a The Cars, las referencias a películas, las "sutilezas" como la botella en la piscina... me hacen reafirmarme en mi consideración.